The English Cat (en allemand, Die englische Katze) est un opéra en deux actes sur un livret anglais d'Edward Bond, d'après "Les peines de cœur d'une chatte anglaise" d'Honoré de Balzac. L'opéra a été créé dans une traduction allemande par l'Opéra de Stuttgart au Schlosstheater Schwetzingen lors du Festival de Schwetzingen le 2 juin 1983.
La première française a eu lieu à l'Opéra-Comique, à Paris, en 1984.
La première représentation du texte original anglais a eu lieu à Santa Fe le 13 juillet 1985. La première britannique a eu lieu au Leith Theatre d'Édimbourg le 19 août 1987.
Une version révisée a été jouée à Montepulciano en 1990, et elle a été donnée à Londres en 1991.

Un groupe de chats bourgeois a créé la Société royale pour la protection des rats. Pacifistes avoués, les membres de la société élèvent une jeune souris orpheline, Louise. Il existe un triangle amoureux entre Lord Puff, sa femme Minette et Tom.

Instrumentation
Bois : 2 flûtes (toutes deux également flûtes aiguës et piccolos), 2 hautbois (tous deux également cor anglais, le deuxième doublant le Heckelphone), 2 clarinettes (la première doublant la clarinette en mi bémol, la deuxième la clarinette basse et la clarinette contrebasse), 2 bassons (le deuxième doublant le contrebasson).
Cuivres : 2 cors, 1 trompette, 1 trombone
Percussions (3 musiciens) : 2 barres de verre, 9 gongs chinois, cymbales suspendues, tambour de bois africain, 8 tambours de bois, tumba, maracas, claves, güiro, 2 sistres, wood block, cabaça, 5 temple blocks, interrupteurs, slat clacks américains, métallophone basse (ou xylophone basse), 9 cymbales à doigts, sifflet à coulisse, 14 petites cloches
harpe, piano (également à 4 mains), célesta, petit orgue, cithare, cordes (6.4.3.3.1)

Enregistrement
Wergo WER 62042 : Richard Berkeley-Steele (Lord Puff), Mark Coles (Arnold), Louisa Kennedy (Minett), Gunvor Nilsson (Babette/Der Mond), Ian Platt (Tom) ; Parnassus Orchestra London ; Markus Stenz, chef d'orchestre

Le compositeur, pianiste, chef d'orchestre et critique allemand Richard Trunk est né à Tauberbischofsheim le 10 février 1879  et décédé à Herrsching le 2 juin 1968.

Il étudie à Francfort avec Iwan Knorr avant de se rendre à Munich pour poursuivre ses études avec Josef Rheinberger. Il accompagne de nombreux chanteurs (dont Eugen Gura), enseigne le chant pendant un certain temps et est critique musical pour le Münchener Post à partir de 1907.
Il est invité à New York et à Newark, dans le New Jersey, pour diriger l'Arion Society en 1912 ; il rentre chez lui avec l'éclatement de la Première Guerre mondiale. Il devient ensuite critique musical pour le Bayrische Staatszeitung et enseigne le chant à Cologne de 1920 à 1934.
En 1925, il épouse la chanteuse Maria Delbran.
En 1934, il retourne à Munich en tant que président de l'Akademie der Tonkunst. Il s'est retiré à Ammersee après la Seconde Guerre mondiale.

Trunk est un membre de la première heure du parti nazi. Ses chansons Op. 65 mettent en musique des textes de Baldur von Schirach et Hanns Johst.

La plupart de ses œuvres musicales sont des pièces chorales ou des chansons avec accompagnement de piano, bien qu'il ait également composé une opérette (Herzdame, 1916) et quelques œuvres instrumentales et de musique de chambre.

Le chef Felix Weingartner est né le 2 juin 1863 à Zara (Dalmatie, aujourd'hui Zadar en Croatie) et mort le 7 mai 1942 à Winterthour .

Son nom est toujours présent, sa technique de frappe aussi claire qu'élégante est encore légendaire aujourd'hui, il était l'une des personnalités marquantes de la direction d'orchestre des 19e et 20e siècles.
Il est né à Zadar mais la famille a déménagé à Graz lorsqu'il avait cinq ans.
En 1881, il est parti à Leipzig pour étudier la philosophie, mais s'est rapidement tourné entièrement vers la musique. En 1883, il était au conservatoire de Leipzig l'un des derniers élèves de Franz Liszt, qui a également soutenu la représentation de son opéra Sakuntala à Weimar en 1884. Plus tard, Weingartner a également étudié avec Carl Reinecke.
En 1884, il a été directeur de l'opéra de Königsberg ; de 1885 à 1887, maître de chapelle à Danzig, puis à Hambourg jusqu'en 1889 et à Mannheim jusqu'en 1891. Enfin, il s'installa à Munich.
À partir de 1908, il fut directeur de l'Opéra de la Cour de Vienne pendant trois ans, à la suite de Gustav Mahler, et dirigea les Concerts philharmoniques de Vienne de 1908 à 1927. De 1919 à 1924, il a été directeur de l'Opéra populaire de Vienne. De plus, il a enseigné pendant des années à l'Académie de musique de Vienne.
En 1927, Weingartner s'installe à Bâle où, jusqu'en 1934. Il est à la fois chef d'orchestre principal de l'ancien Orchestre de Bâle, directeur artistique de la Société générale de musique et directeur du Conservatoire.
De 1935 à 1936, il fut directeur de l'Opéra National de Vienne. En outre, Weingartner a travaillé à Hambourg, Boston et Munich.
Dès le 9 octobre 1905, il avait été l'un des premiers pianistes à enregistrer 6 pièces pour Welte-Mignon. Plus tard, il fut le premier chef d'orchestre à réaliser des enregistrements commerciaux des 9 Symphonies de Beethoven.
En tant qu'écrivain, on lui doit entre autres un traité "Über das Dirigieren" (1905), un rapport "Bayreuth 1876-96" (où il fut d'abord assistant puis chef d'orchestre sous la direction de Richard Wagner puis de Cosima Wagner) ainsi qu'un ouvrage didactique "Ratschläge für Aufführungen der Symphonien Beethovens" - plus tard également de Schubert, Schumann et Mozart.
Bien que Weingartner ait laissé une œuvre de composition relativement importante (opéras, symphonies, lieder et musique de chambre instrumentale), ses œuvres ne sont plus guère jouées. Ce n'est qu'entre 2005 et 2010 que le label de musique classique cpo a de nouveau attiré l'attention sur le compositeur Weingartner avec de nombreux premiers enregistrements de ses œuvres, dont ses sept symphonies avec l'Orchestre Symphonique de Bâle, le Concerto pour violon et trois quatuors à cordes.

Le Lincoln Center for the Performing Arts (LCPA) a annoncé que le chef américain Jonathon Heyward succédera à Louis Langrée, directeur musical et chef d'orchestre depuis 2003.

Jonathon Heyward exercera un mandat de trois ans à compter de l'été 2024. Sous sa direction, l'orchestre du festival Mostly Mozart adoptera un nouveau nom qui illustre l'intégration de l'orchestre dans le festival d'été plus large, ainsi que dans les initiatives et explorations artistiques à l'échelle du campus.

Jonathon Heyward est actuellement directeur musical désigné de l'Orchestre Symphonique de Baltimore où il entrera en fonction cet automne, et il est depuis deux ans chef principal de la Nordwestdeutsche Philharmonie à Herford (Allemagne).

 

Le compositeur Jonathan Bailey Holland a été nommé Doyen de la Bienen School of Music de la Northwestern University à Evanston, Illinois, à partir de septembre.

Il dirige actuellement l'Ecole de musique de l'Université Carnegie Mellon à Pittsburgh.
L'école Bienen a fait preuve d'un engagement à élargir le prisme à travers lequel nous définissons la forme d'art et elle est bien placée pour poursuivre ce travail nécessaire alors que nous nous dirigeons vers un avenir qui exige excellence, créativité, ténacité et compassion". a-t-il déclaré.

Le Prix allemand des instruments de musique sera décerné en 2023 dans les catégories cornet et mandoline. Avec ce prix, décerné pour la 33e fois, le Ministère fédéral de l'Économie récompense des instruments de musique, produits en Allemagne, de la plus haute qualité et présentant des caractéristiques particulièrement innovantes. Les lauréats de cette année sont les frères Alexander de la Rheinische Musikinstrumentenfabrik GmbH pour un cornet ainsi qu'Alfred Woll et son atelier de maître pour mandolines et mandoles.

Ce Prix d'instruments de musique est décerné chaque année depuis 1990 dans deux catégories alternées. Il sert à reconnaître la qualité artisanale et doit être une incitation à améliorer encore les performances et la compétitivité.
Dans le cadre du concours organisé en plusieurs étapes, un jury d'experts décide d'abord de la qualité artisanale ou technique, avant que des musiciens ne jugent de la jouabilité des instruments.

Le projet Repertorium, financé par l'Union européenne vise à récupérer 4 000 chants grégoriens conservés à l'Abbaye Saint-Pierre de Solesmes (France) depuis plus de 1 000 ans.

Pour ce faire, la recherche espère utiliser l'intelligence artificielle, en cataloguant ces partitions perdues ou réduites au silence depuis tant de siècles, grâce à 400 000 images prises que l'IA analysera, et en les reliant numériquement aux bases de données et aux archives existantes, pour atteindre un total d'environ 2 000 000 de chants, liés les uns aux autres.
En même temps, ils espèrent que le projet permettra "une expérience immersive complète dans les concerts de musique classique", de sorte que les auditeurs qui écoutent la musique par le biais de services de streaming puissent "avoir l'impression d'en faire partie".

La première édition du Festival Universitaire de musique ibéro-américaine [MusicUO] accueille ce jeudi 1er juin un concert extraordinaire dans la grande salle de l'Auditorium Príncipe Felipe d'Oviedo, au cours duquel la Oviedo Filarmonía, sous la direction de Rubén Díez, interprétera des œuvres de compositeurs espagnols du XIXe et du début du XXe siècle qui étaient tombées dans l'oubli : Pot-Pourri de aires característicos españoles (1837) de Ramón Carnicer [Première mondiale],  En la Alhambra, pequeño poema sinfónico en tres movimientos (ca. 1906) de Miguel Marqués [première mondiale] et la Symphonie n° 3 (1905) de Tomás Bretón [première mondiale].
À 19 heures, le professeur de musicologie et directeur artistique du festival, Ramón Sobrino, donnera une conférence introductive au concert.

Le génie de Federico García Lorca (1898-1936), un siècle plus tard, résonne encore dans la culture populaire avec la force d'une mer agitée. Il ne cesse de croître. Il y a le génie du poète, auteur de Poema del cante jondo, Romancero gitano ou Poeta en Nueva York..
En revanche, on parle peu du génie du musicien et folkloriste. Ou, du moins, il n'est pas si souvent mis en évidence face à son œuvre lyrique et théâtrale inégalable et influente.

Il faut le rappeler : avant d'être poète, Lorca était musicien. Je suis avant tout un musicien, a-t-il déclaré lors d'une interview.
Sa formation musicale a précédé toute autre, mais surtout, sa passion pour la musique l'a habité très tôt et a marqué toute sa vie, y compris sa conception de la poésie. La musicalité de la poésie lyrique de Lorca était sa marque de fabrique, comme le montrent déjà certains de ses premiers livres, tels que Primeras canciones et Canciones. Ceux-ci comprennent de courtes compositions qui, dans de nombreux cas, répondent aux structures poétiques de la chanson populaire. Des éléments de musique folklorique traversent sa poésie jusqu'à atteindre leur plus grande splendeur dans Romancero gitano (Ballades gitanes) et Poema del cante jondo (Poème du cante jondo).

Lorca a toujours été reconnaissant à l'un de ses grands professeurs : Antonio Segura. Ce pianiste grenadin fut son professeur de piano lorsque la famille Lorca déménagea de Fuente Vaqueros à Grenade. Selon le poète, c'est Segura qui l'a initié à la "science folklorique". Lorca, qui admirait profondément Beethoven, avait des qualités extraordinaires pour la musique, à savoir une oreille magnifique et une merveilleuse dextérité au piano. En outre, grâce à Segura et à son propre instinct, il aima dès son plus jeune âge tout le folklore qui lui parvenait des nourrices qui faisaient partie de son foyer et qui lui racontaient des histoires et lui chantaient des berceuses et des romances. De tout cela, Lorca a émergé comme un être musical. Merveilleusement musical. À tel point qu'à la Residencia de Estudiantes de Madrid, il captivait tout le monde lorsqu'il jouait du piano, plus encore que par ses poèmes.

Lorca a également eu un autre maître et ami en la personne de Manuel de Falla. Sa rencontre avec lui en 1920 l'a marqué. Il est fasciné par Falla et se familiarise avec le cante jondo et le folklore andalou. Avec lui, il organise le Concurso de Cante Jondo à Grenade, une croisade qui a le mérite d'élever le cante jondo et, en général, toute la musique populaire andalouse, à une catégorie culturelle indiscutable, loin des clichés. Ce concours est historique et d'une valeur incalculable pour le flamenco. Dans le cas de Falla, principal instigateur du concours, l'influence du cante jondo a commencé avec El amor brujo (1914-1915) et s'est poursuivie dans ses œuvres ultérieures, telles que Concerto, Fantasía Bética (1919) et El retablo de Maese Pedro (1923). À l'occasion du concours, Falla publie un pamphlet présentant sa théorie du cante jondo, dans lequel il affirme que le primitivisme et l'orientalisme sont des courants culturels du jondo et reconnaît son influence sur les compositeurs contemporains d'autres nations comme la Russie (Rimski-Kórsakov, Alexandre Borodine, Mili Balákirev et Mijaíl Glinka) ou la France, avec Claude Debussy comme porte-drapeau.

L'artiste grenadin était un grand connaisseur de la musique andalouse, qu'il a élevée en développant une prose radicalement poétique pour parler du duende et du folklore. En fait, il a défini le duende mieux que quiconque. Et comme l'a souligné le poète Jorge Guillén : La mémoire de Lorca est le plus riche trésor de la chanson populaire andalouse.