Le chef autrichien Herbert von Karajan est né le 5 avril 1908 à Salzbourg et décédé le 16 juillet 1989 à Anif (près de Salzbourg).

Spécialiste du répertoire austro-germanique et d'Europe centrale ainsi que de l'opéra italien, il a laissé près de six cents enregistrements chez Deutsche Grammophon, EMI et Decca.

Son nom de naissance est Heribert, Ritter von Karajan (chevalier de Karajan). Karajan est né dans une famille de Salzbourg dont un ancêtre paternel était originaire de Grèce.
Son arrière-arrière-grand-père, l'Aroumain Geòrgios Johannes Karajànnis, originaire de Kozani, partit pour Vienne en 1767 puis pour Chemnitz en Saxe. Son fils et lui furent anoblis par l'électeur de Saxe, Frédéric-Auguste III, le 1^er juin 1792 en reconnaissance de leur contribution au développement de l'industrie textile saxonne. Karajànnis devint Karajan, auquel fut ajoutée la particule von, marque de l'appartenance de la famille à la noblesse autrichienne.
Il est le second fils d'Ernst, chirurgien et directeur du principal hôpital de Salzbourg, et de Martha Cosmac, issue d'une famille de notables de la région de Graz.

Herbert von Karajan fait ses débuts officiels de chef d'orchestre en 1929 en dirigeant Salomé de Richard Strauss à Salzbourg et devient, jusqu'en 1934, premier maître de chapelle de l'Opéra d'État d'Ulm. En 1933, il fait ses débuts au Festival de Salzbourg.
La même année, il présente à Salzbourg une première demande d'adhésion au Parti nazi, qui n'aboutit pas à cause des restrictions décidées au sein du parti nazi après l'arrivée au pouvoir d'Adolf Hitler ; mais il y adhère finalement deux ans plus tard, en mars 1935, notamment pour obtenir le poste de chef de l'Orchestre Symphonique du théâtre d'Aix-la-Chapelle.
En 1935, il est le plus jeune directeur musical (Generalmusikdirektor) allemand et il est invité à diriger à Stockholm, Bruxelles et Amsterdam. En 1937, il fait ses débuts à la tête de l'Orchestre Philharmonique de Berlin et de l'Opéra national dans Fidelio.

En 1938, il obtient un grand succès à Berlin en dirigeant Tristan et Isolde ; un critique berlinois titre ainsi son article : « Das Wunder Karajan » (« Le miracle Karajan »).
Il devient alors un pion utilisé contre Wilhelm Furtwängler dans la guerre interne qui oppose Joseph Goebbels à Hermann Göring pour le contrôle du monde musical allemand, Goebbels soutenant l'Orchestre Philharmonique de Berlin et Goering l'Opéra national.
Le 26 juillet 1938, il épouse la chanteuse d'opérette Elmy Holgerloef. Ils divorcent en 1942, Herbert se remariant le 22 octobre de la même année avec la jeune héritière d'une grande dynastie d'industriels allemands, Anna Maria, dite Anita Gutermann.

En 1939, Karajan s'attire l'inimitié d'Hitler lors d'un concert de gala donné en l'honneur des monarques yougoslaves, en raison de l'erreur du baryton Rudolf Bockelmann. Furieux, Hitler ordonne à Winifred Wagner: Moi vivant, Herr von Karajan ne dirigera jamais à Bayreuth. Karajan reste cependant à la tête de l'orchestre de la Staatskapelle de Berlin à l'Opéra national. Son engagement nazi, jamais assumé mais toujours sous-jacent, lui permit de diriger plusieurs concerts dans Paris occupé en 1941 et 1942 à l'Opéra Garnier à la tête de l'Orchestre Philharmonique de Berlin.

Après la guerre, en 1947, il est « dénazifié » par les Alliés et pris sous contrat par Walter Legge, pour devenir l'année suivante chef d'orchestre permanent du Philharmonia Orchestra à Londres. À la réouverture du Festival de Bayreuth en 1951, ainsi que l'année suivante, il est invité à diriger l'orchestre du festival, notamment dans un Tristan et Isolde devenu légendaire.
Wilhelm Furtwängler meurt fin 1954. Karajan est nommé en 1955 chef à vie de l'Orchestre Philharmonique de Berlin à la succession de l'illustre chef allemand.

Sa nomination signe le départ de Sergiu Celibidache, chef associé du Philharmonique de Berlin, à qui Karajan lui vouait une inimitié. Ce dernier ne redirigera le Philharmonique qu'une seule fois, en 1992, après la mort de Karajan et son nom ne fut rétabli parmi la liste des chefs titulaires que tardivement par Simon Rattle lors de sa prise de fonction à la tête du Philharmonique de Berlin en 1999.

Karajan est alors à la tête de l'orchestre qui est considéré, à l'époque, et depuis longtemps déjà, comme le plus prestigieux du monde et peut se considérer comme l'héritier de la plus grande tradition allemande de direction orchestrale (Richard Wagner, Hans von Bülow, Arthur Nikisch et Wilhelm Furtwängler).

En 1955, après un premier concert à New York, il fait avec l'orchestre une grande tournée aux États-Unis, qu'il renouvelle l'année suivante. C'est dans ces années que se met en place le « système Karajan » très élaboré, qui consiste à faire travailler l'orchestre en studio avant d'enregistrer les opéras sur disque, de sorte qu'au moment des représentations sur scène, l'orchestre est parfaitement rodé.

En 1956, Karajan prend la direction artistique du Festival de Salzbourg, qu'il ne quittera pas jusqu'en 1988. En 1957, il succède à Karl Böhm en tant que directeur artistique de l’Opéra d’État de Vienne, poste qu'il quitte en 1964 sur une brouille. En 1967, il crée le Festival de Pâques de Salzbourg, tout en restant à la tête du Festival de Salzbourg. C'est alors qu'il enregistre au disque, jusqu'en 1971, un Ring qui fait date par son parti-pris de transparence sonore et de légèreté orchestrale.

De 1969 à 1971, il est le directeur artistique de l'Orchestre de Paris. En 1977, il retrouve l'Orchestre Philharmonique de Vienne pour la première fois depuis 1964 ; il n'y sera plus jamais directeur, mais chef invité.

À l'orée des années 1980, Herbert von Karajan joue un rôle capital dans le développement de l'enregistrement numérique et du disque compact, dont le premier exemplaire voit le jour le 17 août 1982 grâce à une collaboration entre Sony et Philips dans une usine à Langenhagen, près de Hanovre. Herbert von Karajan a noué une relation privilégiée avec Norio Ohga, président de Sony, tout en étant affilié à Deutsche Grammophon (Philips) : alors que Sony et Philips débattent du format du nouveau produit, sa proposition d'enregistrer sa version de la 9^e Symphonie de Beethoven, enregistrée en 1951 au Festival de Bayreuth, est décisive dans le choix du format avancé par Sony. Le premier CD classique est un enregistrement d'Une symphonie alpestre de Richard Strauss avec l'Orchestre Philharmonique de Berlin.

En 1982, il entre en conflit avec son orchestre en tentant d'imposer Sabine Meyer au poste de clarinette solo, dans une formation alors quasi exclusivement masculine. C'est le début d'une période tendue avec « ses » musiciens de Berlin qui le verra de plus en plus souvent diriger à Vienne. En 1987, il dirige le Concert du Nouvel An au Musikverein de Vienne avec la soprano Kathleen Battle.

Il donne son dernier concert parisien en 1988 au Théâtre des Champs-Élysées, avec La Nuit transfigurée de Schönberg et la 1ère Symphonie de Brahms.
Le 23 avril 1989, il donne au Musikverein de Vienne son dernier concert, avec la Philharmonie de Vienne et au programme la 7e Symphonie de Bruckner.
Usé par la douleur au dos qui le contraint à porter un corset rigide, il démissionne le 24 avril 1989 de l'Orchestre Philharmonique de Berlin, et réalise le même jour, chez Deutsche Grammophon et avec l'Orchestre philharmonique de Vienne, son dernier enregistrement, celui de la 7e de Bruckner.
Le 16 juillet suivant, il meurt d'une crise cardiaque dans sa maison d'Anif.

Karajan a exploré un très vaste répertoire allant du baroque jusqu’à la musique du xx^e siècle. Toutefois, son nom reste surtout attaché aux « piliers » du répertoire germanique. Son répertoire est en fait celui des autres chefs de sa génération, voire plutôt de la génération précédente. S’il montre dans Mozart, surtout dans les années 1950, un naturel assez nouveau, ni Schubert ni Schumann ne font vraiment partie de son univers. Ses interprétations de Haydn, et plus encore de Bach, ne sont pas de sa spécialité.
Les œuvres du xx^e siècle qu’il a dirigées étaient soigneusement choisies : le Concerto pour orchestre de Bartók, Le Sacre du printemps de Stravinsky, la Symphonie n^o 10 de Chostakovitch et quelques autres (Honegger, Nielsen).
Dans les années 1970, il ajoute à son répertoire quelques œuvres de l’« École de Vienne » et de Gustav Mahler (les symphonies n^os 4, 5, 6, 9 et Le Chant de la terre). Avec Anton Bruckner également, il entretient la même relation que des chefs nés quinze ans avant lui : si ses 4^e, 5^e, 7^e, 8^e et 9^e Symphonies font partie du cœur de son répertoire, il ne s’aventure que rarement dans les autres, qui semblent moins bien lui convenir.
En définitive les compositeurs qu’il a le plus pratiqués et dans lesquels il est le plus reconnu sont Beethoven, Brahms, Tchaïkovsky, Sibelius, Puccini, Wagner et Richard Strauss. Il faut toutefois souligner l'importance qu'il a accordée à la musique de Sibelius.

Concernant son style de direction, il appartient à une génération de chefs germaniques de culture et d’école, mais influencés par quelques chefs latins, italiens surtout, particulièrement Toscanini et De Sabata. Par rapport à des chefs d’une génération antérieure, cela se traduit par des tempos plus stables et une plus grande transparence, tout en conservant un son orchestral de culture germanique, large et puissant. Même si le style de Karajan a évidemment évolué au cours de sa carrière, ces caractéristiques se sont maintenues, avec toutefois une prédilection croissante pour le legato et le son.

Il installa à Monaco sa maison d'édition, Télémondial, qui réalisa les premiers vidéo-disques importants de l'histoire de la vidéo contemporaine.

Pour la quatrième année consécutive, l'Ensemble Variances vous propose un concert inédit Salle Cortot dans le cadre de son partenariat avec l'École Normale de Musique de Paris. 

Au cœur de ce programme, la pièce Les rameurs obscurs de la barque de Rê de Thierry Pécou est une plongée imaginaire à travers de multiples facettes de l'Egypte et de la fascinante ville du Caire. Confrontant le temps présent et l'Antiquité, le compositeur s’est inspiré d'un passage du Livre des Morts Égyptiens qui relate le voyage mystérieux et nocturne du dieu solaire Rê opérant sur sa barque le passage entre vie et mort, vers un nouveau cycle de vie. En résonance à ce long voyage musical et poétique, interrogations existentielles et réminiscences de civilisations antiques émergent du 2ème Quatuor de Philip Glass inspiré de la nouvelle « compagnie » de Samuel Beckett. 

Ce concert vous fera également découvrir 3 œuvres des élèves en composition de l'École Normale de Musique de Paris qui seront créées pour l'occasion :  Thomas Gurin: Cross Dissolve ; Pacôme Lélio: Five Beams ; Jose Salinas: Prélude et fugue.

Rendez-vous à la Salle Cortot, ce vendredi 7 avril (20h30)

Le site de l'Ensemble Variances 

 

Ce concert vous fera également découvrir 3 œuvres des élèves en composition de l'École Normale de Musique de Paris qui seront créées pour l'occasion :  Thomas Gurin: Cross Dissolve; Pacôme Lélio: Five Beams ; Jose Salinas: Prélude et fugue.

 

 

La maison d'édition musicale Peters, dont l'origine remonte à Leipzig en 1800, a été vendue à Wise Music Group.
Peters est à l'origine d'œuvres de Beethoven, Weber et Mendelssohn. Basée à Leipzig, elle est devenue une autorité pour l'oeuvre de Jean-Sébastien Bach puis, en 1900, de Mahler et Richard Strauss.

C'est Wise Music Group qui, par communiqué de presse, a annoncé "l'acquisition d'une participation majoritaire dans Edition Peters Group, l'une des maisons d'édition musicale les plus anciennes et les plus réputées au monde. Wise Music Group a fait son acquisition auprès de la Fondation Hinrichsen et possèdera Edition Peters Group en partenariat avec Christian Hinrichsen, dont l'association familiale avec la société a commencé en 1863.
Aujourd'hui, le groupe Edition Peters a des bureaux à Londres et à New York, ainsi qu'à Leipzig, la ville où il a été fondé en 1800. Il reste l'une des maisons d'édition musicale les plus respectées au monde.
Son catalogue riche et varié de compositeurs contemporains comprend Mark Andre, Sally Beamish, Daníel Bjarnason, Gloria Coates, James Dillon, Jonathan Dove, Sebastian Fagerlund, Brian Ferneyhough, Bernd Franke, Ash Fure, Bernhard Gander, Emily Howard, Clara Iannotta, George Lewis, Elena Mendoza, Shawn Okpebholo, Roxanna Panufnik, Roger Reynolds, Rebecca Saunders, Tyshawn Sorey, Erkki-Sven Tüür et Errollyn Wallen.

Edition Peters Group conservera son identité propre au sein de Wise Music Group, aux côtés de Chester Music, G. Schirmer, Associated Music Publishers, Novello & Co, Éditions Alphonse Leduc, Première Music, Le Chant du Monde, Edition Wilhelm Hansen, Unión Musical Ediciones et Bosworth Music GmbH.

 

Après avoir dirigé les symphonies de Schubert et de Beethoven, le musicien catalan plonge dans la musique de Felix Mendelssohn à partir de cet été et au cours de la prochaine saison 2023-2024.

Ainsi, tant à l'Abbaye de Frontfroide qu'à Santes Creus, il proposera cet été le programme "Cants sobre la Natura", avec des oeuvres de Felix et de Fanny Mendelssohn.
Au début de la saison prochaine, il dirigera le Songe d'une nuit d'été et la 4e Symphonie, "Italiana".
Avec la Capella Reial de Catalunya et le Concert des Nations, on le retrouvera ensuite à Paris, Hambourg, Lyon et Athènes.

Dans le cadre du programme de la Semana de Música Religiosa de Cuenca, l'Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid crée en Espagne La Passion selon Saint Luc du compositeur polonais Kryzsztof Penderecki. Ils seront rejoints par le chœur de la radio polonaise, ainsi que par les solistes Olga Pasiecznik, Mariusz Godlewski, Lukasz Jakobski et Krzysztof Gosztyla.

Pour l'ORCAM, le nom de Krzysztof Penderecki est pratiquement synonyme d'avant-garde européenne. Presque tous les livres d'histoire de la musique incluent aujourd'hui son Treno a las víctimas de Hiroshima (1960), une composition qui pousse les instruments à cordes vers des limites inconnues jusqu'alors. À tel point que le compositeur a dû inventer une notation pour exprimer ses idées. Mais pour Penderecki, innovation et tradition sont toujours allées de pair, comme en témoigne la Passion selon Saint Luc (1966), une composition religieuse écrite dans le langage de l'avant-garde.

 

Les lauréats du Concours "Ton & Erklärung 2023" ont été annoncés : le 1er Prix, doté de 10.000 euros, a été décerné à la mezzo britannique Lila Chrisp (27 ans), tandis que la soprano Florentine Schumacher (29 ans) a remporté le 2e Prix doté de 5.000 euros.

Les deux lauréates recevront aussi des engagements dans des festivals et des salles de concert au cours de la saison à venir. Le 1er Prix comprend en outre la création d'une composition commandée.

Le concours s'est déroulé en coopération avec la chaîne publique Bayerischer Rundfunk à Munich. Les finalistes étaient accompagnés par l'orchestre de la radio de Munich, dirigé par Kerem Hasan.

La mezzo-soprano britannique Lila Chrisp a récemment terminé ses études de master au Royal Northern College of Music où elle a suivi l'enseignement de Louise Winter. Auparavant, elle a étudié au Merton College d'Oxford où elle a obtenu un First-Class Honours Degree en musique en 2017.
Elle a remporté le concours AESS Courtney Kenny en 2018 et s'est produite dans le cadre du London Song Festival.

Florentine Schumacher est née à Güstrow en 1994. Depuis l'âge de 12 ans, elle suit des cours de chant privés. Elle a étudié à partir de 2013 dans le cursus Bachelor Chant et Master Chant à la Hochschule für Musik und Darstellende Kunst de Francfort. Depuis 2020, elle étudie à la Musikhochschule de Mannheim.
En 2015, elle a remporté le prix d'encouragement des jeunes talents du 21e Concours Louis Spohr. Elle est boursière de l'association Richard Wagner de Bamberg.

Le Concours "Ton & Erklärung" se déroule en alternance dans les disciplines suivantes : piano, violon, violoncelle et chant. Cette année, le concours s'adressait aux chanteurs âgés de 17 à 30 ans qui étudient dans une université allemande ou qui sont de nationalité allemande et étudient à l'étranger.
Le jury a évalué tant les performances artistiques et techniques que la transmission du répertoire sous forme de présentations individuelles. Le concours comprenait également un coaching professionnel de l'animation.
Cette année, le jury était composé d'Annette Dasch, Paul Schweinester, Gerold Huber, Damià Nicolau, Petra Gaich, Ulrich Pluta et Tobias Wollermann.

La Fondation Serge Rachmaninoff ouvrira la villa Bauhaus et son parc au public pendant plusieurs week-ends en mai.

La Villa Senar, qui fut la maison d'été en Suisse du compositeur russe Sergei Rachmaninov, se dresse sur les rives du lac des Quatre-Cantons. Elle a été construite en 1930 dans le style Bauhaus. Son nom " Senar " est un  composé de " Se " (de Sergei), " Na " (de Natalia), avec un R final pour Rachmaninov. Le couple a utilisé la villa comme maison d'été entre 1933 et 1939, et il abrite toujours le piano à queue original du compositeur.

En 2022, le terrain et la maison ont été achetés par le Canton de Lucerne pour en faire un centre culturel.
Le Canton s'engage aux côtés de la Fondation Serge Rachmaninov pour ouvrir la maison au public à certaines périodes pour que celui-ci puisse avoir un aperçu de la vie du compositeur.

Le chef d'orchestre britannique Robin Ticciati, 40 ans, quittera son poste de chef d'orchestre principal du Deutsches Symphonie-Orchester Berlin à l'été 2025, poste qu'il occupe depuis 2017.
Il est directeur musical du Glyndebourne Festival Opera.

Pedro Lavirgen était un représentant exemplaire de l'âge d'or du chant en Espagne dans la seconde moitié du XXe siècle, capable de se mesurer sans dédain à des collègues de sa trempe tels que Domingo, Carreras, Aragall et Kraus.

Né en 1930 dans la ville cordouane de Bujalance, Lavirgen montre très tôt sa volonté de se consacrer à la musique. Après avoir terminé ses études secondaires, il s'installe à Madrid où il rejoint le Chœur de Chambre de la Radio Nacional de España, puis celui du Teatro de la Zarzuela, complétant sa formation vocale avec le ténor Miguel Barrosa.
Ses débuts de soliste ont lieu en 1959 à Saragosse avec la Marina d'Arrieta, remportant un succès qui lui ouvrira les portes des principaux théâtres espagnols, d'abord comme chanteur de zarzuela, pour bientôt faire le saut vers le grand répertoire lyrique et entrer de plain-pied dans le circuit international.
À partir du milieu des années '60 et tout au long des '70, Lavirgen remporte des succès dans des salles aussi importantes que le Metropolitan de New York, la Scala de Milan, le Covent Garden de Londres et, surtout, l'Opéra de Vienne, où il chante pendant seize années consécutives.
Il a excellé dans des rôles de ténor dramatique tels que Radamès (Aïda), Otello, Manrico (Trovatore), Cavaradossi (Tosca), Calaf (Turandot) et Canio (Pagliacci), entre autres. Après s'être retiré de la scène en 1993, il s'est consacré à l'enseignement au Real Conservatorio de Madrid.
Tout au long de sa carrière, Lavirgen a reçu d'innombrables prix et distinctions, dont les prix nationaux du théâtre (1963 et 1972), la Médaille d'or du Círculo de Bellas Artes de Madrid (1967), la Médaille d'or du Círculo de la Ópera de México (1965), celle du Liceu de Barcelone en 1969, le Verdi de Oro en 1973 et le Prix Jussi Björling de Modène en 1977.