Le samedi 12 novembre à 20:00

Hommage à César Franck
Au Grand Manège, "Namur Concert Hall"
Au programme: Variations symphoniques, Symphonie en ré mineur
Orchestre Symphonique de l'IMEP, direction: Cyril Englebert, piano: Jean-Baptiste Fonlupt

Variations symphoniques pour piano et orchestre (FWV 46) de César Franck
Les Variations symphoniques pour piano et orchestre ont été composées en 1885 et sont souvent qualifiées comme l'une de ses œuvres les plus achevées. Nous y trouvons un superbe mélange du piano et de l'orchestre. En effet, comme d'autres compositeurs de la fin du XIXème siècle, Franck cherchait à renouveler le genre concertant en composant l'année précédente Les Djinns d'après le poème de Victor Hugo. Les Variations se composent de trois mouvements: 1 Poco allegro, 2 Allegretto quasi andante, 3 Allegro non troppo. Le dernier mouvement est de forme sonate. Dans L’Œuvre pianistique de César Franck (1910), Alfred Cortot, élève du dédicataire Louis Diémer, met en évidence la structure, constituée de « trois états poétiques différents dont la succession assure le développement du plan d’ensemble ». Il les détaille en ces termes : « Chacun d’eux représente un groupe de variations de caractère distinct et qui se peut aisément délimiter. Le premier, de sentiment nettement pathétique, nous conduit sous forme d’introduction, jusqu’à l’exposition complète du thème par le piano, c’est-à-dire jusqu’à l’Allegretto quasi andante. Le second, véritable noyau musical des variations proprement dites, s’étend de là jusqu’au finale, évoluant parmi les plus éloquentes modalités expressives, passant de la sérénité attendrie à la contemplation religieuse après avoir momentanément touché à l’enthousiasme. Le troisième comprend le finale dont nous venons de dire l’accent de joie convaincante et définitive. ». Le final nous découvre un Franck tout à fait inattendu, primesautier, bien loin des clichés auréolés qui le nimbe encore...

Symphonie en ré mineur (FWV 48) de César Franck
La Symphonie en ré mineur est sans aucun doute l'œuvre orchestrale la plus connue du compositeur. Il s'agit d'ailleurs de son unique symphonie composée entre 1886 et 1888 et cela au soir de sa vie (1822-1890). La création eu lieu au Conservatoire de Paris le 17 février 1889 sous la direction de Jules Garcin, elle est dédiée à son élève Henri Duparc. La partition fut d'ailleurs médiocrement accueillie lors de sa création. Trois mouvements composent la symphonie: 1 Lento; Allegro ma non troppo - 2 Allegretto - 3 Finale Allegro non troppo. Il faut attendre le 19 novembre 1893, aux Concerts Lamoureux, pour que l’œuvre s’impose enfin. Peut-être l’originalité de la forme et le ton un peu austère et sombre avaient-ils au départ dérouté les auditeurs... « C’est une symphonie classique, affirme Franck, au début du premier mouvement se trouve une reprise, comme on en faisait autrefois pour affirmer mieux les thèmes ; mais elle est dans un autre ton. Ensuite viennent un Andante et un Scherzo, liés l’un à l’autre. Je les avais voulus de telle sorte que chaque temps de l’Andante égalant une mesure du Scherzo, celui-ci put, après développement complet des deux morceaux, se superposer au premier. J’ai réussi mon problème. Le Finale, ainsi que dans la IXe [Symphonie de Beethoven], rappelle tous les thèmes ; mais ils n’apparaissent pas comme des citations, j’en fais quelque chose, ils jouent le rôle d’éléments nouveaux. » Franck accorde à coup sûr une place de choix au lyrisme, il nous offre des mélodies enfiévrées, une orchestration par strates qui nous rappelle étrangement les registrations de l'orgue! Écoutons avec attention le début de deuxième mouvement avec son solo de cor anglais, ne sommes-nous pas tout d'un coup transportés à son orgue de Sainte-Clotilde, qu'il a inauguré en 1859, émerveillés par une improvisation du "Pater seraphicus"? La Symphonie en ré mineur adopte le principe cyclique si cher à Franck, fil d'Ariane d’une trajectoire dramatique et spirituelle qui mène de l’ombre vers la lumière, de l’erratique Lento initial jusqu’à l’apothéose finale. (Louis-Jean Goblet)

Cyril Englebert
Jeune chef Belge, Cyril Englebert effectue ses études musicales au Conservatoire de Liège où il obtient une licence de direction d’orchestre ainsi qu’un master en piano. Parallèlement, il participe à plusieurs concours internationaux et travaille avec des chefs de renom tels que Yuri Simonov, Sir Neville Marriner, Patrick Davin, Ronald Zollman, Pierre Bartholomée, Georges-Elie Octors… 
Il a également été directeur musical et artistique de l’orchestre Jean-Noël Hamal pendant 6 saisons ainsi que de deux chœurs de la région liégeoise. Repéré par Stefano Mazzonis di Pralafera en 2010, il l'engage comme assistant à la direction musicale en novembre 2010 à l'Opéra Royal de Wallonie-Liège. S'en suivront plusieurs engagements à la tête de la phalange liégeoise afin d'assurer la direction musicale de plusieurs spectacles salués par la critique (Offenbach/Belle Hélène, Puccini/Tosca, Auber/Manon Lescaut, Offenbach/Orphée aux enfers,...) Passionné également par la musique symphonique, il est aussi régulièrement invité par le Hulencourt Soloist Chamber Orchestra et L'Orchestre Royal Philharmonique de Liège.
  Très amateur du travail chorégraphique, il dirige son premier ballet, Indicible Beethoven en collaboration avec l'Orchestre de chambre du Luxembourg.  Cyril Englebert a également la charge de l'enseignement de la direction de chœur à l'Institut royal supérieur de musique et de pédagogie de Namur (IMEP) ainsi qu’au Conservatoire Royale de Liège.

Jean-Baptiste Fonlupt
Récemment invité de prestigieux orchestres, tels que l’Orchestre du Mariinsky sous la direction de Valery Gergiev, ou l’Orchestre National de Bordeaux-Aquitaine sous la direction de Paul Daniel, le pianiste Jean-Baptiste Fonlupt a étudié au Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris dans la classe de Bruno Rigutto et à la Hochschule Hanns Eisler de Berlin dans la classe de Michael Endres. Il a également reçu l’enseignement de Georges Pludermacher, de Yonty Solomon au Royal College of Music de Londres et d’Elisso Virssaladze au Conservatoire Tchaïkovsky de Moscou. Il se produit régulièrement dans de grands festivals en France et dans de nombreux pays comme l’Italie, la Belgique, l’Allemagne, les Etats-Unis, ou la Corée-du-Sud. Les grandes salles de concert comme le Théâtre des Champs-Elysées, l’Auditorium de Bordeaux, le Beijing Forbidden City Concert Hall, le Salamanca Hall au Japon, et le Simon Bolivar Concert Hall à Caracas l’ont accueilli. Sa discographie va des sonates de Carl Philipp Emanuel Bach aux pièces rares de Franz Liszt, auxquels s’ajoutent des enregistrements consacrés à Frédéric Chopin, Robert Schumann, et dernièrement aux Ballets d’Igor Stravinsky, Sergueï Prokofiev et Maurice Ravel chez le label La Dolce Volta. Ses disques obtiennent les récompenses les plus élogieuses dans des magazines tels que Diapason, Classica ou Gramophone. Passionné par la transmission, il enseigne actuellement à l’IMEP de Namur et au Conservatoire à Rayonnement Régional de Rueil-Malmaison (France).

Tarifs: Adulte parterre: 35€ -  Adulte balcon: 30€ - Étudiant/jeune -18ans : 20€
Réservations: billetterie du Grand Manège, via le site, ou par mail (info@grandmanege.be) ou par téléphone (081 24 70 60 du mardi au vendredi de 12h30 à 15h30).
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Le 27 octobre 2022 à 19:30
Hommage à Fritz Kreisler

Les étudiants de la section de violon de l’IMEP rendent hommage à Fritz Kreisler, violoniste et compositeur autrichien phare du XIXe siècle et du XXe siècle. En effet, le violoniste et compositeur autrichien  Fritz Kreisler est né à Vienne dans une famille juive en 1875. En 1882, il devient le plus jeune élève admis au Conservatoire de Vienne. Déjà à 14 ans il se produit sur les scènes européennes et américaines. Les évènements politiques de l’Autriche et de l’Allemagne nazie l’éloignèrent de son Pays. Il obtint la nationalité française mais ce fut aux Etats Unis qu’il s’établira . Interprète virtuose, son art se caractérise par l’intensité de son vibrato  et par l’économie de ses mouvements d’archet. Kreisler a aussi composé plusieurs chansons de musique vocale et instrumentale. Cette grande figure du violon disparaît à New York le 29 janvier 1962.

Le Prix est doté de 50 000 euros, complétés par un accompagnement pouvant aller jusqu’à 100 000 euros pour la mise en œuvre d’un projet de développement.

Depuis 2016, la Fondation Bettencourt distingue en alternance une maîtrise ou un chœur d’enfants avec un chœur professionnel. Le lauréat 2021 était la Maîtrise de Sainte-Anne-d’Auray, en 2020 le Prix avait été attribué au Concert spirituel.

L’édition 2023 sera consacrée aux maîtrises, chœurs d’enfants et de jeunes.

L'opéra Rienzi, der letzte der Tribunen (en français, Rienzi, le dernier des Tribuns) de Richard Wagner fut créé le 20 octobre 1842.
Le sujet est basé sur l'histoire de Cola di Rienzo, et se déroule dans la Rome médiévale.

Troisième opéra achevé de Wagner, Rienzi est le dernier de ses opéras de jeunesse et ne fait donc pas partie de ses dix opéras principaux. L'influence de Meyerbeer s'y fait encore largement sentir. Rienzi fut le premier succès de Wagner et fut très apprécié par les admirateurs du compositeur. Il n'est cependant que très rarement présenté depuis les années 1940, et ce malgré quelques productions marquantes dans l'Allemagne de l'après-guerre. « Renié » d'une certaine façon par Wagner lui-même, il n'a pas droit de cité au Festival de Bayreuth. Il a néanmoins été représenté pour la première fois à Bayreuth en juillet 2013, mais pas au Festspielhaus, à l'Oberfrankenhalle (3 représentations).

Présenté pour la première fois en France au Théâtre-Lyrique impérial en 1869 sous l'égide de Jules Pasdeloup, dans une traduction française établie par Charles Nuitter et Jules Guillaume, représenté plusieurs fois dans la capitale alsacienne rattachée à l'Empire allemand, l'ouvrage ne revient à la scène en France qu'en 2002 en version de concert au Théâtre du Châtelet puis en ouverture de la saison 2012-2013 au Théâtre du Capitole de Toulouse, dans une mise en scène de Jorge Lavelli.

Une plaque commémorative rappelle depuis mercredi à Leipzig le nom de la promotrice de musique Hedwig von Holstein (1822-1897). La ville souligne ainsi l'estime qu'elle porte à une personnalité féminine importante.  Née dans une famille aisée, elle a eu une action progressiste, sociale et durable.

Fille du commerçant Rudolf Julius Salomon, Hedwig a grandi dans un milieu aisé. Elle chantait sous la direction de Mendelssohn dans le chœur du Gewandhaus. Elle comptait parmi ses connaissances la pianiste Clara Schumann, la chanteuse Livia Frege et le compositeur Niels Wilhelm Gade. Avec la fortune laissée par ses parents, elle créa la "Salomon-Stiftung", une fondation d'habitation qu'elle gérait elle-même. Après la mort de son mari Franz von Holstein en 1878, elle créa la "Holsteinstiftung" (Fondation Holstein), dont elle se servit pour soutenir les étudiants en musique sans ressources et leur ouvrir la voie vers la vie professionnelle.

Avec son programme de plaques commémoratives, la ville de Leipzig rend hommage à des personnalités dont l'action exceptionnelle est particulièrement liée à Leipzig. La plaque pour Hedwig von Holstein a été conçue par l'artiste de Leipzig Katja Zwirnmann. L'experte en culture Gerlinde Kämmerer ainsi que la soprano alto Helene Erben et la soprano Franziska Eberhardt de l'ensemble vocal Sjaella ont participé au dévoilement.

On vient d'apprendre que Stuart Murphy quittera la compagnie en 2023, à la fin de son contrat de cinq ans.
Son mandat a été turbulent et rarement couronné de succès. Le Coliseum est en grande difficulté financière, et s'en sort grâce aux réservations à long terme de comédies musicales commerciales.
La survie de la compagnie est à nouveau en jeu. Murphy, un ancien producteur de télévision, n'était pas populaire auprès de l'organisme de financement.

Le Palau de la Música a nommé Alvaro Albiach comme principal chef invité de l'Orquesta de Valencia pour la saison 2022-23.
En septembre 2012, il a été nommé directeur artistique et chef principal de l'Orquesta de Extramaduro.
Il est le lauréat du Grand Prix du jury et du Prix du public lors de la 46e édition du Concours de direction d'orchestre de Besançon.

Yo-Yo Ma est devenu le cinquième lauréat et le premier instrumentiste à se voir remettre le Prix Birgit Nilsson par Sa Majesté le roi Carl XVI Gustaf lors de la cérémonie officielle de remise du prix à Stockholm hier soir. Le violoncelliste et humanitaire de renommée mondiale a été acclamé par une salle comble au Konserthuset de Stockholm et la cérémonie a été suivie par les téléspectateurs du monde entier en direct.

En recevant le prix, Yo-Yo Ma a déclaré : "En quittant la Suède demain [...], je partirai avec une promesse, un engagement à pratiquer les valeurs si chères à Birgit Nilsson : la joie et l'humour, la proximité avec la terre et la nature, et une vie en équilibre avec les autres et avec notre planète."

Le prix soutiendra le travail continu de Yo-Yo Ma, qui explore comment la culture peut renforcer nos liens les uns avec les autres et avec le monde naturel. Au cours des prochaines années, Yo-Yo poursuivra un voyage qui a débuté en 2018 avec le Bach Project, en visitant des lieux qui incarnent le potentiel de la culture et de la nature pour émouvoir l'âme humaine, en créant des œuvres d'art collaboratives et en convoquant des conversations qui cherchent à renforcer notre relation à notre planète et aux autres.

Le prix Birgit Nilsson est décerné à des artistes et des institutions qui ont contribué à un chapitre important de l'histoire de la musique. Les précédents lauréats sont Plácido Domingo, Riccardo Muti, l'Orchestre Philharmonique de Vienne et Nina Stemme.

La violoncelliste britannique Jacqueline du Pré est née le 26 janvier 1945 à Oxford et décédée le 19 octobre 1987 à Londres. Elle fut également la partenaire musicale et l'épouse du pianiste et chef d’orchestre israélo-argentin Daniel Barenboim.
En 1976, elle est faite officier de l'ordre de l'Empire britannique.

Née dans une famille aisée et cultivée originaire de Jersey, Jacqueline du Pré est le deuxième des trois enfants de Derek et Iris du Pré ; sa mère est pianiste. Elle a 4 ans lorsqu'elle entend pour la première fois un violoncelle à la radio. À partir de cet instant, le son de l'instrument ne la quittera jamais. Elle commence à prendre des leçons auprès de sa mère puis, deux ans plus tard, à la London Violoncello School. Très jeune, elle participe à des concours avec sa sœur, Hilary. À 10 ans, elle gagne un prix lors d'une compétition internationale et, à 12 ans, elle joue dans un concert pour la BBC à Londres. Elle étudie avec William Pleeth à la Guildhall School of Music and Drama à Londres, avec Paul Tortelier à Paris, avec Mstislav Rostropovitch en Russie et avec Pablo Casals en Suisse.

Sa carrière débute en 1961 au Wigmore Hall de Londres où elle joue sur un Stradivarius de 1673 « qu’un admirateur anonyme lui a offert trois semaines auparavant ». Tout au long de sa carrière, Jacqueline du Pré joue avec des orchestres et des solistes prestigieux, en particulier son enregistrement du Concerto d'Elgar avec l'Orchestre Symphonique de Londres, sous la direction de John Barbirolli en 1965, qui lui donne une reconnaissance internationale. Pour cet enregistrement, elle utilise un Stradivarius, le Davidov de 1712, que lui a offert en 1964 sa marraine Ismena Holland.

Jacqueline du Pré joue le concerto d'Elgar lors de son premier concert aux États-Unis, le 14 mai 1965 au Carnegie Hall.

Jacqueline du Pré se convertit au judaïsme à l'occasion de son mariage.
La sœur de Jacqueline, Hilary du Pré, est mariée au chef d'orchestre Christopher « Kiffer » Finzi.

En 1971, les capacités de jeu de Jacqueline du Pré -atteinte de sclérose en plaques- entament un déclin irréversible lorsque l'artiste commence à perdre la sensibilité et la mobilité de ses doigts. Elle doit alors arrêter sa carrière pour se consacrer à l'enseignement, donnant également plusieurs classes de maîtres, enregistrées pour la télévision et largement diffusées. C'est cette maladie qui, par ses complications, cause sa mort à Londres le 19 octobre 1987, à l'âge de 42 ans ; son mari, Daniel Barenboïm, qui entre-temps avait délaissé son épouse et refait sa vie à Paris, s'est retrouvé à ses côtés pour ses derniers moments.

En 1964, Jacqueline du Pré a reçu en cadeau de sa marraine, Ismena Holland, le Stradivarius Davidov de 1712. Celle-ci venait de l'acheter pour 90 000 dollars. Du Pré a principalement utilisé cet instrument entre 1968 et 1970, avec lequel la quasi-totalité de ses enregistrements ont été faits. En 1988, l'année suivant sa mort, la fondation Vuitton a racheté l'instrument pour un peu plus d'un million de livres, et l'a depuis prêté à Yo-Yo Ma ; ce dernier l'utilisait d'ailleurs depuis 1983.

Le Stradivarius de 1673, après avoir été la propriété du violoncelliste norvégien Øyvind Gimse, a été baptisé le « Stradivarius du Pré » par le violoncelliste américain Lynn Harrell, en hommage à Jacqueline du Pré. Harrell est mort en 2020. L'instrument est maintenant prêté sur une longue durée au violoncelliste hongrois István Várdai.
Le violoncelle Peresson de 1970 qui a également appartenu à Jacqueline du Pré est actuellement prêté à Kyril Zlotnikov du Jerusalem Quartet.
Jacqueline du Pré a aussi possédé un Goffriller.