Sir Peter Maxwell Davies, né à Salford le 8 septembre 1934 et mort à Sanday aux Orcades le 14 mars 2016, est un compositeur et chef d'orchestre britannique.

Il est un des principaux représentants de l'école britannique contemporaine.

Peter Maxwell Davies étudie au Royal Manchester College of Music de 1952 à 1957 avec Richard Hall, puis à l'Université de Manchester avant de se perfectionner à Rome avec Goffredo Petrassi jusqu'en 1959. Il est ensuite directeur du département de musique de la Cirencester Grammar School de 1959 à 1962 où ses méthodes pédagogiques destinées aux jeunes enfants sont remarquées. Il est l'élève de Roger Sessions à Princeton de 1962 à 1964. Puis il part en Australie pour être compositeur résident à l'Université d'Adélaïde (1966).
L'année suivante, il fonde avec Harrison Birtwistle l'ensemble des Pierrot Players. En 1970, celui-ci devient Fires of London, Davies en est l'unique directeur. Pour cette formation, il va écrire une série d'œuvres théâtrales qui témoignent d'une grande violence associée à un désir de provocation.
Il s'installe en Écosse dans l'Archipel des Orcades (Orkney Islands) et sa musique prend dès lors un tour plus lyrique, plus ample et serein.
En 1971, il écrit la musique pour deux films de Ken Russell : « Les Diables » (The Devils) et « The Boy friend ».
En 1977, il fonde le festival de Saint-Magnus dans les Orcades
puis dirige à partir de 1979 la Dartington Summer School of Music jusqu'en 1984. En 1985, il est chef associé du Scottish Chamber Orchestra, ensemble pour lequel il écrit un cycle intitulé Strathclyde Concertos.
En 1987, il fut anobli avec le titre de Knight Bachelor.
De 1992 à 2002, il est chef associé pour l'Orchestre Philharmonique de la BBC à Manchester.

Davies est ouvertement gay. En 2007, il a suscité une controverse, annonçant vouloir organiser sa cérémonie de Partenariat enregistré au Sanday Light Railway, ce qui lui fut refusé.

De mars 2004 à mars 2014, il est Maître de musique de la Reine (nommé pour 10 ans).

 

Willem Frederik Johannes Pijper (Zeist , 8 septembre 1894-Leidschendam , 19 mars 1947) était un compositeur et auteur néerlandais sur la musique. Il est considéré comme l’un des compositeurs néerlandais les plus importants de la première moitié du XXe siècle.

En 1915, il passe un examen de solfège à l'école de musique Toonkunst d'Utrecht (plus tard le Conservatoire d'Utrecht) et suit des cours de composition auprès de Johan Wagenaar. Son professeur de piano était Helena Johanna van Lunteren-Hansen.
Dès 1918, son œuvre fut interprétée par l'Orchestre du Concertgebouw. Pour gagner sa vie, Pijper rédigeait des critiques musicales et des essais dans des journaux et des périodiques. Il débute sa carrière comme critique musical en 1917 au Utrechts Dagblad. Parallèlement, il était professeur de composition au Lycée de Musique d'Amsterdam. Au cours de cette période, il fut impliqué dans un conflit acharné avec le chef de l'Orchestre municipal d'Utrecht (USO), le compositeur Jan van Gilse, dont il avait beaucoup à critiquer en tant que critique sur le style de direction. En 1921, Van Gilse ne pouvait plus supporter les critiques. Il refusa de continuer à exercer ses fonctions en présence de Pijper et quitta Utrecht en 1922.

En 1925, Pijper fut nommé professeur principal d'instrumentation au Conservatoire d'Amsterdam. En 1926, il fonde la revue « De Muziek » avec Paul F. Sanders. De 1930 jusqu'à sa mort, il fut directeur du Conservatoire de Rotterdam. Ses étudiants comprennent Henk Badings, Bertus van Lier, Henriëtte Bosmans, Oscar van Hemel, Guillaume Landré, Hans Henkemans, Kees van Baaren, Rudolf Escher et Jan van Dijk. Dans la seconde moitié des années 1930, il écrivit sur la musique pour le « Groene Amsterdammer ».

Willem Pijper est décédé en 1947 à l'âge de 52 ans à Leidschendam.

En tant que compositeur, Pijper a d'abord été influencé par le romantisme tardif allemand et en particulier par Gustav Mahler, comme en témoigne sa première symphonie (1917). Il se tourne bientôt vers l'impressionnisme français de Claude Debussy et Maurice Ravel. Après 1920, il aspire à une musique absolue, libre de toute référence littéraire. Ses dirigeants à cette époque étaient principalement Darius Milhaud, Igor Stravinsky et Béla Bartók. Dans ses œuvres, il utilise la polytonalité et la polyrythmie. Comme méthode de composition, il a utilisé la « technique des cellules germinales » qu'il a inventée, dans laquelle toutes sortes de motifs sont placés sur un centre sonore qui reste largement immuable. Sa préférence pour les rythmes espagnols comme le tango et la habanera peut être quelque peu surprenante. Son style rythmiquement vif et concis évite les moments lyriques.

À partir de 1932 environ, Pijper commença à composer de manière plus douce et plus transparente. Durant ces années, il écrit les opéras Halewijn et Merlijn (ce dernier inachevé). Même s'il a choisi une voie fondamentalement différente de l'atonalité et de la technique dodécaphonique de la deuxième école viennoise, il a apporté une contribution importante au développement de la musique moderne aux Pays-Bas.

Willem Pijper a également écrit de la musique maçonnique, dont les Six Adages (1940).

Peu avant l'attaque allemande contre les Pays-Bas en 1940, Pijper déposa une grande partie de ses compositions dans le coffre-fort d'une banque. Tous les manuscrits qu'il gardait chez lui furent perdus lors du bombardement de Rotterdam le 14 mai 1940.

 

L'Instituto Complutense de Ciencias Musicales (ICCMU) a annoncé la publication d'Iphigenia, une cantate pour cinq voix et orchestre de la compositrice baroque Maria Rosa Coccia. Composée à Rome en 1779 et dédiée à la princesse des Asturies Maria Luisa de Parme, Iphigénie est restée sans attribution dans la Bibliothèque royale du Palais royal pendant plus de 250 ans et a été identifiée grâce à la vente aux enchères du livret, dans lequel Coccia est mentionnée.
Les recherches menées par la musicologue Judith Ortega et le philologue italien Nicola Usula ont abouti à la publication de l'édition moderne de l'œuvre.

Maria Rosa Coccia, née à Rome en 1759, est devenue à l'âge de 15 ans la première femme à obtenir le titre de Maestro di Cappella à Rome. Son talent lui a permis d'être admise à l'Académie philharmonique de Bologne, une étape importante pour les femmes de son époque. Cependant, sa carrière se heurte à des obstacles majeurs, notamment une controverse sur son examen d'entrée à l'institution, qui lui vaut d'être défendue publiquement par des personnalités telles que Farinelli et Metastasio. « Contrairement à de nombreuses compositrices qui sont restées en dehors des circuits professionnels, Coccia a été largement reconnue à son époque, malgré les difficultés qu'elle a rencontrées en raison de son sexe », note la musicologue Judith Ortega.

Par ailleurs, bien qu'Iphigénie soit répertoriée comme une cantate, elle ne répond pas au genre habituel du XVIIIe siècle, mais ses exigences instrumentales et vocales, ainsi que sa structure, rapprochent l'œuvre du genre de l'opéra. Les recherches suggèrent qu'étant donné l'impossibilité de faire créer ses œuvres dans une maison d'opéra, Coccia a peut-être décidé de composer ses opéras dans un format proche de la cantate, sans qu'il soit nécessaire de les mettre en scène.

Le fondateur du Boston Baroque, Martin Pearlman, a décidé que ce serait sa dernière saison à la tête de l'orchestre.

Il déclare : « Lorsque le Boston Baroque a été créé il y a plus de 50 ans, c'était à une époque où il n'y avait pas d'orchestre d'instruments d'époque en Amérique du Nord. Nous avons commencé avec huit musiciens et aucun personnel. Aujourd'hui, nous disposons d'un ensemble extraordinaire soutenu par une merveilleuse organisation. Travailler avec les musiciens, les solistes invités, le personnel et le conseil d'administration au fil des ans, et apprendre à connaître nos merveilleux mécènes et donateurs, a été l'un des plus grands privilèges de ma vie. Je me réjouis de la prochaine saison et de ce que l'avenir réserve au Boston Baroque ».

Pearlman a cité un cycle complet d'opéras de Monteverdi comme le point culminant de son demi-siècle.

Le Maryland Opera a promu Jason Buckwalter au poste de directeur général. Il travaille pour la compagnie depuis six ans.

Jason travaille également comme administrateur de bâtiment au Roland Park Community Center à North Baltimore et comme professeur de Kung Fu à Goh's Kung Fu.

Le pianiste chilien Valentín Trujillo (91 ans, Santiago) a été récompensé ce jeudi par le Prix national chilien des arts musicaux 2024, la plus haute distinction décernée par le gouvernement chilien à un artiste du pays sud-américain.
Le musicien, qui a accumulé une vaste carrière de plus de 70 ans, est récompensé pour sa participation en tant que chef d'orchestre à l'émission télévisée Sábado Gigante, animée par le présentateur chilien Mario Kreutzberger, Don Francisco, qui a été poposée au Chili et à Miami de 1962 à 2015.

 

L'Orchestre symphonique de Seattle a annoncé que la cheffe  Xian Zhang (51 ans) est son prochain directeur musical, pour cinq ans à partirde la saison 2025/2026.
Zhang est une collaboratrice de longue date de l'orchestre symphonique, qui a fait ses débuts au Benaroya Hall en 2008.

Au fil de sa carrière, Xian Zhang a acquis une renommée internationale, notamment au cours de ses huit saisons en tant que directrice musicale de l'Orchestre symphonique du New Jersey et lors de ses récentes apparitions en tant que cheffe invitée au Metropolitan Opera, à l'Orchestre philharmonique de Los Angeles et à l'Orchestre symphonique de Boston, entre autres. Elle est également ambassadrice artistique de l'Orchestre symphonique de Melbourne et cheffe émérite de l'Orchestra Sinfonica di Milano, dont elle a été directrice musicale de 2009 à 2016.

 

Hyperion de Bruno Maderna est l'une des pièces de théâtre musical les plus puissantes et les plus énigmatiques écrites en Italie à la fin du XXe siècle. Compositeur, chef d'orchestre, infatigable expérimentateur, Maderna avait coutume de répéter : "La célèbre citation de Picasso "Je ne cherche pas, je trouve" est incomplète si l'on ne comprend pas que "trouver", c'est "créer"". En effet, l'œuvre "Hypérion" de Maderna, basée sur le roman épistolaire de Friedrich Hölderlin "Hypérion ou l'Ermite en Grèce", a été conçue et développée autour d'une idée de création perpétuelle.
L'œuvre de Maderna a une structure ouverte : elle est divisée en huit scènes que les interprètes peuvent assembler ou désassembler pour donner vie à un "Hypérion" différent à chaque fois qu'ils le jouent.
Après sa création à la Biennale de Venise, le compositeur a continué à travailler sur l'œuvre au cours des années suivantes. Il a présenté deux mises en scène différentes en 1968, ainsi que quatre versions de concert et deux suites. Chaque version, avec ses ajouts et ses coupures, diffère radicalement des autres. C'est là que réside la magie de cette œuvre lyrique : quel "Hypérion" doit être mis en scène ?

 

Francesco Provenzale (né le 25 septembre 1632 à Naples et mort le 6 septembre 1704 dans la même ville) est un compositeur italien, le premier grand compositeur des opéras de l'école napolitaine d'opéra, mais il est surtout connu pour son activité de pédagogue qui lui a permis de former les plus importants compositeurs napolitains du début du XVIIIe siècle.

On ne sait quasiment rien sur la formation musicale et les premières années d'activité de Francesco Provenzale. Il a appris la musique au Conservatoire de la Pietà dei Turchini de Naples sous la direction de Giovanni Salvatore et d’Erasmo Bartoli. En 1658, Provenzale met en scène son premier opéra lyrique, Theseo ; cependant le livret de ce drame nous signale qu'il a déjà composé d'autres opéras: Il Ciro1, Xerse et Artemisia, lesquels ont été probablement créés au Teatro San Bartolomeo de Naples. Francesco Provenzale a pu aussi avoir composé d'autres musiques pour les Fabiarmonici, un groupe musical en activité à Naples partir de 1650.

Le 12 janvier 1660, il épouse Chiara Basile, dont il a eu trois enfants : Giuseppe, Grazia et Anna Maria. Le 7 mai 1663, il a été nommé primo maestro du Conservatoire de Santa Maria di Loreto, où il travaillait depuis 1661, mais en 1675, il a été remplacé par son vice-maestro, Giuseppe Cavallo. Mais depuis deux ans il était primo maestro de la Pietà dei Turchini, conservatoire plus prestigieux et où il avait reçu sa formation musicale. Tout en poursuivant son activité d'enseignement, il a écrit pour Santa Maria di Loreto divers mélodrames sacrés, parmi lesquels Il martirio di San Gennaro (1663), La colomba ferita (1670) et La fenice d'Avila (1672) ainsi que La Vittoria fuggitiva. Ces œuvres ont connu le succès non seulement auprès des étudiants de l'école, mais aussi dans toute la ville. Provenzale a obtenu un poste de maître de chapelle dans diverses églises et congrégations napolitaines, parmi lesquelles San Domenico Maggiore (1667), Sant'Angelo a Nilo (1669), Monte degli Agonizzanti in Santa Maria Ancillarum (1679) et le Monastère de Santa Chiara (1679).
En 1665, il a été nommé maestro della Fidelissima Città di Napoli auprès du Tesoro di San Gennaro de la cathédrale de Naples.
En 1680 il devient maître honoraire de la chapelle royale, pendant que Pietro Andrea Ziani obtient le poste de maître de chapelle. Après le décès de Ziani, le jeune Alessandro Scarlatti obtient le poste, et seulement en 1690 Francesco Provenzale devient vice-maître de chapelle.

En 1699 il perd le poste qu'il avait à la Cappella del Tesoro di San Gennaro, aux raisons d'être inadapté et âgé, et il est remplacé par son élève, Gaetano Greco. En 1702, il subit le même sort à la Pietà dei Turchini. Toutefois il continue à travailler pour la chapelle royale, non plus comme maître titulaire, mais comme assistant du nouveau maître Alessandro Scarlatti. Toujours à cette chapelle, à partir de 1691, il est devenu maestro di camera, charge qu'il a gardée pratiquement jusqu'à la fin de ses jours ; il y a été remplacé par un autre de ses élèves, Gaetano Veneziano.