Christopher Chapman Rouse (Baltimore, Maryland, 15 février 1949 – Baltimore, 21 septembre 2019) est un compositeur américain. Il reçoit le Prix Pulitzer pour son Concerto pour trombone et un Grammy Awards pour son Concert de Gaudí, un concerto pour guitare.

Christopher Rouse a étudié avec Richard Hoffmann au Oberlin Conservatory of Music où il est diplômé en 1971. Ensuite, il étudie en privé avec George Crumb jusqu'en 1973. En 1972 et 1973, Christopher Rouse reçoit le BMI Student Composer Awards de la Fondation BMI, et il compléte sa formation avec Karel Husa à l'Université Cornell, avec son doctorat en 1977¹.

Il a ensuite enseigné à l'Université du Michigan de 1978 à 1981 et la composition à la Eastman School of Music de 1981 à 2002. Il enseigne également à la Juilliard School à partir de 1997 et à plein temps dès 2002. Parmi ses élèves, on peut mentionner Michael Torke, Kevin Puts et Cristina Spinei.

Il est compositeur en résidence de l'Orchestre de Baltimore (1986–1989) et de 2012 à 2015 à la Philharmonie de New York (The Marie-Josée Kravis Composer-in-Residence). En 2002, Christopher Rouse est élu membre de l'Académie américaine des arts et des lettres et désigné compositeur de l'année 2009 par Musical America.

Il meurt âgé de 70 ans à Baltimore.

Rouse était un compositeur néoromantique. Certaines de ses œuvres étaient principalement atonales (Gorgon, Concerto pour orchestre) tandis que d’autres sont clairement tonales (Karolju, Rapture). Le plus souvent, il cherchait à intégrer des mondes harmoniques tonaux et non tonaux, comme dans ses concertos pour flûte, hautbois et guitare. Toute sa musique a été composée, dans ses mots, "pour transmettre un sentiment d’urgence expressive." Rouse a été célébré pour son orchestration, notamment avec les percussions. Il cite souvent des œuvres d’autres compositeurs (p. ex., sa Symphonie n^o 1, composée en 1986, incorpore des citations de Bruckner et de Chostakovitch). Les plus anciennes œuvres de Rouse sont deux brèves pièces pour ensemble de percussion, toutes deux inspirées par des sujets mythologiques : Ogoun Badagris (1976, haïtien) et Ku-Ka-Ilimoku (1978, polynésien) ; une partition pour percussions plus tardive inspirée du percussionisme rock, Bonham a été composée en 1988.

La mort de Leonard Bernstein en 1990 a été la première d’une série de décès qui a laissé une profonde impression sur Rouse, et son Concerto pour trombone (1991) a été la première partition de son soi-disant "cycle de la mort," un groupe de pièces qui ont toutes servi de réactions à ces décès. Ces partitions commémoraient William Schuman (Concerto pour violoncelle, 1992)⁷ , le meurtre de James Bulger Cconcerto pour flûte, 1993), le compositeur Stephen Albert (Symphonie nº 2, 1994) et la mère de Rouse (Envoi, 1995). Après Envoi, il s’est volontairement mis à composer des partitions plus "légères", des œuvres destinées à prendre un casting moins sombre; les pièces de cette seconde moitié des années 1990 comprennent Compline (1996), Kabir Padavali (1997), le Concerto de Gaudí (1999), Seeing (1998), et Rapture (2000).

À partir de 2000, Rouse a créé des œuvres aux ambiances variées, de son épineux Concerto pour clarinette (2001) à son rock infusé The Nevill Feast (2003) en passant par son romantique Concerto pour hautbois (2004). La pièce la plus importante de ces années fut son Requiem de 90 minutes, composé en 2001 et 2002. Rouse lui-même a qualifié le Requiem de sa meilleure composition. Les principales compositions plus récentes incluaient son Concerto pour orchestre (2008), Odna Zhizn (2009), la Symphonie nº 3 (2011)³, la Symphonie nº 4 (2013), Thunderstuck (2013), Heimdall’s Trumpet (un concerto pour trompette, 2012), le Concerto pour orgue (2014), la Symphonie nº 5 (2015), le Concerto pour bassoon (2017), Berceuse Infinie (2017) et la Symphonie nº 6 (2019).

À la fin de 2006, Rouse a composé la pièce Wolf Rounds, qui a été créée à Carnegie Hall le 29 mars 2007.

Christopher Rouse a dédié plusieurs œuvres à des interprètes réputés, tels Yo-Yo Ma (Concerto pour violoncelle), la guitariste Sharon Isbin (Concert de Gaudí) et Emanuel Ax (Concerto pour piano « Seeing »).

Alexander Kochetz  est un chef d'orchestre, musicologue, ethnologue et musicien ukrainien du début du XXe siècle.

Né dans le gouvernement de Kiev, il étudie à l'université nationale Académie Mohyla de Kiev, à l'école Lyssenko ainsi qu'à l'Académie de musique Tchaïkovski de Kiev.

Après la Première Guerre mondiale, il participe à la fondation du Chœur national ukrainien. Chœur qui fait des tournées en Europe et en Amérique. Amérique où il collecte des chants ukrainiens puis enseignait à WInnipeg à partir de 1941.

Gustav Theodore Holst (21 septembre 1874 à Cheltenham, Royaume-Uni- 25 mai 1934 à Londres), est un compositeur anglais. Bien que principalement connu pour sa suite orchestrale Les Planètes (1914-1917), il a composé un grand nombre d’œuvres de genres divers. Son style de composition particulier est le produit de plusieurs influences dont celle du renouveau des chansons populaires anglaises au début du XXe siècle.

Les trois générations de la famille Holst le précédant comptaient des musiciens professionnels et il était clair dès son enfance qu'il serait musicien. Il voulait être pianiste mais n'a pas pu à cause d'une neuropathie périphérique touchant son bras droit.
Il entama une carrière de compositeur, étudiant au Royal College of Music avec Charles Villiers Stanford. Incapable de vivre de ses compositions, il joua du trombone professionnellement et devint plus tard professeur -un excellent professeur selon son ami Ralph Vaughan Williams. Parmi ses autres activités d'enseignement, il a établi une forte tradition de représentations au Collège Morley dont il a été le directeur musical de 1907 à 1924.

Il est le fondateur d'une série de festivals de musique de la Pentecôte qui ont eu lieu de 1916 à sa mort.

Les œuvres de Holst étaient jouées régulièrement au début du XXe siècle mais sa notoriété n'est vraiment venue que grâce au succès international des Planètes dans les années suivant la Première Guerre mondiale. Timide, Holst n'appréciait pas cette renommée et préférait être laissé en paix pour composer et enseigner.

Dans ses dernières années, son style personnel de composition sans compromis heurta de nombreux mélomanes qui le considéraient trop austère et sa brève popularité déclina. Cependant il eut une influence significative sur plusieurs jeunes compositeurs anglais dont Edmund Rubbra, Michael Tippett et Benjamin Britten.
À part Les Planètes et quelque autres œuvres, sa musique a été négligée jusque dans les années 1980, période où la plus grande partie de son répertoire a été enregistrée.

Sensation dans le monde de la musique : une pièce de seulement douze minutes provenant du fonds de la bibliothèque musicale des bibliothèques municipales de Leipzig a été identifiée comme étant une œuvre de Mozart. Il s’agit d’un ensemble de sept mouvements pour trio à cordes.
« Serenate ex C », de la collection Carl Ferdinand Becker, s'est avérée être une œuvre de jeunesse de Mozart.
La transcription avait été remarquée lors du travail sur la nouvelle édition du répertoire Köchel, qui vient d'être élaboré par la Fondation internationale Mozarteum de Salzbourg et publié par les éditions Breitkopf & Hertel, et qui est considéré comme un ouvrage de référence sur la création musicale de Mozart.

La pièce sera présentée et interprétée pour la première fois en Allemagne, à l'Opéra de Leipzig, le 21 septembre. Les musiciens sont : Vincent Geer (violon), David Geer (violon) et Elisabeth Zimmermann (violoncelle) de l'école de musique de Leipzig « Johann Sebastian Bach »
L'entrée à ce concert d'une demi-heure est gratuite.

 

In Memoriam Dylan Thomas est un chant funèbre pour ténor, quatre trombones et quatuor à cordes composé en 1954 par Igor Stravinsky en mémoire du poète gallois Dylan Thomas. La pièce dure approximativement huit minutes.

Sa création eut lieu le 20 septembre 1954 aux Monday Evening Concerts à Los Angeles sous la direction de Robert Craft, et sa création européenne le 17 octobre de la même année au Festival de Donaueschingen, également sous la direction de Robert Craft.

Igor Stravinsky admirait beaucoup l'œuvre poétique de Dylan Thomas, qu'il a découvert sur la suggestion de Wystan Hugh Auden. En mai 1953, l'Université de Boston propose à Stravinsky d'écrire un opéra avec le poète. Dylan Thomas se trouve alors à New York et rejoint le musicien à Boston, où ils se rencontrent pour la première fois. Au cours de cette conversation, ils se plaisent immédiatement l'un à l'autre et commencent le projet de l'opéra qu'ils doivent réaliser ensemble. Malheureusement, l'œuvre ne put être réalisée car le poète, déjà très malade, mourut subitement le 9 novembre de la même année. C'est en souvenir de son ami récemment rencontré et bientôt décédé que Stravinsky a écrit cette œuvre, qu'il a achevée en mars 1954.

Nikos Skalkottas (en grec moderne : Nίκος Σκαλκώτας), né à Chalcis le 8 mars 1904 et mort à Athènes le 20 septembre 1949, est un compositeur et violoniste grec. Il a été membre de la seconde école de Vienne et a été influencé par la musique classique et la musique traditionnelle grecque.

Níkos Skalkóttas, disciple d'Arnold Schönberg, Kurt Weill et Philipp Jarnach, est resté à peu près inconnu du public jusqu'en 1949, cité seulement dans des dictionnaires et joué par quelques musiciens. Pourtant, le musicologue Harry Halbreich, dans son article consacré à la musique en Grèce de l'édition 1965 du Larousse de la musique, écrivait déjà que Skalkottas est « le plus grand de tous les compositeurs hellènes », considérant que : « Son œuvre est aussi chaleureux, aussi lyrique, et souvent aussi sombre, que celui d'un Alban Berg, parfois aussi ténu et raffiné que celui d'un Webern, ou aussi rythmé que celui d'un Stravinsky ou d'un Bartók. Mais il est avant tout d'une clarté et d'une lucidité véritablement méditerranéennes », et parle des compositions de Skalkóttas comme « représentant une des œuvres les plus importantes de notre époque ». C'est aussi le jugement du musicologue britannique Hans Keller, qui considère que les compositeurs essentiels du XXe siècle sont Schoenberg, Stravinsky, Chostakovitch et Skalkóttas.

La musique de Skalkóttas est écrite dans des idiomes très variés : l'on trouve autant de pièces atonales libres que d'autres sérielles (principalement dans son propre système « multi-sériel » bien plus libre que celui de Schoenberg), ou encore certaines modales et enfin purement tonales.
Étant mort très jeune, il est impossible d'imaginer dans quelle direction le compositeur se serait engagé dans les années 1960… Il a écrit pour pratiquement toutes les formations et tous les genres, à l'exception de l'opéra.

Le chef autrichien Franz Welser-Möst, 64 ans, doit se reposer et éviter de voyager au cours des trois prochaines semaines : la récente tournée avec l'Orchestre de Cleveland a été trop épuisante pour lui. Il manquera donc les trois premières représentations prévues pour la saison 2024-25 du Severance Music Center.

 

Le Quatuor Dover, qui s'était positionné pour « reprendre le flambeau des Emerson », a subi un revers avec le retrait de l'altiste Julianne Lee.
Elle a décidé de préférer son ancien travail au sein de l'Orchestre symphonique de Boston où elle a été second violon principal adjoint et second violon principal du Boston Pops.

Elle a rejoint le quatuor en février 2023.

Le Sénat de Hambourg nomme quatre anciens membres de l'International Opera Studio de l'Opéra national de Hambourg Kammersänger : les sopranos Olga Peretyatko et Vida Miknevičiūtė, le baryton Christoph Pohl et la basse Alexander Tsymbalyuk.

Tous les quatre sont passés du statut de jeunes artistes du studio d'opéra de l'Opéra national à celui de solistes exceptionnels aux carrières mondiales. Les chanteurs se produisent également souvent sur la scène hambourgeoise : Par cette fidélité au Staatsoper, ils contribuent au haut niveau musical de la maison.
En les nommant chanteurs de chambre, on rend hommage à « leur savoir-faire exceptionnel, leur grand engagement et leurs mérites remarquables pour le Staatsoper ».

Le Sénat de Hambourg décerne le titre honorifique de « Kammersänger » à des personnes qui ont acquis des mérites reconnus dans le domaine de la musique. La dernière distinction a été attribuée en 2019 au ténor Klaus Florian Vogt.

Le chef d'orchestre espagnol José Miguel Pérez-Sierra, est le nouveau directeur musical et artistique du Festival royal d'opéra de Cracovie, devenant ainsi le « premier Espagnol à assumer cette fonction du principal festival lyrique en Pologne.
En plus de l'étroite collaboration depuis 2019 avec le Festival Rossini in Wildbad, depuis 4 ans, main dans la main avec l'Institut Cervantès de Cracovie et l'Ambassade d'Espagne en Pologne, nous apportons la Zarzuela en Pologne avec un énorme succès auprès du public et de la critique. Dans le cadre de ma mission de directeur musical du Teatro de la Zarzuela, j'espère que cette nouvelle étape, au cours de laquelle je serai également responsable du Festival royal d'opéra, servira à renforcer et à accroître la présence de notre genre lyrique à l'étranger, franchissant ainsi une nouvelle étape fondamentale vers l'inscription au patrimoine culturel immatériel de l'humanité.