Le compositeur turc Ege Gür, âgé de 26 ans, a été récompensé par le Prix européen de composition.
Ege Gür a reçu cette distinction dotée de 5.000 euros pour son œuvre The image of that which is invisible. La pièce estdédiée aux victimes des tremblements de terre qui ont frappé la Turquie et la Syrie en 2023,
Le Prix européen de composition a été décerné pour la 25e fois.
Né à Istanbul, Ege Gür a d'abord étudié la contrebasse et le piano à l'École supérieure des beaux-arts d'Ankara. Plus tard, il s'est dirigé vers des études de composition au Conservatoire d'État de l'Université Hacettepe. Gür a déjà à son actif un grand nombre de compositions très diverses : As if (2019), In cold water, of silence (2020) et Effaced Fingers (2021) sont des œuvres orchestrales. Dans le domaine de la musique de chambre, Gür a composé des œuvres pour différentes formations, du quintette à vent au trio pour contrebasse, accordéon et flûte piccolo A liquid pearl. Des œuvres pour piano et des musiques de film complètent son œuvre à ce jour. Dans ses compositions, il combine les influences de la musique du 20e siècle avec les traditions sonores et rythmiques de la musique turque.
« Chanteuses, chanteurs, devenez des spécialistes! » clamait William Christie à ses solistes lors d’une académie d’été. Ce grand maître de la musique vocale baroque voulait ainsi encourager ces artistes à prendre conscience de l’exigence et de la spécificité de cet art vocal.
Avec la même ambition, l’IMEP se lance dans une nouvelle aventure : un opéra studio consacré spécifiquement au baroque.Le STUDIO BAROQUE servira de tremplin aux jeunes chanteur·euse·s en les mettant en contact avec des professionnels qui collaborent notamment avec le CAV&MA, pôle incontournable de l’art vocal et de la musique ancienne à Namur.
Le programme
Il s’agit ici d’un cursus de Master à finalité spécialisée (art lyrique) qui comprendra, dès la première année, des cours de chant hebdomadaires, des masterclasses données par des artistes internationaux, des cours de langues, mouvement scénique et formation corporelle. Les cours de chant et masterclasses seront axés sur un travail profond du texte, la conduite des récitatifs, la ligne vocale et l’ornementation de l’ère baroque. Un projet artistique spécialisé sera présenté dès l’inscription et développé tout au long du programme.
Professeure de chant, Sophie Karthäuser partagera ses connaissances du répertoire baroque acquises tout au long de sa carrière avec des chefs comme René Jacobs, Nikolaus Harnoncourt, William Christie, Christophe Rousset, Philippe Herreweghe et Emmanuelle Haïm. Elle a enregistré des oeuvres de Vivaldi, Händel, Bach, Mozart, Telemann, De Lalande et Grétry. Elle a fait partie du jury du Concours Musical International Reine Elisabeth de Belgique (Voix) ainsi que du Concours International de Chant Baroque de Froville.
Les concerts
Des concerts de classe s’organiseront tout au long de l’année, notamment avec la collaboration des étudiant·e·s instrumentistes du département de Musique Ancienne. Le concert de fin d’année comportera des extraits de scènes d’opéra et sera mis en espace par Vincent Dujardin, metteur en scène et professeur de mouvement scénique.
Les auditions
Durant la deuxième année de Master, l’étude du répertoire s’intensifiera. Des auditions s’ouvriront pour les éléments prometteurs du programme. Un lien privilégié avec le CAV&MA ainsi qu’avec le chef d’orchestre Leonardo García-Alarcón offrira la possibilité aux jeunes artistes d’être intégrés dans des productions incluant des rôles solistes, des remplacements (cover) et une éventuelle intégration au Choeur de Chambre de Namur.
INFORMATIONS PRATIQUES
Programme : Téléchargez les « Infos de finalité de Master » ainsi que la grille des cours « Master en musique: Art lyrique à finalité spécialisée »sur le site www.imep.be
Audition : 3 airs baroques de 3 compositeurs différents et en 3 langues différentes. Au- moins un des airs comprendra un récitatif et des vocalises. Date : 30 août 2024 dès 17h Adresse : IMEP, Rue Henri Blès 33A, 5000 Namur, Belgique
Inscriptions : Formulaire d’inscription à compléter en ligne sur le site de l'IMEP. Ajouter un CV, le projet artistique spécialisé (2 pages) et tout autre documenten cliquant sur le lien « Inscriptions ».
Le violoniste autrichien Leonhard Baumgartner a remporté le 21e Concours Eurovision Jeunes Musiciens 2024 samedi soir dans la ville de Bodø, dans le nord de la Norvège. Il a joué le premier mouvement du Concerto pour violon n° 5 d'Henri Vieuxtemps.
La deuxième place est revenue au Suédois Hugo Svedberg, suivi de l'Allemand Fabian Egger.
Leonhard Baumgartner est né à Vienne en 2007. Il étudie le violon à l'Université de musique et des arts du spectacle de Graz avec Regina Brandstätter depuis 2019 et se perfectionne à l'Université de musique et des arts du spectacle de Vienne avec Dora Schwarzberg depuis 2022.
Il est boursier de l'Académie internationale de musique du Liechtenstein. Depuis 2014, il a remporté de nombreux prix nationaux et internationaux, notamment le prix de la découverte des International Classical Music Awards (ICMA)
Organisateur de spectacles, critique d'art, protecteur des artistes, impresario de ballet russe, Serge de Diaghilev (en russe : Серге́й Па́влович Дя́гилев, Sergueï Pavlovitch Diaguilev) est né le 19 mars 1872 (31 mars dans le calendrier grégorien) à Selichtchi (gouvernement de Novgorod, Empire Russe) et mort le 19 août 1929 à Venise.
Créateur et impresario de génie, il fonde les Ballets russes d'où sont issus maints danseurs et chorégraphes qui ont fait l'art de la danse du XXe siècle.
Carlo Arrigoni (6 décembre 1697 - 19 août 1744) était un compositeur et musicien italien actif dans plusieurs pays au cours de la première moitié du XVIIIe siècle.
Arrigoni est né à Florence. On sait peu de choses de ses premières années et de sa formation musicale. Son premier oratorio est joué dans sa ville natale en 1719 et il est suivi par Il Pentimento d'Accabo (Le repentir d'Accabo, 1722), une mise en musique pour cinq voix d'un poème de son parent, le père Crisostomo Arrigoni. Son opéra La Vedova (La veuve) est également joué la même année à Foligno.
La mention suivante d'Arrigoni se trouve à Bruxelles, qui faisait alors partie des Pays-Bas autrichiens, où Il Pentimento d'Accabo a été représenté en 1728.
Au début des années 1730, il travaille à l'Académie de musique de Dublin, puis il est transféré à Londres en 1732. Il y publie des cantates de chambre dédiées à la Reine d'Angleterre, Caroline d'Ansbach, et participe à la vie musicale de la capitale jusqu'en 1736.
En avril 1733, Arrigoni interprète son propre Concerto pour luth et s'associe ensuite à l'Opera of the Nobility, créé en opposition à George Frideric Handel. Les représentations de son opéra Fernando lui valent de figurer dans le pamphlet satirique de John Arbuthnot, "Harmony in an Uproar" (daté de 1733). Ce pamphlet prend la forme d'un pastiche de l'opéra d'Arrigoni sous le nom de "The King of Arragon".
Arrigoni est remarqué non seulement comme interprète au luth et au clavecin, mais aussi comme chanteur, et il est finalement recruté pour prendre part aux productions de Haendel.
En 1736, il est enregistré comme jouant du luth lors de la première de l'œuvre chorale de Haendel Alexander's Feast et dans son concerto pour luth (opus 4.6), ainsi que comme ténor soliste dans la cantate Cecilia, volgi un sguardo.
De Londres, Arrigoni se rendit à Vienne pendant deux ans, où il produisit plusieurs cantates et son oratorio Ester (1738).
De retour à Florence, il fut nommé compositeur de François II, Grand-Duc de Toscane. Ses opéras Sibace et Scipione nelle Spagne furent joués en 1739. Le second était une mise en scène du même livret que l'opéra du même nom de Haendel en 1726.
En 1743, une mise en musique d'un autre poème de Crisostomo Arrigoni a été jouée lors d'un concert sacré. Arrigoni a également écrit de la musique instrumentale. Ses sonates de chambre sont aujourd'hui de plus en plus appréciées.
Hildegard Behrens est une soprano allemande, née le à Varel et morte le à Tokyo.
Elle naît dans une famille de médecins et opte d'abord pour des études de droit, avant d'aborder le chant, pour lequel elle se sent irrésistiblement attirée. Elle prend alors des cours de chant avec Ines Leuwen au Conservatoire de Fribourg-en-Brisgau.
Elle fait des débuts tardifs au théâtre de la même ville dans le rôle de la Comtesse des Noces de Figaro en 1971. La même année, elle devient membre de l'Opéra-Studio du Deutsche Oper am Rhein de Düsseldorf, puis plus tard de la troupe.
Au cours de la saison 1975-1976, alors qu'elle y répète Wozzeck, Herbert von Karajan la remarque et lui offre le rôle de Salomé dans l'enregistrement qu'il s'apprête à faire (chez EMI) avec notamment José van Dam et Agnes Baltsa.
C'est le début de sa carrière internationale. En 1976, elle fait ses débuts au Covent Garden puis au Metropolitan Opera avec le rôle de Giorgetta dans Il tabarro de Puccini. À Munich, elle chante Leonore dans Fidelio avec Karl Böhm. Mais c'est son interprétation de Salomé, l'année suivante, dans la célèbre production du Festival de Pâques de Salzbourg sous la direction de Karajan, qui la projette véritablement sous les feux de la rampe. Dès lors, elle est invitée sur les plus grandes scènes internationales. En 1978, elle triomphe au Met dans le rôle de Leonore, encore une fois sous la direction de Karl Böhm.
« Dotée d'une très forte personnalité et d'un sens du théâtre et de la psychologie bouleversant, elle est faite pour l'opéra et pour y incarner les personnages les plus divers : de Mozart à Berg, elle chante tout »2, y compris Katja Kabanova, La Fiancée vendue, Roussalka, La Femme sans ombre, où elle incarne une Impératrice spectaculaire sur la scène de l'Opéra de Paris, également Ariadne auf Naxos à Salzbourg pour les 85 ans de Karl Böhm. Le grand répertoire wagnérien est une révélation, et elle l'aborde en chantant d'abord dans Tannhäuser, Lohengrin, Le Vaisseau fantôme (également à l'Opéra de Paris). Mais c'est surtout son apparition dans Sieglinde à Monte-Carlo, dans une mise en scène de Peter Busse (1979), qui constitue un événement, si bien qu'elle reprend ensuite ce rôle à Munich, Düsseldorf puis au Met, en 1981.
Auparavant, elle fait ses débuts dans Isolde à Zurich et à Munich (avec Wolfgang Sawallisch, et l'enregistre sous la direction de Leonard Bernstein (1981, DGG), avec Peter Hofmann, un rôle dans lequel elle reste inoubliable de sensualité et de présence dramatique.
En 1982 elle chante Turandot et incarne ensuite Tosca avec Lorin Maazel. L'année suivante, elle fait des débuts remarquables dans le rôle de Brünnhilde, à la fois déchirante et guerrière, au Festival de Bayreuth, sous la direction de Georg Solti, rôle qu'elle reprend notamment pour deux intégrales enregistrées en live, l'une à Munich sous la baguette de Wolfgang Sawallisch en 1989 (EMI), avec entre autres René Kollo, Julia Varady, et l'autre au Metropolitan de New York en 1990 (DGG), sous celle de James Levine, avec notamment Siegfried Jerusalem, James Morris, dans une mise en scène d'Otto Schenk - représentations retransmises à la télévision devant 55 millions de téléspectateurs à travers le monde.
En plus des grandes héroïnes wagnériennes, elle se fait remarquer dans le répertoire de Richard Strauss et, outre Salomé, apparaît comme une interprète majeure du rôle-titre d'Elektra, sans doute son incarnation la plus aboutie, qu'elle aborde à l'Opéra de Paris en 1987 et reprend ensuite sur les plus grandes scènes internationales (Met, Teatro Colón, Vienne, Covent Garden, Munich et Salzbourg en 1996). Elle incarne également une impressionnante Kostelnička, à la fois terrible et humaine, dans Jenůfa de Leoš Janáček. Tout au long de sa carrière, elle chantera très souvent au Met de New York, notamment sa première Elettra (Idomeneo, re di Creta) en 1982, ainsi que Sieglinde, Isolde, Donna Anna, Brünnhilde, Marie (Wozzeck), Salomé et Tosca.
Par ailleurs, elle a participé à la redécouverte de l'opéra d'Albéric Magnard, Guercœur, sous la direction de Michel Plasson, enregistré en 1986, ainsi qu'à la création mondiale de Cronaca del luogo, opéra composé spécialement pour elle par Luciano Berio, à Salzbourg sous la direction de Sylvain Cambreling en 1999, et du Cercle Kleist de René Koering en 1995.
Voix radieuse, à la beauté frémissante, fragile et féminine tout en étant résistante, son chant se caractérise par une expressivité proche de l’excès, une tension dramatique permanente, qu’elle savait cependant contrôler (Agathe dans Der Freischütz). Elle était très prisée en Elektra, Fidelio, Senta dans Le Vaisseau fantôme, Brünnhilde dans L'Anneau du Nibelung et en Isolde. Elle succéda à Leonie Rysanek comme détentrice de l'anneau de Lotte Lehmann. Son talent et sa carrière ont été récompensés par de nombreux honneurs, dont notamment le titre de Kammersängerin des opéras de Munich et Vienne, et la Bundesverdienstkreuz décernée par la République fédérale d'Allemagne.
En , alors qu'elle se trouve au Japon, invitée par le Festival de Kusatsu (Gunma) pour y donner un récital, elle fait un malaise et meurt d'une rupture d'anévrisme de l'aorte le dans un hôpital de Tokyo, à l'âge de 72 ans.
Gottlob Frick est une basse allemande. Il est né le à Ölbronn et mort le à Mühlacker.
Cadet d'une famille de 13 enfants, sa voix d'une profondeur exceptionnelle est découverte très tôt. La carrière de Gottlob Frick, qui durera jusque vers la fin des années 1970, fut l'une des plus brillantes de toutes les basses du XXe siècle.
Se produisant sur toutes les grandes scènes mondiales, de Berlin à New York, en passant par Bayreuth, Vienne, Salzbourg, Paris, Barcelone, Londres, il fait officiellement ses adieux à la scène en 1970, mais continue à enregistrer et faire quelques apparitions occasionnelles, à Vienne, Munich et Stuttgart jusqu'en 1985.
Gottlob Frick possédait une voix rocailleuse, profonde, flexible et « noire » qui en faisait le « méchant » le plus demandé du répertoire germanique : Hagen dans Le Crépuscule des dieux, Hunding dans La Walkyrie, Kaspar dans Der Freischütz, Osmin dans L'Enlèvement au sérail, mais aussi, en raison de sa capacité à exprimer la bonté et la douceur, les rôles de « gentils » ou « sages » les plus célèbres (Sarastro dans La Flûte enchantée, Gurnemanz dans Parsifal...).
Benjamin Louis Paul Godard est un compositeur français né le à Paris et mort le à Cannes.
Né dans une famille mélomane de commerçants, Benjamin Godard étudie le violon dès ses plus jeunes années auprès de Richard Hammer et Henri Vieuxtemps , comme sa sœur Magdeleine, qui sera violoniste, puis il entre au Conservatoire de Paris en 1863 où il travaille la composition avec Henri Reber.
À l'âge de dix-sept ans, il compose sa première sonate pour violon et piano. Il obtient le prix de la ville de Paris en 1878 pour sa symphonie dramatique Le Tasse pour solistes, chœur et orchestre, et l'année suivante le prix Chartie pour ses œuvres de musique de chambre.
En 1887, il devient professeur de la classe d'ensemble instrumental du Conservatoire de Paris7, succédant à René Baillot. Son chef-d'œuvre Jocelyn (créé à Bruxelles le ), d'après un poème de Lamartine, dont on retient la célèbre Berceuse, révèle le meilleur du talent lyrique du compositeur. Un autre opéra, Dante, est représenté à l'Opéra-Comique le
Godard écrit encore deux opéras, édités par Julien Hamelle : La Vivandière, dont l'orchestration fut terminée par Paul Vidal (création à Bruxelles, à La Monnaie, le 21 mars 1893, et à titre posthume à Paris le ), et Les Guelfes, représenté (également à titre posthume) à Rouen le .
Il compose aussi plusieurs symphonies dont trois à programme -la Symphonie gothique op. 23 (1874), la Symphonie orientale op. 84 (1884) et la Symphonie légendaire op. 99 (1886)- deux concertos pour violon (op. 35 et 131), deux concertos pour piano (op. 31 et 148), trois quatuors à cordes (op. 33, 37 et 136), quatre sonates pour violon et piano (op. 1, 2, 9 et 12), une sonate pour violoncelle et piano (op. 104) et deux trios avec piano (op. 32 et 72), une centaine de mélodies. Deux de ses œuvres les plus réussies sont le Concerto romantique pour violon et orchestre op. 35 (1876) et le Concerto pour violon no 2 en sol mineur op. 131 (1891), qui sont à la fois d'une écriture habilement virtuose pour le violon et d'une sensibilité romantique qui se rattache à celle du milieu du XIXe siècle.
Atteint de tuberculose, il se retire sur la Côte d'Azur en 1892, où il meurt au début de l'année 1895, âgé de 45 ans.
Il avait été nommé Chevalier de la Légion d'honneur en 1889.
La mise en musique du cantique biblique Magnificat de Krzysztof Penderecki a été commandée pour le 1 200e anniversaire de la cathédrale de Salzbourg et créée le 17 août 1974 sous la direction du compositeur.
Il s’agit d’une œuvre vaste, écrite pour une basse vocale soliste, des voix de garçons, sept autres voix d’hommes, deux chœurs mixtes de 24 voix et un orchestre.
Gérard Souzay, né Gérard Marcel Eugène Tisserand le à Angers et mort le à Antibes, est un baryton français.
Il est considéré comme un excellent interprète de mélodies reprenant le flambeau de Charles Panzéra et Pierre Bernac.
D'une famille musicienne angevine, Gérard Souzay grandit à Chinon (il prendra plus tard son nom d'artiste d'un village des bords de Loire). Ses parents se sont rencontrés à la première représentation de Pelléas et Mélisande en 1902. Après ses classes au collège Rabelais à Chinon, il entre à la Sorbonne pour étudier la philosophie et y rencontre Pierre Bernac, qui décèle ses dons vocaux et l'encourage à étudier le chant.
Souzay entre au Conservatoire de Paris en 1940, étudiant avec Claire Croiza et Jean-Émile Vanni-Marcoux. Il commence à chanter comme ténor mais en 1943, sur les conseils du chanteur lyrique Henri Etcheverry, il devient baryton. Il s'essaye aussi à la composition et en 1942, trois de ses adaptations de poèmes de Paul Valéry sont données en concert par Pierre Bernac. Après avoir obtenu un prix de chant et un prix de vocalise, il continue à développer sa voix sous la conduite de Bernac, quoique tenant à se différencier par des méthodes et des idées plus récentes sur la prononciation. Attentif à ne pas se cantonner au répertoire français, il étudie le Lied, particulièrement Schubert et Schumann, sous la conduite de Lotte Lehmann.
Il donne ses premières représentations publiques en 1945 : des récitals et des concerts dont le Requiem de Fauré à l'occasion du centenaire du compositeur au Royal Albert Hall à Londres. Il acquiert rapidement une renommée internationale pour le récital, d'abord accompagné par Jacqueline Bonneau, sa condisciple au Conservatoire de Paris, mais comme elle est réticente à voyager, il s'associe étroitement dès 1954 avec le pianiste américain Dalton Baldwin, association qui perdure jusqu'à la fin de sa carrière2.
Amateur de mélodies et de chansons populaires, Gérard Souzay est vite amené à chanter dans 13 langues différentes dont l'hébreu, le portugais et le russe. Cependant, il ne maîtrisait pas lui-même toutes ces langues (il avouait ne parler que français, anglais et allemand en sus de quelques rudiments d'italien ou d'espagnol), d'où certaines imprécisions de prononciation3. Dans la musique contemporaine, il se produit dans La Danse des morts d'Arthur Honegger et à la première du Canticum Sacrum d’Igor Stravinsky. Le compositeur Jacques Leguerney (1906-1997) écrit de nombreuses mélodies pour Souzay et sa sœur, la soprano Geneviève Touraine, qui avait créé en 1942 les Fiançailles pour rire de Francis Poulenc (leurs deux frères ont également été chanteurs).
Sa carrière lyrique commence en 1947 avec l'opéra-bouffe Il matrimonio segreto de Domenico Cimarosa au festival d'Aix-en-Provence mais ne prendra jamais le pas sur les récitals. Dans les années 1950, il chante notamment les rôles-titres de L'Orfeo de Claudio Monteverdi et de Don Giovanni de Mozart ainsi qu'Almaviva dans Les Noces de Figaro, Lescaut dans Manon de Jules Massenet, Méphistophélès dans La Damnation de Faust d'Hector Berlioz et surtout Golaud dans Pelléas et Mélisande de Claude Debussy.
Il fait ses adieux à la scène à la fin des années 1980 et consacre les dernières années de sa vie à enseigner aux États-Unis, en Europe et au Japon. Il travaille principalement le phrasé et l'interprétation du chant plutôt que la diction française.
Il est également passionné de peinture abstraite et publie en 1983 un livre, "Sur mon chemin", dans lequel une sélection de ses peintures est accompagnée par de commentaires sur l'art et la vie. Il meurt dans sa maison d'Antibes le
Conscient de l'importance des mots qu'il prononce, Gérard Souzay insiste grandement sur les sonorités des consonnes, tout en gardant une bonne souplesse de diction. La précision de son phrasé s'accorde avec un tempo assez lent pour l'enregistrement qu'il propose de la mélodie française. Un exemple frappant de ce phénomène est son interprétation de la mélodie Après un rêve de Fauré. Contrairement à d'autres chanteurs lyriques, qui préfèrent insister sur la fougue et l'émoi du rêveur, Souzay fait surtout ressentir l'utopie, l'illusion du rêve qui s'enfuit.
S'il est baryton Martin, Souzay n'en possède cependant pas la voix caractéristique. Son timbre chaud et sombre le rattacherait plutôt à une voix de baryton plus grave, comme la voix de baryton dramatique. Ainsi, il interprète brillamment le rôle de Golaud dans le Pélléas et Mélisande de Debussy, rôle normalement attribué à une voix de baryton-basse. Néanmoins, son étendue vocale et ses aigus claironnants le rattachent sans contredit à la voix de baryton Martin.
Les premiers enregistrements de Gérard Souzay datent de 1944 avec les sopranos Germaine Lubin et Geneviève Touraine (ce furent presque les seuls duos qu'il enregistra, à part les derniers avec Elly Ameling). Il enregistre pour le label La Boîte à musique avant de signer avec Decca. Il enregistre par la suite pour Philips et EMI. Une discographie complète a été publiée en 1991, listant plus de 750 titres.
Souzay a remporté à trois reprises le Grand Prix du disque, dont un prix pour son enregistrement des mélodies de Maurice Ravel. Il a également participé aux intégrales des mélodies de Fauré et de Poulenc.
Un grand nombre de ses premiers enregistrements (early recordings) ont été réédités, bien que Souzay les ait désavoués et ait cherché à interdire leur retransmission à la radio, leur préférant des enregistrements plus tardifs.
