Silvestre Revueltas est l'un des plus importants compositeurs mexicains modernes.
Il est né le 31 décembre à Santiago Papasquiaro et a étudié au Conservatoire d'État de Mexico, ainsi qu'à Chicago et à New York.
Il s'est d'abord produit comme violoniste, a été chef d'orchestre dans différentes villes du sud des États-Unis en 1926-1928 et a travaillé jusqu'en 1935 comme assistant de C. Chávez Ramirez et comme deuxième chef d'orchestre de l'Orquesta Sinfónica de México, ainsi que comme professeur de violon et de musique de chambre au Conservatoire d'État de Mexico. C'est également à cette époque qu'il commence à composer.
Il a participé à la guerre civile espagnole (1936-1939) aux côtés des républicains.
Après la victoire de Franco, il est retourné au Mexique pour enseigner. Il gagnait mal sa vie, s'appauvrissait et tombait dans l'alcool. Sa musique, inspirée du folklore mexicain, se caractérise par une mélodie brillante, une puissance rythmique et, dans de nombreux cas, par un humour sarcastique.
Revueltas a écrit des œuvres orchestrales (entre autres Cuauhnahuac en 1930, Esquinas en 1931, Ventanas en 1931, Alcancías en 1932), de la musique de chambre (entre autres trois quatuors à cordes), des œuvres pour piano, des chansons et des musiques de film.

Il est décédé le 5 octobre 1940 au Mexique.

 

Ernest John Moeran (Heston, banlieue de Londres, 31 décembre 1894 - 1^er décembre 1950) est un compositeur britannique.

Fils d'un pasteur irlandais, Moeran commence l'apprentissage du violon et du piano dès l'enfance. À l'âge de dix ans, il est envoyé à la Suffield Park Preparatory School, à Cromer, dans le Norfolk. En 1908, il rejoint la Uppingham School, école où il passe les cinq années suivantes. En 1913, il entre au Royal College of Music et étudie avec Charles Villiers Stanford. Blessé pendant la Première Guerre mondiale en 1917, il rentre à la Uppingham School où il enseigne la musique. Mais il n'est pas satisfait de ce poste, et reprend ses études au Royal College of Music avec le compositeur John Ireland.

De 1931 date son œuvre intitulée Lonely Waters (Eaux solitaires).

Il entame l'écriture de son concerto pour violon après avoir terminé sa symphonie en sol à l'automne 1937. La première audition du concerto a lieu en 1942 où le dédicataire Arthur Catterall tient le violon.

Louis James Alfred Lefébure-Wély,, né le 13 novembre 1817 à Paris où il est mort dans le 18^e arrondissement le 31 décembre 1869, est un pianiste, organiste, improvisateur et compositeur français.

Il est le fils de l’organiste et pianiste Isaac-François Lefébure-Wely (1756-1831), dit Antoine Lefébure-Wely depuis qu'il officie à l'église Saint-Roch en 1805, et auquel il succédera à la mort de son père. Enfant prodige, il peut dès ses huit ans remplacer son père rhumatisant à l'orgue de l'église. Grâce à la protection de la reine Marie-Amélie de Bourbon, il succède officiellement à son père à la tribune de Saint-Roch en 1831, où il restera jusqu'en 1846.

En 1835, il est le lauréat des premiers prix d'orgue -avec François Benoist- et de piano -avec Pierre Zimmermann (1785-1853) et Laurent- du Conservatoire de Paris. Sa carrière d'organiste débute donc à Saint-Roch, se poursuit à l'église de la Madeleine, de 1847 à 1857, puis à l'église Saint-Sulpice, de 1863 jusqu'à sa mort en 1869. Grand ami du facteur d'orgue Aristide Cavaillé-Coll, il est choisi pour inaugurer nombre de ses instruments à Paris ou en province, dont le nouvel orgue de Sainte-Clotilde, conjointement avec César Franck, le 19 décembre 1859. Durant toute sa carrière, il est reconnu comme un grand improvisateur, ce qui lui vaut l'admiration de Saint-Saëns.

À partir de 1834, il étudie la composition au Conservatoire avec Henri Montan Berton et ensuite avec Jacques Fromental Halévy. Il prend aussi des leçons avec Adolphe Adam et se fait conseiller par Louis-Nicolas Séjan. En tant que compositeur, il a surtout écrit de la musique religieuse, dont trois messes, des pièces pour piano, harmonium et orgue. Il est aussi l’auteur de trois symphonies, d'une cantate (Après la victoire) et d'un opéra (Les Recruteurs, livret d'Amédée de Jallais et Alphonse Vulpian, 1795?-1829) présenté sans succès à l’Opéra-Comique en 1861.

À l'orgue, son style musical le démarque de ses contemporains, préférant au style romantico-symphonique un style plus orchestral. Certaines de ses œuvres ne manquent pas de rappeler de la musique de fanfare de village ou de la musique pour limonaire. Il excelle dans les Fantaisies imitatives, et sa Scène pastorale avec orage offre un excellent exemple des possibilités descriptives de l'orgue de son époque. Sa technique brillante au pédalier -ce que ses œuvres publiées ne démontrent pas- lui a valu la dédicace de Charles-Valentin Alkan pour ses 12 Études pour les pieds seulement et celle de César Franck pour son Final en si bémol pour orgue, op. 21.

Louis Lefébure-Wély a épousé le 15 avril 1843 à Paris Joséphine Thérèse Court (1825-1876). Le couple a trois enfants, Anne Marie Charlotte (1844-1876), Alexandrine Émilie (1845-1914), Louis Achille (1850-1875).

Louis Lefébure-Wély meurt le 31 décembre 1869 (on donne parfois 1870 comme année du décès), et il est inhumé à Paris au cimetière du Père-Lachaise.

La nouvelle plateforme numérique « LaDocumenta.eu » a récemment reçu le soutien du programme Creative Europe de l'Union européenne. Initiative innovante et sans but lucratif, LaDocumenta.eu se consacre à la collecte, à la préservation et à la promotion de documents relatifs au patrimoine musical entretenu par des orchestres jouant sur des instruments historiques.

Un espace numérique pour la recherche et la collaboration
« LaDocumenta.eu » s'adresse aux étudiants en musique, aux professionnels, aux pédagogues et aux passionnés de musique et offre un accès gratuit à une vaste collection internationale de documents sous forme écrite, audio et vidéo. La plateforme archive des documents importants d'orchestres concernant l'exécution d'œuvres spécifiques ainsi que les résultats de recherche scientifique y afférents.

L'innovation au service de la pratique d'exécution historique
Grâce à l'utilisation de l'intelligence artificielle pour la collecte, la structuration et la diffusion des données, « LaDocumenta.eu » se positionne comme un pionnier dans les domaines de la recherche et de la pratique musicale historiquement informée.

Le 31 décembre, le Metropolitan Opera de New York fera ses adieux à l'année avec la première d'une nouvelle production de Aida de Giuseppe Verdi, dans laquelle la soprano Angel Blue fera ses débuts dans le rôle-titre.

Sous la baguette du directeur musical du théâtre, le Canadien Yannick Nézet-Séguin, une nouvelle production scénique sera proposée sous la signature de Michael Mayer, avec les voix de l'Ange Bleu (Aïda) et de Piotr Beczala (Radamès) dans le rôle principal. La distribution est complétée par la mezzo-soprano Judit Kutasi (Amneris), le baryton Quinn Kelsey (Amonasro) et la basse Dmitry Belosselskiy (Ramfis).

Selon les propres termes du Metropolitan, « la nouvelle mise en scène spectaculaire de Michael Mayer emmène le public à l'intérieur des imposantes pyramides et des tombes dorées de l'Égypte ancienne, avec des projections complexes et des animations éblouissantes ».

 

David Willcocks est un chef d'orchestre, compositeur, organiste et chef de chœur britannique né le 30 décembre 1919 à Newquay en Cornouailles, et mort le 17 septembre 2015.

Titulaire de l'orgue de la cathédrale de Salisbury, puis de celui de la cathédrale de Worcester, il a également assuré la première mondiale du War Requiem de Benjamin Britten en 1963, d'abord à Pérouse et à Milan, puis à Venise.

Dmitri Borissovitch Kabalevski, né le 30 décembre 1904 à Saint-Pétersbourg (Empire russe) et décédé le 18 février 1987 à Moscou (Union soviétique), est un compositeur soviétique et russe.

Dmitri Kabalevski est issu d'une famille d'intellectuels de condition modeste. Son père était mathématicien et travaillait à l'Assurance nationale. Il lui communiqua très tôt son goût pour la littérature, la peinture, la géographie, les sciences naturelles et la technique. À sa mère, il doit son goût précoce pour la musique. Il poursuit ses études secondaires au Premier gymnasium de garçons de Pétrograd.

En 1918, sa famille s'installe à Moscou, redevenue depuis peu la capitale de la Russie, ville dans laquelle il entreprend en 1919 des études de piano à l'école de musique Victor Selianov (ultérieurement, Institut Scriabine), où il acquiert une bonne technique pianistique et fait montre de talent pour l'improvisation, effectue ses études secondaires, et suit en parallèle les cours d'une école de peinture. En 1922, à la demande de son père, il entre à l'Institut Engels pour y effectuer des études économiques et sociales -études qu'il n'entreprendra en fait jamais, ayant décidé au même moment de se consacrer entièrement à la musique-, tout en suivant parallèlement ses cours de musique à l'Institut Scriabine. Il parlait couramment plusieurs langues étrangères, tout particulièrement l'anglais. Il intégra le Conservatoire Tchaïkovsky de Moscou en 1925 et publia à cette occasion ses Trois préludes pour piano, son opus 1. Il eut Georges Catoire et Nikolaï Miaskovski comme professeurs de composition et Alexandre Goldenweiser comme professeur de piano. Ses premières œuvres reconnues prennent forme à la fin des années 1920 : Trois mélodies d'Alexandre Blok d'après les poèmes de ce dernier (1927), une sonate pour piano (1927), le quatuor n° 1 (1928) et un concerto pour piano (1928), une sonatine pour piano en ut (1930).

Du milieu des années 1920 au début des années 1930, une lutte farouche opposa l'Association pour la musique contemporaine (ASM), fondée en 1923 au sein de l'Académie nationale des arts, filiale russe de l'association internationale du même nom, et l'Association russe pour la musique prolétarienne (RAPM). Kabalevski ne fit jamais officiellement partie d'aucune de ces deux associations, mais il rejoignit, dès son entrée au conservatoire, le groupe PROKULL (Production collective des étudiants compositeurs), un groupe d'étudiants du conservatoire de Moscou cherchant à faire le lien entre les deux associations. Notamment avec son jeune collègue Vissarion Chebaline, il publia des articles dans la revue Musique de notre temps de l'ASM. Lors de la dissolution, en 1932, de ces deux associations et de leur remplacement par l'Union des compositeurs soviétiques, Kabalevsky participa activement à la création de la section moscovite de cette organisation et occupa ensuite un poste d'administrateur de cette section.

Kabalevski aurait, en 1934, été l'un des rares à oser prendre publiquement position en faveur de l'opéra Lady Macbeth de Mzensk de Dmitri Chostakovitch lors de son interdiction (qui faisait suite à la publication d'une critique très sévère de cet opéra, parue dans le journal La Pravda, article que l'on savait « inspiré » par Staline lui-même, ce dernier ayant ostensiblement quitté la salle du Bolchoï l'avant-veille, pendant la représentation de second acte de l'opéra). Mais il est également rapporté qu'en 1956, Kabalevski se serait, lors d'une réunion de l'Union des compositeurs et en présence de Chostakovitch lui-même, violemment opposé à la levée de l'interdiction de ce même opéra, compte tenu de « l'immoralité » (raison identique à celle invoquée par Staline) de l'héroïne¹. Aucune de ces deux anecdotes n'est toutefois mentionnée dans le Témoignage controversé de Chostakovitch, publié par le journaliste Solomon Volkov. Kabalevski rendra un vibrant hommage à Chostakovitch en 1966, à l'occasion de son soixantième anniversaire.

Excellent pédagogue (il est nommé en 1932 professeur assistant de composition au conservatoire de Moscou et titularisé en 1939), il passera pour un musicien épris de l'enfance. Sa véritable personnalité apparaît dans ces œuvres pour piano à vocation pédagogique : Recueil de pièces faciles pour les débutants (1927-1940), De la vie d'un pionnier (1931), Trente pièces enfantines (1937-1938), Vingt-quatre morceaux faciles (1944), Deux variations faciles (1944), Cinq variations faciles (1952), Quatre rondos faciles (1958), Six préludes et fugues (1958-1959), Trente-cinq pièces faciles (1972-1974). Deux sonatines, datant de 1930 (connue de nombreux jeunes pianistes) et 1933 complètent cette œuvre, sans oublier les Tableaux de l'enfance et sa rapsodie Le temps de l'École (1963, sur une comptine enfantine très connue en Russie. Il enseignera bénévolement la musique, jusqu'à la fin de sa vie, dans l'école primaire de son quartier. Dans ces petites formes, la simplicité de l'harmonie, le charme des thèmes séduisent le mélomane.

En 1940, Kabalevski devient une grande figure de la musique soviétique. Il est nommé cette même année président de l'Union des compositeurs soviétiques, un poste qu'il gardera jusqu'en 1948 quand il fut remplacé, par Tikhon Khrennikov, qui restera à ce poste jusqu'à la dislocation de l'URSS (1991).

Membre du Parti communiste en 1940, rédacteur de la revue Sovietskaïa Mouzika, lauréat à quatre reprises du prix Staline (1946, 1949, 1951, et 1966), Kabalevski fut toutefois accusé, à la mi-janvier 1948, par Andreï Jdanov, en même temps qu'Aram Khatchatourian, Gavriil Popov, Sergueï Prokofiev, Dmitri Chostakovitch, Nikolaï Miaskovski et Vissarion Chebaline, de « formalisme », la pire accusation que l'on pût porter contre un artiste pendant la période stalinienne. De tous ces musiciens, qui avaient tous peu de temps auparavant reçu au moins un prix Staline pour certaines de leurs compositions, Kabalevsky fut le seul, au cours de cette séance tristement célèbre, à faire son autocritique publique. Par la suite, dans le décret du 10 février 1948, le nom de Kabalevski, contrairement à celui de ses confrères qui avaient été publiquement accusés en même temps que lui du même « crime », n'apparaît plus. Ce fait lui valut, jusqu'à la fin de ses jours, une farouche inimitié de la part d'un certain nombre de ses confrères, qui l'accusèrent, dès lors, d'« opportunisme ».

Par la suite, il est président de la Commission pour l'éducation musicale des enfants en 1962, Artiste du peuple de l'URSS en 1963, président du Conseil scientifique d'esthétique pédagogique à l'Académie des sciences pédagogiques de l'URSS en 1969, et Président de l'International Society of Musical Associations en 1972. Il jouit d'une datcha à Sovietski Pissatel.

Il fait partie de la première génération des compositeurs soviétiques, mais il fut l'un des rares compositeurs majeurs de sa génération à avoir suivi les orientations de la politique officielle en matière de création musicale après les décrets Jdanov de 1948, orientations (« réalisme socialiste ») auxquelles il restera fidèle jusqu'à sa mort -même dans les années 1980 où ces orientations étaient totalement rejetées par presque tous les compositeurs, n'avaient plus d'appuis officiels et, de fait, allaient jusqu'à nuire à la réputation de Kabalevsky. Son œuvre d'après-guerre s'intègre en grande partie dans ce moule, trouvant une partie (mais une partie seulement) de sa source dans les formes d'arts musicales populaires de son pays, mais n'ayant jamais gommé de celle-ci l'influence initialement subie (comme beaucoup de compositeurs soviétiques de cette époque l'ont avoué après la mort de Staline) de la musique française du Groupe des Six (tout particulièrement Francis Poulenc pour ce qui est de Kabalevsky) et de Maurice Ravel, ainsi que de l'avant-garde russe émigrée à cette époque (Igor Stravinsky et Sergueï Prokofiev).

Parmi ses œuvres les plus populaires, on peut citer ses quatre concertos pour piano (1929, 1935 (« à la Prokofiev »…), 1952 (son concerto pour piano le plus joué, où l'esprit de Francis Poulenc est particulièrement présent, concerto créé à Moscou par Alexis Weissenberg, alors âgé de 14 ans), 1975 (concerto Prague), son concerto pour violon (1948) et ses deux concertos pour violoncelle (1948-1949 et 1964), qui sont des œuvres empreintes d'un lyrisme intime teinté d'humour et de joie de vivre. Son œuvre symphonique comprend en outre quatre symphonies (1932, 1933 (Requiem, sa symphonie N° 3), 1934 (sa symphonie la plus jouée, la N° 2) et 1956), une suite symphonique Roméo et Juliette (1956), une ouverture Pathétique (1960) et un poème symphonique Le Printemps (1960). Il est également l'auteur de plusieurs musiques de scène (Les Comédiens, 1938-1940), de mélodies et de ballets. Il complétera, en collaboration avec Mstislav Rostropovitch, le Concertino pour violoncelle et orchestre de Serge Prokofiev, commencé en 1952, que ce dernier n'avait pas eu le temps d'achever avant sa mort.

Sa musique de chambre représente peut-être le meilleur de sa création musicale : deux quatuors à cordes (1928, 1945), trois sonates pour piano (1927, 1945, 1946, les deux dernières créées aux États-Unis par Vladimir Horowitz en 1947 à New York), vingt-quatre préludes pour piano (1943-1944), et surtout sa sonate pour violoncelle et piano (1962), créée par son dédicataire, Mstislav Rostropovitch.

Les formes musicales plus développées (opéras) l'intéressent mais il s'y trouve peut-être moins à l'aise (ce n'est pas l'avis des Russes, qui les préfèrent généralement à ses œuvres instrumentales !), à l'exception de son opéra Le Maître de Clamecy ou Colas Breugnon, tiré par le librettiste Sigismund Krzyzanowski du roman de Romain Rolland (1937), profondément révisé en 1967–1968, œuvre d'une grande truculence et incontestablement très réussie. L'ouverture de cet opéra a été créée aux États-Unis par Arturo Toscanini, et il en existe de très nombreux enregistrements. Kabalevsky a composé quatre autres opéras : Au feu, non loin de Moscou (1943), La Famille de Tarass (1947-1950), Nikita Verchinine (1953-1954) et Les Sœurs (1967-1969), beaucoup moins connus que Colas Breugnon. Il est également l'auteur d'une opérette écrite en 1957, Le Printemps chante.

Les œuvres patriotiques composées pendant les années 1940 (La Grande Patrie, 1942, Les Vengeurs, 1942) ou par la suite (Les Léninistes, 1959, La Lettre au xx^e siècle, 1972) n'ont, quant à elles, pas résisté à l'usure du temps.

En revanche, certains tiennent son requiem En mémoire de ceux qui ont péri dans la lutte contre le fascisme, sur des poèmes de Robert Rojdestvensky (1962), pour l'une de ses œuvres majeures, comparable au War Requiem de Benjamin Britten ou au Dresdner Requiem de Rudolf Mauersberger.

Josef Bohuslav Foerster ou Förster (né le 30 décembre 1859 à Prague – mort le 29 mai 1951 (à 91 ans) à Nový Vestec) est un compositeur tchécoslovaque.

Il grandit dans une famille où la musique occupe une place importante. Son père, Joseph Förster, organiste et chef d'orchestre, compte Franz Lehár parmi ses élèves. Une place importante de la production de Foerster réside dans les œuvres pour formations instrumentales de chambre dont ses trois trios avec piano, le quintette à vent, le nonette, le quintette à cordes et les cinq quatuors à cordes. Sous les sources d'inspiration de ses œuvres pour quatuor, se cache un compositeur au talent littéraire, grand connaisseur en matière de poésie, celle-ci trouvant une mise en valeur dans ses innombrables mélodies. L'influence de Bedřich Smetana, son grand modèle, et d'Antonín Dvořák, compositeur qu'il connaissait personnellement, est perceptible dans ses premiers quatuors à cordes.

Il a également publié en allemand le livre Der Pilger, Erinnerungen eines Musikers (Le pèlerin, souvenirs d'un musicien) Prague, éd. Artia, 1955, 762 p., où il raconte, dans un style sympathique, ses rencontres avec Dvorak, Mahler, Grieg et bien d'autres.

Christian Beuke, directeur de gestion de l'Orchestre philharmonique de Munich, succède à Thomas Schmidt-Ott au poste de directeur de l'Orchestre symphonique allemand de Berlin (DSO) à compter du 1er septembre 2025. Avec cette nomination, Anselm Rose, directeur général de la Rundfunk Orchester und Chöre gGmbH Berlin (ROC), se réjouit de l'avenir : « Nous sommes très heureux d'avoir trouvé en Christian Beuke l'un des directeurs d'orchestre les plus expérimentés d'Allemagne. Je suis convaincu qu'il ajoutera de nombreux autres chapitres à l'histoire à succès du DSO ».

 

La vingtième saison d'ABAO Txiki débutera la nouvelle année avec la première à Bilbao de D'Artagnan et les jeunes mousquetaires, une production d'Ópera de Cámara de Navarra. Ce nouvel opéra associe la musique de Jesús Echeverría et le livret du journaliste et dramaturge Víctor Iriarte, offrant une version actualisée du roman emblématique d'Alexandre Dumas. Le théâtre Arriaga accueillera cinq représentations sous la direction de Víctor Iriarte.

L'intrigue, qui se déroule vingt ans après les événements racontés dans "Les Trois Mousquetaires", voit D'Artagnan recevoir une nouvelle mission d'Anne d'Autriche : réunir ses anciens compagnons et retrouver le Dauphin de France, le futur Louis XIV. Mais Athos, Porthos et Aramis, vieillissants, passent le relais à leurs fils, qui devront faire face aux machinations du cardinal Mazarin.