Le violoniste hongrois était un soliste et un chambriste de renom, ainsi qu'un pédagogue respecté. György Pauk, dont le jeu représentait un lien étroit avec celui de Joseph Joachim, est décédé à l'âge de 88 ans.

Né à Budapest en 1936, Pauk a commencé à apprendre le violon dès son plus jeune âge, à l'instigation de sa mère. Après avoir perdu ses deux parents dans l'Holocauste, il a été élevé par sa grand-mère dans le ghetto de Budapest, où la nourriture, l'eau et le chauffage étaient rares. Malgré ces conditions difficiles, il se montre très tôt prometteur au violon et est admis à étudier à l'Académie Liszt, où il deviendra l'élève de Zoltán Kodály.

Au début de sa carrière, Pauk fait défection de la Hongrie sous contrôle soviétique et devient « apatride » à seulement 22 ans. Sur les conseils de Yehudi Menuhin, il s'est finalement installé au Royaume-Uni et est devenu citoyen britannique en 1967.

Pauk a remporté les concours internationaux de violon Paganini et Jacques Thibaud et s'est lancé dans une carrière de soliste florissante qui l'a vu jouer des concerti aux côtés de chefs d'orchestre tels que Pierre Boulez, Sir Colin Davis, Lorin Maazel, Gennady Rozhdestvensky, Simon Rattle et Georg Solti.

Chambriste accompli, Pauk s'est souvent produit en trio avec le violoncelliste Ralph Kirshbaum et le pianiste Peter Frankl, ce dernier étant son partenaire de musique de chambre depuis l'enfance.

Pauk est considéré comme l'un des plus grands interprètes de Bartók au monde. Il a également été à l'avant-garde de la musique contemporaine tout au long du XXe siècle et a donné les premières mondiales d'œuvres de Lutosławski, Penderecki, Schnittke, Maxwell Davies et Tippett.

Parallèlement à sa brillante carrière de musicien, Pauk a été un pédagogue reconnu et a été nommé professeur à la Royal Academy of Music de Londres en 1987. Il y a occupé le poste de professeur de violon Ede Zathureczky. Il était l'un des principaux spécialistes de l'école hongroise de violon, qui descend de Joseph Joachim, collaborateur de Johannes Brahms et de Robert et Clara Schumann.

Pauk jouait sur le Stradivarius « Massart » de 1714, dont il était l'unique propriétaire.

 

La mezzo-soprano italienne Mara Gaudenzi vient de remporter la sixième édition du Concours de chant Nicolai Guiaurov à Modène. Le jury, présidé par Chris Merritt, était composé de Vincent Scalera, de trois agences d'opéra : DM Management de Mario Dradi, Adriana Molina de Madrid et Musikos de Simone Maria Marziali, directeur artistique de l'Accademia Verdiana Carlo Bergonzi de Busseto ; Evamaria Wieser ; Jordi Pujal, représentant et président des Amis de l'Opéra Prado de Sitges-Casino (Espagne) ; Micaela Magiera, de l'Association Mirella Freni ; Gianni Coletta, directeur artistique de l'association Actea et créateur du concours ; et Eddy Lovaglio, président d'Actea.

Parmi les douze finalistes, la gagnante de cette sixième édition est la mezzo-soprano Mara Gaudenzi, une voix rossinienne qui a interprété l'aria "Nacqui all'affanno" de Cenerentola; le deuxième prix a été décerné au baryton Davide Piva, qui a séduit le public avec « Udite o rustici » de Gaetano Donizetti. Le troisième prix a été décerné à la soprano Aigerim Altynbeck qui a chanté « Senza mamma » de Suor Angelica de Giacomo Puccini. Le prix de la meilleure basse a été décerné à Gabriele Valsecchi, qui a chanté « La calunnia » du Barbier de Séville. Le prix Mirella Freni, offert par l'association Mirella Freni, a été décerné au jeune Aigerim Altynbeck. Outre le prix, qui s'élève dans le cadre du concours Ghiaurov à un total de dix mille euros, les chanteurs ont également l'opportunité de chanter sur de grandes scènes et de faire leurs débuts dans des rôles ou à l'opéra.

La Sinfonietta op. 52 est une petite symphonie pour orchestre à cordes composée en 1934. Elle est créée le 19 novembre 1934 par l'Orchestre féminin de Paris dirigé par Jane Evrard.

Appartenant à l'ultime époque créatrice d'Albert Roussel, la Sinfonietta est contemporaine de la 4^e Symphonie du compositeur. Écrite durant l'été 1934 à Varengeville, lors d'une période de convalescence (Roussel se remet d'une pneumonie compliquée de jaunisse), la partition est achevée le 6 août 1934.
La création est un succès, au point que l’œuvre est intégralement bissée.

La quatrième symphonie en ut mineur D. 417, baptisée « tragique » par l'auteur même, est composée en 1816.

Elle a été écrite un an après sa 3^e Symphonie dans le courant du mois d'avril 1816. Selon la note de Schubert à la fin de la partition, la symphonie a été terminée le 27 avril 1816.
Au moment de sa composition, Schubert avait 19 ans, travaillait comme « Schulgehülfe » à l'école de son père à Vienne et postulait mais sans succès malgré l'appui de son ancien professeur Antonio Salieri, à un poste d'enseignant de musique à Ljubljana. À la même époque il avait reçu sa première commission pour la commande de la Cantate Prométhée  aujourd'hui perdue, écrite pour la fête du professeur de science politique Heinrich Joseph Watteroth, cantate qui avait reçu un bon accueil.

En écrivant pour la première fois une symphonie dans une tonalité mineure, Schubert satisfaisait une aspiration profonde. Son appellation, donnée par le musicien lui-même, est en rapport avec l'atmosphère de l'œuvre (la première symphonie écrite en mineur, et la seule, mise à part son inachevée), qui contraste avec les trois précédentes.

La première eut lieu à Leipzig le 19 novembre 1849, soit précisément 21 ans après la mort du musicien, sous la direction de August Ferdinand Riccius, dans le cadre d'un concert organisé par la société de musique Euterpe.

Le 2 décembre 1860 a eu lieu dans la Redoutensaal à Vienne un concert dirigé par Johann von Herbeck, qui comprenait les deux premiers mouvements de la Symphonie nº 4, le troisième mouvement de la Symphonie nº 6 et le finale de la Symphonie nº 3.

La symphonie a été publiée en 1884 dans le cadre de l'édition complète de toutes les symphonies de Schubert par l'éditeur Breitkopf & Härtel et sous la direction de Johannes Brahms. Brahms estimait que les symphonies dites de jeunesse de Schubert n'avaient aucune grande valeur artistique et était d'avis, « qu'elles ne devaient pas être publiées, mais seulement conservées avec piété et peut-être rendues accessibles grâce à des copies ».

Antonín Dvořák a été en son temps l'un des rares admirateurs des premières symphonies de Schubert, dans lesquelles il reconnaissait la personnalité de Schubert -en dépit de l'influence de Haydn et de Mozart- dans le « caractère des mélodies », dans la « progression harmonique » et dans les « nombreux détails exquis de l'orchestration ».

Composée de 94 feuillets grand-format, la partition est maintenant en possession de la Société Philharmonique de Vienne.

 

Dardanus est une tragédie lyrique de Jean-Philippe Rameau créée à l'Académie royale de musique, théâtre du Palais-Royal à Paris le 19 novembre 1739. Sur un livret de Charles-Antoine Leclerc de La Bruère d'après les Métamorphoses d'Ovide, l'œuvre comporte un prologue et cinq actes.

Dardanus est la dernière tragédie lyrique (conservée) de Rameau comportant un prologue, selon la tradition de Lully. Il s'agit du troisième ouvrage du genre de la tragédie lyrique sur les six que compose Jean-Philippe Rameau.

L'ouvrage est créé le 19 novembre 1739 à l'Académie royale de musique¹. Il reçoit un accueil mitigé à sa création, en partie dû à la préférence du public pour la manière lullyste. Par ailleurs, dans la volonté des auteurs de restituer le mieux possible tous les éléments indispensables de la tragédie lyrique, l'ouvrage se perd dans ceux-ci, et en devient l'objet des critiques.

Comme souvent avec Rameau, il existe une deuxième version créée le 21 avril 1744, dont l'action est très profondément modifiée (les trois derniers actes furent entièrement remaniés), ainsi qu'une réécriture de la musique. Ces deux ouvrages de nature différentes se font désormais compétition sur scène, attirant chacun la préférence selon le goût des musiciens le jouant.

En 1784, Antonio Sacchini réutilisait le livret, remanié par Nicolas-François Guillard, pour composer son propre Dardanus.

L'œuvre a été reprise quatre fois au XXe siècle : en 1907 à Dijon, en 1979 à l'Opéra de Paris, en 1983 à Clermont-Ferrand² et enfin en 1998, en version de concert, occasion d'un enregistrement de Marc Minkowski. Dardanus a été jouée en octobre-novembre 2009 à Lille, Caen, et Dijon sous la direction musicale d'Emmanuelle Haïm, dans une mise en scène de Claude Buchvald.

Dardanus est un opéra en forme de tragédie lyrique en français en un prologue et cinq actes¹.
Si le livret a souvent été critiqué pour sa niaiserie, Rameau a rarement été aussi inspiré que dans cette œuvre qui abonde en pages inoubliables. Le public ne fut guère enthousiasmé par l'opéra, et Jean-Baptiste Rousseau traitait la musique de « baroque », terme jugé insultant alors. Néanmoins, Dardanus est l'ouvrage lyrique le plus abouti du compositeur, favorisant les accents dramatiques et offrant une maîtrise variée de l'harmonie, ainsi que des musiques de ballets à la puissance chorégraphique très recherchée.

Mikhaïl Ippolitov-Ivanov (né le 19 novembre 1859 à Gatchina, Russie-décédé le 28 janvier 1935 à Moscou,U.R.S.S.) est un compositeur russe d'œuvres orchestrales et d'opéras, dont les plus populaires sont influencés par la musique folklorique caucasienne et géorgienne.

Ippolitov-Ivanov a étudié avec Nikolay Rimsky-Korsakov au Conservatoire de Saint-Pétersbourg et, en 1882, il est devenu chef de l'orchestre symphonique et directeur de l'école de musique de Tiflis (aujourd'hui Tbilissi), en Géorgie. Il enseigne au conservatoire de Moscou de 1893 à 1906, en est le directeur de 1906 à 1922 et dirige l'opéra Mamontova de 1899 à 1906. En 1924-25, il réorganise le Conservatoire d'État de Géorgie, anciennement l'École de Tbilissi. Après 1925, il est chef d'orchestre au théâtre Bolchoï.

Les onze années qu'Ippolitov-Ivanov a passées dans le Caucase lui ont permis de s'intéresser toute sa vie à la musique folklorique géorgienne, qui a inspiré plusieurs de ses compositions orchestrales : la suite Caucasian Sketches (1895), Armenian Rhapsody (1909) et un poème symphonique inspiré d'un poème de Mikhaïl Lermontov, Mtsyri (1922 ; « Le novice »). À l'exception de Caucasian Sketches, ces œuvres ont été rarement jouées après le milieu du XXe siècle ; de même, les sept opéras d'Ippolitov-Ivanov ne sont pas restés au répertoire.

L'ensemble Pérgamo, dirigé par le violoncelliste baroque Guillermo Turina et la claveciniste et organiste Eva del Campo, dans un projet commun avec la jeune soprano Belén Vaquero, et le trio Helix ont été les deux ensembles lauréats des Circuitos FestClásica 2025, décernés par l'Asociación Española de Festivales de Música Clásica [FestClásica]. Ces prix encouragent la présence de musiciens et de musique espagnole dans les 47 festivals membres de l'association, répartis dans 16 communautés autonomes. Une plateforme unique pour stimuler de nouvelles propositions qui permettront aux deux lauréats de faire la tournée de plusieurs festivals de l'association en 2025, en plus de recevoir une récompense financière.

 

 

L'Orpheus Swiss Chamber Music Competition a fêté son 50e anniversaire le week-end dernier. A cette occasion, les gagnants du concours de cette année ont été désignés. Il s'agit du Dora Piano Trio, du Saxophon & Percussion Duo de la Musikhochschule Luzern et du Momo String Quartett.

Outre des prix en espèces de 5.000 et 2.500 francs suisses, les ensembles ont remporté des représentations au Swiss Chamber Music Festival Adelboden, au Festival Musikdorf Ernen, au Piano Trio Fest Bern et aux Zunftkonzerten Zürich. Ils ont également la possibilité de passer une commande de composition à un jeune compositeur. Les œuvres commandées doivent ensuite être créées à l'automne prochain lors du Swiss Chamber Music Festival.

Au total, 16 ensembles ont participé au concours cette année. Un jury de six personnes, présidé par le clarinettiste Reto Bieri, a décidé de l'attribution des prix.

L'Orpheus Swiss Chamber Music Competition est organisé depuis 1974. Elle a pour but de soutenir les jeunes musiciens au début de leur carrière. D'abord limité aux musiciens individuels, il récompense désormais des ensembles de musique de chambre exceptionnels.

 

 

Afin de clôturer sa 38^e édition en beauté, L’Automne musical de Spa invite le Ricercar consort, composé de Maria Keohane, Josef Žák, Giovanna Pessi, Xavier Diaz Latorre, Benoît Vanden Bemden et Philippe Pierlot, dans un programme original et inédit. En effet, le samedi 23 novembre à 20h au Centre culturel de Spa, les festivaliers pourront apprécier le célèbre ensemble dirigé par le violiste Philippe Pierlot. Ces excellents musiciens dévoileront l’âme celte de Beethoven au travers d’arrangements de chansons folkloriques irlandaises et écossaises réalisées par le compositeur allemand. En effet, Beethoven a composé au total cent soixante-dix-neuf arrangements de chansons populaires, soit un nombre de pièces beaucoup important que dans n’importe quel autre genre musical. Presque tous ces arrangements furent réalisés à la demande de George Thomson, un éditeur de musique écossais qui souhaitait rassembler les plus belles chansons populaires écossaises, irlandaises, galloises et, plus tard, continentales, harmonisées par les meilleurs compositeurs européens de son temps. Après avoir commandé des arrangements à Haydn et à d’autres musiciens, il s’est adressé à Beethoven, qui a accepté d’autant plus volontiers qu’il trouvait fascinant d’imaginer des accompagnements pour ces mélodies traditionnelles parfois étranges.
Thomson lui communiquait rarement les paroles des chansons, préférant leur adapter des poèmes écrits par de grands écrivains après avoir reçu les arrangements de Beethoven -lequel acceptait cette manière de procéder. Thomson lui avait demandé de composer des accompagnements pour piano avec l’ajout facultatif d’un violon et d’un violoncelle. Ces accompagnements ont été transcrits avec une grande inventivité par Philippe Pierlot pour des instruments variés plus proches des traditions folkloriques.Un répertoire captivant où le goût du génie de Beethoven se marie, avec virtuosité et élégance, aux mélodies traditionnelles d’outre-Manche.

Infos et réservations : www.automnemusical.com - 0478 25 60 29

Le 23 novembre, Maria João Pires fera ses débuts tant attendus au DSO aux côtés de Kent Nagano. Ce n'est qu'en septembre que la « grande dame » du piano a reçu le Praemium Imperiale, le prix artistique le plus important au monde. Pires, dont les interprétations aussi virtuoses que gracieuses de la musique de Mozart sont légendaires, fait ses débuts avec un coup de génie de sa plume. Le concerto de Jenamy KV 271 n'a pas seulement marqué un tournant pour son créateur (il s'agit du dernier concerto pour piano de sa période salzbourgeoise), mais aussi une nouvelle qualité artistique dans son œuvre et dans le genre en général.