Déserts est une œuvre de musique mixte pour orchestre et bandes magnétiques composée en 1954. Elle dure environ vingt-cinq minutes.

Depuis ses débuts de compositeur (vers 1915), Edgar Varèse était certain que l'électronique et les machines accompagneraient l'homme à la recherche d'un nouveau langage musical. Pensée visionnaire car il fallut attendre la fin des années 1940 et l'invention de la musique concrète (grâce notamment aux efforts de Pierre Schaeffer en France) d'une part, et celle de la musique électronique (Karlheinz Stockhausen en Allemagne en est l'un des plus éminents créateurs) d'autre part, pour que naisse une musique ne venant pas d'un instrument ou d'une voix mais d'une autre provenance. La musique concrète consiste en des sons et bruits enregistrés qui sont ensuite compilés, mélangés, mixés et réarrangés tout d'abord sur disque souple puis sur la bande magnétique à partir de 1951. La Symphonie pour un homme seul (1950) de Pierre Schaeffer et Pierre Henry en est un bon exemple. La musique électronique emploie, elle, des sons « artificiels », qui n'existent pas dans la nature, grâce, à l'époque, au générateur de fréquence et au modulateur en anneaux (aujourd'hui remplacés avantageusement par l'ordinateur). Glissandi (1957) de György Ligeti en donne une idée.

Presque immédiatement après leur naissance, ces musiques fusionnèrent pour former la musique acousmatique (depuis le début des années 1970, on préfère ce terme à celui d'électroacoustique) qui, tout en assumant l'absence d'instrumentistes sur scène, offrait un espace sonore et musical élargi. Il s'agissait alors de convaincre le public de se déplacer, puisque l'enregistrement de l'œuvre fixée sur un support audio suffisait seul à la faire entendre sur des haut-parleurs. C'est alors que, dans les années 1950, naquirent divers dispositifs de spatialisation plus ou moins complexes et que, dans le même temps, des œuvres de musique « mixte » virent le jour, mêlant parties instrumentales jouées en direct et partie électroacoustique fixée sur support.

Varèse, dont les idées et les œuvres instrumentales étaient celles d'un véritable précurseur, avait pressenti cela trente ans auparavant. On a pu dire que, si l'électronique avait existé en 1916, il aurait été le seul musicien capable de s'en servir. Pourtant, il n'aborda le travail en studio qu'à deux reprises, en 1954 pour Déserts et en 1958 pour Poème électronique.

Déserts est l'une des toutes premières œuvres du genre mixte. Varèse acheva de composer la partition en 1954, pour 14 instruments à vent, 5 percussions, 1 piano et un dispositif électro-acoustique. Pour Déserts, le compositeur, qui avait toujours témoigné un grand intérêt pour les mathématiques, organise des interpolations de son organisé, qui interviennent à trois reprises et alternent avec les instruments traditionnels. Ceux-ci jouent une musique vive, dure, parfois brutale, furieuse et mystérieuse, tout à fait dans l'esprit de Varèse.

Les bruits primitifs des interpolations avaient déjà été enregistrés à Philadelphie, essentiellement des bruits urbains ou d'usines. Varèse dut cependant demander de l'aide à un pionnier de la musique concrète, Pierre Henry, pour « mélanger » les bruits des bandes. On peut ajouter que les interpolations de la création furent révisées et améliorées par la suite par le compositeur.

Comme toujours chez Varèse, la composition musicale précède le titre. Il aurait choisi le nom sibyllin de Déserts car c'est un « mot magique qui suggère des correspondances à l'infini ». Le projet du compositeur, en revanche, précédait de plusieurs années l'achèvement de la partition. Henry Miller avait relevé, dès 1945, une phrase que lui confiait le compositeur : « Je voudrais faire quelque chose qui donne l'impression du désert de Gobi » alors qu'il travaillait sur un projet (resté inachevé) : Espace.

La création eut lieu au Théâtre des Champs-Élysées le 2 décembre 1954 avec Pierre Henry à la console de projection du son et l'Orchestre National de France dirigé par Hermann Scherchen. Scherchen, prudent, et sachant bien que l'œuvre était risquée à jouer devant un public qui ne goûtait que très peu à la musique contemporaine, avait décidé de l'encadrer par deux œuvres classiques: la Grande Ouverture en si bémol majeur (apocryphe) de Mozart et la Symphonie Pathétique de Tchaikovski. Scherchen pensait ainsi atténuer la possible réaction du public devant une œuvre si révolutionnaire. Il se disputa d'ailleurs avec Varèse sur ce sujet qui aurait préféré qu'Anton Webern fût à l'honneur et non Mozart (qu'il n'aimait pas) et Tchaïkovski (qu'il haïssait).

Il eût été suicidaire d'exécuter une telle œuvre d'un compositeur largement inconnu en France (Varèse, bien que français, avait longtemps vécu aux États-Unis) sans la présenter au préalable pour qu'elle soit mieux comprise. Une partie du public pensait d'ailleurs avoir affaire à un compositeur italien du XVIIIe siècle. Ce fut Pierre Boulez, alors âgé de 29 ans, qui se chargea de rédiger une telle introduction, approuvée par le compositeur.

Le soir du 2 décembre, devant quinze cents personnes, dont quelques personnalités comme André Malraux, Scherchen salue le public, et plusieurs centaines de milliers d'auditeurs français (le concert était radiodiffusé en direct) écoutent le public applaudir l'Ouverture de Mozart. Boulez dit ses déclarations puis vient la création de Déserts -et l'un des scandales les plus impressionnants de toute l'histoire de la musique.

Dès les premières notes, le public est déconcerté. Quelques auditeurs sifflent bientôt et déjà les huées pointent de toutes parts, mais lorsque arrive la première interpolation de « son organisé », la salle se déchaîne. Pierre Henry, aux potentiomètres, a beau augmenter le volume au maximum, le vacarme du public redouble : il rugit, hurle, pousse des cris d'animaux, demande le renvoi de Scherchen et surtout d'Henry, éreinte le compositeur et c'est à peine si l'on entend le moindre son (orchestral ou enregistré). Des protestations et des applaudissements répondent aux injures, par vagues, et une bagarre générale éclate. Le chef, imperturbablement, dirige l'œuvre jusqu'au bout. La musique s'effondre, malgré ses efforts, sous les cris de protestation d'un public survolté et sous les railleries des plus virulents d'entre eux.

Un tel scandale n'avait plus été vu depuis la mémorable création du Sacre du Printemps de Stravinsky le 29 mai 1913, qui avait été donné dans cette même salle du Théâtre des Champs-Élysées. À la fin de la pièce, sous les quolibets et injures, on demande le renvoi de Henry et de Scherchen, mais celui-ci sauve la mise en enchaînant avec la Pathétique tandis que Varèse, furieux « comme un taureau de Camargue, respirant l'air de la nuit », quitte la salle en compagnie de sa future biographe, Odile Vivier, et rejoint Iannis Xenakis qui ne les avait pas accompagnés pour pouvoir enregistrer le concert en direct.

Le lendemain, Varèse est massacré par la presse. Quant à Hermann Scherchen, il lui fut désormais interdit de diriger quoi que ce soit à Paris.

La réponse de Varèse ne se fait pas attendre. Interviewé à la radio par Georges Charbonnier, il déclare comprendre qu'on puisse ne pas aimer sa musique, mais qu'il aurait fallu pouvoir l'écouter avant de la critiquer si violemment : « Pour la vomir, qu'ils l'aient avalée d'abord ! ». Il dira aussi, en réponse aux critiques et de manière plus générale : « On peut dire que, jusqu'à nos jours, la France a eu de grands musiciens. Mais elle n'a jamais eu de public musical. »

Immédiatement après la création parisienne, Déserts était créé à Stockholm sous la direction de Bruno Maderna, en présence du compositeur, et obtenait un grand succès auprès du public, avant d'entamer une tournée de concerts aux États-Unis. Varèse pouvait affirmer avec raison : « Aux États-Unis, comme en France, comme partout, il y a des gens qui l'aiment et il y en a qui ne l'aiment pas. Mais tout l'élément jeune l'aime… »

La Turangalîla-Symphonie est une œuvre pour orchestre et deux instruments solistes, composée par Olivier Messiaen entre 1946 et 1948, commandée en 1945 par Serge Koussevitzky.

La création mondiale a eu lieu le 2 décembre 1949, par l'Orchestre Symphonique de Boston, sous la direction de Leonard Bernstein, avec Yvonne Loriod au piano solo et Ginette Martenot aux ondes Martenot.
La création française a eu lieu à Aix-en-Provence sous la conduite de Roger Désormière, dirigeant l'Orchestre National de France, le 25 juillet 1950.

 

Trois petites pièces pour violoncelle et piano opus 11 est un ensemble de trois miniatures. Composées en 1914, elles sont créées le 2 décembre 1924 par le violoncelliste Maurits Frank et le pianiste Eduard Zuckmayer.

D'un langage si hermétique que Pierre Boulez les compara au Haïkaï japonais, le compositeur était réticent à leur exécution en public : « ... elles ne pourraient être qu'incomprises, il est très difficile pour les exécutants comme pour les auditeurs de faire quelque chose de ces pièces ».

Ein Feldlager in Schlesien (Le Camp de Silésie) est le douzième opéra de Giacomo Meyerbeer, et le seul qu’il ait composé pour le Théâtre royal de Berlin.
Le livret est attribué à Ludwig Rellstab, même s’il s’est contenté de traduire un texte d’Eugène Scribe.

La création eut lieu au Théâtre royal de Berlin le 7 décembre 1844, à l’occasion de l’inauguration de la nouvelle salle de l’opéra de Berlin, la précédente ayant été détruite par un incendie. Compte tenu de ces circonstances, l'ouvrage ne sera jamais représenté ailleurs qu'à Berlin; il sera néanmoins adapté pour la scène viennoise en 1847 sous le titre de Vielka et une partie de la musique sera réutilisée dans l’opéra-comique L’Étoile du Nord qui sera créé en 1854 à Paris.

L’opéra raconte comment le Roi Frédéric le Grand a pu échapper à ses ennemis au cours de la première guerre de Silésie en 1741, grâce au courage et au dévouement de Saldorf, un capitaine de l’armée prussienne à la retraite, de sa nièce Thérèse, de son fils adoptif Conrad et d’une jeune bohémienne prénommée Vielka. Cette dernière a des dons de voyance et prédit, à la fin de l’œuvre, un destin glorieux au Roi Frédéric et à ses successeurs.

Fils d'un violoniste italien vivant en Angleterre et d'une Française, il est né le 2 décembre 1889 à Londres. Il a reçu une formation de violoncelliste à la Royal Academy of Music et a ensuite été membre du Queen's Hall Orchestra.
Avec la création de son propre ensemble de musique de chambre, il a de plus en plus travaillé comme chef d'orchestre à partir de 1925.
En 1927, Barbirolli remplaça Sir Thomas Beecham, malade, au Queen's Hall, ce qui lui valut une longue collaboration avec la maison de disques EMI. De 1937 à 1943, il succéda à Arturo Toscanini à l'Orchestre Philharmonique de New York, mais refusa la citoyenneté américaine qui aurait été une condition à la prolongation de son contrat. Au lieu de cela, il prit en charge le traditionnel Hallé Ochestra de Manchester, dont il assura la direction jusqu'en 1968. De 1961 à sa mort, il fut en outre le chef invité permanent de l'Orchestre philharmonique de Berlin.
Barbirolli disposait d'un répertoire exceptionnellement vaste et il a collaboré avec tous les chanteurs et instrumentistes célèbres des décennies 1930 à 1970. Ses interprétations des œuvres de Purcell, Vaughan Williams, Elgar, Brahms, Tchaïkovski, Sibelius, Debusy, Berlioz, Rimsky-Korsakov sont également disponibles sur disque.
Les œuvres de Gustav Mahler y occupent toutefois une place singulièrement réduite.  Ce n'est que le 19 février 1954, après près de 50 heures de répétitions, un exploit aujourd'hui impensable, qu'il présente avec son Orchestre Hallé le premier concert de Mahler.

Johann Friedrich Agricola (né le 4 janvier 1720 à Dobitschen (Duché de Saxe-Gotha-Altenbourg) et mort le 2 décembre 1774 à Berlin) est un compositeur, chanteur, organiste et pédagogue allemand, membre de l'École de Berlin.

Il a également écrit sur la musique, parfois sous le pseudonyme de Flavio Anicio Olibrio.

Agricola fait son droit à Leipzig et étudie parallèlement la musique auprès de Johann Sebastian Bach. En 1741, il part à Berlin ou il suit l'enseignement de Johann Joachim Quantz en composition.

Il est rapidement reconnu comme étant un des organistes les plus talentueux de son temps. Le succès de son opéra comique Il filosofo convinto in amore joué à Potsdam en 1750 le fait rentrer dans la suite de Frédéric le Grand comme compositeur de Cour. En 1759 à la mort de Carl Heinrich Graun, il prend la direction de l'orchestre royal. Il épouse la chanteuse Benedetta Emilia Agricola, mariage qu'aurait désapprouvé le roi. Agricola meurt à 54 ans.

Agricola a composé plusieurs opéras dits « italiens », ainsi que des lieder, des préludes chorals, de la musique pour clavier, des pièces de musique sacrée, principalement des oratorios et des cantates. Il est surtout connu pour ses écrits théorique et critique sur la musique. En 1754, il coécrit un obituaire pour Johann Sebastian Bach avec Carl Philipp Emanuel Bach. Son ouvrage publié en 1757, Anleitung zur Singekunst (« Introduction à l'art du chant »), est une traduction de l'ouvrage de Pier Francesco Tosi Opinioni de' cantori antichi e moderni augmenté de ses propres commentaires.

La projection du film documentaire de Manuela Pellarin précédera la représentation de « Fragmente-Stille, an Diotima ».

Luigi Nono est né en 1924 et nous a quittés en 1990, à seulement soixante-quatre ans. Pour conclure l'année du centenaire, l'Accademia Nazionale di Santa Cecilia lui consacrera ce 1er décembre, avec deux rendez-vous dans la Sala Petrassi du Parco della Musica « Ennio Morricone ».

À 17h30, le film « Luigi Nono. Infiniti possibili » de Manuela Pellarin, qui utilise le riche répertoire d'images photographiques, de vidéos et d'enregistrements audio conservés dans les archives de Luigi Nono et généreusement mis à disposition par Nuria Schönberg, l'épouse de Nono. Ce film documentaire explore la personnalité du musicien vénitien dans ses différentes facettes humaines, politiques et sociales, indissociables de sa production musicale. Des entretiens avec des amis sodaux et des souvenirs de sa femme et de ses filles permettent d'approfondir de nombreux aspects de la personnalité du compositeur afin de restituer la figure de Nono dans le contexte de son époque, dans le but également de rapprocher le compositeur des nouvelles générations, en suscitant l'intérêt de ceux qui, pour des raisons d'âge, n'ont pas vécu les années de la néo-avant-garde et de la « nouvelle musique ».

À 19 heures, après la projection, le Quartetto Prometeo interprétera « Fragmente-Stille, an Diotima », composé par Nono en 1980.

 

Le Konzerthaus de Berlin a annulé son festival Projections en février en raison de coupes budgétaires s'élevant à 1,8 million d'euros.

Le Konzerthaus a déclaré : « Cette annulation montre clairement les effets considérables des réductions actuelles. Elle représente une grande perte pour le Konzerthaus et son public, ainsi que pour de nombreux artistes indépendants avec lesquels la maison souhaitait travailler dans le cadre du festival - un modèle que le Konzerthaus a démontré avec le festival Aus den Fugen au cours des dernières semaines. Le fragile écosystème culturel de Berlin est massivement menacé par ces coupes ».

 

Nous avons appris le décès, à l'âge de 90 ans, de l'éminent compositeur Siegfried Thiele, un homme qui a mené une carrière fructueuse tant sous le communisme que sous le capitalisme.

Né à Chemnitz, il a d'abord combiné la composition pour la Communauté chrétienne avec l'enseignement à la Felix Mendelssohn Hochschule, fondant également l'orchestre des jeunes de la ville.

Lorsque Kurt Masur persuade les autorités de reconstruire la salle de concert Gewandhaus, Thiele est choisi pour composer l'œuvre inaugurale -Songs to the Sun pour alto et ténor solo, orgue, chœur et orchestre.

Juste après la réunification allemande, Thiele a été élu recteur de l'Université de musique et de théâtre de Leipzig, poste qu'il a occupé jusqu'en 2004.