Egon Kornauth, né le 14 mai 1891 à Olmütz et mort le 28 octobre 1959 à Vienne, est un chef d'orchestre et compositeur autrichien.

Egon Kornauth fait ses études à Vienne, avec Robert Fuchs, Franz Schreker et Franz Schmidt¹. Il remporte le Prix d'État autrichien pour sa Sonate pour alto et piano en 1912. Il étudie la musicologie avec Guido Adler à l'Université de Vienne et obtient son doctorat en 1915. En 1916, il est engagé pour fonder un orchestre à Medan et il maintient cet orchestre pendant deux saisons¹.
Il part ensuite en tournée entre 1928 et 1929 avec le Trio de Vienne qu'il a fondé. Il reçoit le Prix musical de la Ville de Vienne en 1930.
Il enseigne la théorie à la Hochschule für Musik de Vienne à partir de 1940 et est nommé professeur au Mozarteum de Salzbourg en 1945.

Sa musique est marquée par une grande compétence contrapuntique, quant à ses pièces instrumentales et ses lieder, ils sont écrit dans une veine romantique.

Miloje Milojević, né le 27 octobre 1884 à Belgrade et mort le 16 juin 1946 à Belgrade, était un compositeur, musicologue, critique de musique, folkloriste, pédagogue et défenseur de la musique serbe.

Le père de Miloje Milojević, Dimitrije, un marchand de vêtements, est né dans le village de Dedina, près de la ville de Kruševac. Son nom de famille était en fait Đorđević, mais selon la coutume de l'époque, il adopta un nom de famille basé sur le prénom de son père. Dimitrije Milojević était plutôt doué sur le plan musical, il était autodidacte en jouant de la flûte. Angelina, la mère de Miloje Milojević, est née à Belgrade, dans la famille du greffier Matić. Elle était aussi douée sur le plan musical et prenait des leçons de piano privées. Miloje Milojević avait une soeur Vladislava et ses frères Vojislav, Vladislav, Branko, Milorad et Borivoje, biologiste de renom.

Miloje Milojević a commencé à apprendre le violon à l'âge de cinq ans, avec Karlo Mertl, membre de l'orchestre du Théâtre national de Belgrade. Son premier professeur de piano était sa mère, Angelina. La mort soudaine de son père a bouleversé la vie de famille. La situation financière changeante a fait que sa mère, maintenant veuve, déménage à Novi Sad où la vie était plus abordable. La famille Milojević a vécu à Novi Sad pendant six ans. Miloje a commencé sa scolarité à Novi Sad lors de sa première année au lycée orthodoxe serbe (diplômé en 1904). Cette école était bien connue pour ses activités musicales (Svetosavke besede). Miloje Milojević a reçu les encouragements du compositeur Isidor Bajić pendant ses études de musique (1878-1915), son professeur de musique à l'école secondaire.

Milojević a étudié à la Faculté de philosophie de l'Université de Belgrade pendant trois semestres (de l'automne 1904 au printemps 1906) : allemand (Miloš Trivunac), littérature comparée (Bogdan Popović), langue et littérature serbes (Aleksandar Belić;  Pavle Popović et Jovan Skerlić) et philosophie (Branislav Petronijević). Parallèlement, il a fréquenté l'école de musique serbe (jusqu'en 1907 et ultérieurement), où il a étudié la théorie de la musique et la composition avec Stevan St. Mokranjac et le piano avec Cvetko Manojlović.

Pendant les cinq semestres suivants (été 1907–08 et été 1909–10), Milojević poursuivit ses études au Département de philosophie de l'Université de Munich, où il étudia la musicologie (avec Adolf Sandberger et Theodor Kroyer), ainsi que les disciplines de la littérature et de la philosophie. Parallèlement, Milojević fréquenta l'Académie de musique de Munich où il étudia la composition (avec Friedrich Klose), le piano (Richard Meier-Gschray) et la direction d'orchestre avec lecture de partitions (Felix Mottl). Il est diplômé de l'Académie de musique de Munich en juin 1910.

Entre le 1er septembre 1910 et le 1er mars 1911, Milojević remplit son devoir militaire pour le Royaume de Serbie, au sein de l'escadron d'étudiants. Pendant son service militaire, il a été nommé professeur de musique au quatrième gymnasium de Belgrade et a également commencé à enseigner à l'école de musique serbe. En 1912, il fonda la Société de la chambre des professeurs de l'école de musique serbe. Cet événement a initié le développement de la musique de chambre à Belgrade de manière plus régulière.

À l'automne 1912, au début de la première guerre dans les Balkans, Milojević est engagé comme sergent pour l'escadron de cavalerie de la division Dunav. Après le déclenchement de la Première Guerre mondiale, il est nommé au quartier général du commandement Suprême (jusqu'en 1917). Il a traversé l'Albanie avec l'armée serbe (la retraite de l'armée serbe à travers l'Albanie). En 1917, Milojević était au service du ministère de l'Education du Royaume de Serbie. Il fut ensuite envoyé à Paris au sein du Comité des affaires culturelles. Il est resté en France de 1917 au milieu de 1919. Pendant toute la guerre, il est resté impliqué dans la composition. il a également joué en tant que pianiste lors de concerts de musique serbe à Nice, à Monte-Carlo, à Lyon et à Paris et a donné une conférence publique sur la musique serbe moderne à Paris.

En 1919, Milojević rentre à Belgrade et entreprend une carrière musicale riche et extraordinaire en tant que compositeur, musicologue, critique musical, folkloriste, pédagogue musical, chef d'orchestre et organisateur d'événements musicaux. Au début, il est retourné à ses postes d’enseignant au gymnasium et à l’école de musique.

Parallèlement, de 1920 au début de 1922, il occupa également le poste de chef d'orchestre de la Société de chant académique «Obilić». À l'automne 1922, il fut nommé professeur assistant d'histoire de la musique à la faculté de philosophie de l'Université de Belgrade. Peu de temps après, il termine ses études de musicologie et obtient son doctorat à l'Université Charles de Prague.(1925). À son retour à Belgrade, il est professeur et professeur agrégé d'histoire de la musique jusqu'en 1939.
Parallèlement, jusqu'en 1946, il enseigne également à l'école de musique de Belgrade, qui était auparavant l'école de musique serbe (directeur de 1943 à 46). En 1939, il devint professeur de composition et de théorie à l'Académie de musique de Belgrade.
Pendant la Seconde Guerre mondiale, Milojević fut arrêté (1941) par les autorités fascistes. Au cours du lourd bombardement «allié» de Belgrade par les forces américaines le jour de Pâques en 1944, son domicile situé au 16 rue Nemanjina à Belgrade fut démoli, et il fut blessé. À partir de février 1946, son état de santé se détériorant, il ne put plus continuer à enseigner à l'Académie de musique. Après la libération, il fut affecté à la Stana Đurić-Klajn (aujourd'hui Institut de musicologie de l'Académie serbe des sciences et des arts, SASA). Milojevic est décédé le 16 juin 1946 à Belgrade.

Milojević était marié (à partir de 1907) à la chanteuse et pédagogue musicale Ivanka Milutinović (1881-1975). Ils eurent une fille, Gordana (1911-2003), pianiste et pédagogue musicale. Son neveu Đorđe (1921-1986), fils de Borivoje, était un violoncelliste et un compositeur. Le petit-fils de Miloje Milojević est compositeur et membre de l'Académie serbe des sciences et des arts, Vlastimir Trajković (1947), professeur de composition et d'orchestration à la Faculté de musique de l'Université des arts de Belgrade.

 

Avec Petar Konjović et Stevan Hristić, Miloje Milojević a représenté une génération de compositeurs qui ont introduit des styles modernes et un niveau technique élevé de composition dans la musique serbe. Au début de son développement créatif, Milojevic est parti de l'école nationale des romantiques serbes (Stevan Mokranjac et Josif Marinković). Au cours de ses études à Munich, il découvre le nouveau romantisme allemand et s’intéresse de près à la musique de Richard Strauss.
Son séjour en France a eu des conséquences encore plus fortes. L'influence de l'impressionnisme français futdécisif dans le développement stylistique de Milojević. Pendant son séjour à Prague, il a noué des contacts avec des compositeurs tchèques d’avant-garde. Dans certaines œuvres, Milojević s'est tourné vers l'expressionnisme. Tout au long de sa vie, il conserva cependant ses affinités avec le style national, avec le folklore comme fondement de la musique d'art. Ainsi, la dernière étape de son travail de création se caractérise par l’utilisation de mélodies folkloriques parmi le mélange stylistique d’éléments néo-romantiques et impressionnistes.

Miloje Milojević est principalement un parolier et un maître des petites formes. Deux pièces principales de son travail appartiennent au Lied et au piano, mais il a également contribué de manière significative aux genres choraux et de chambre.

Dans son Lied, Milojević a utilisé de la poésie serbe, croate, française, allemande et japonaise. Son interprétation des paroles a été réalisée par des mélodies souples et une riche palette harmonique de la partie piano. Parmi ses pièces pour voix et piano, il est important de noter les suivantes:

Avant la Magnificence de la Nature (Pred veličanstvom prirode), une collection de dix chansons a été conçue entre 1908 et 1920. Ce cycle de chansons regroupe tous les éléments représentatifs de Milojević en tant que compositeur de ce genre (Lied romantique serbe, influences de R. Strauss et impressionnisme). Parmi les Lieder les plus réussis de ce cycle, citons l’élégance de l’automne (Jesenja elegija), la chanson de l’aigle (Pesma orla), le Japon, la nymphe et les cloches (Zvona).
Dans la quinzaine de lieder composés en France en 1917 après que les paroles de poètes français eurent été influencées par l’impressionnisme, le plus connu d'entre eux étant Berceuse triste (Tužna uspavanka). De sa période plus tardive, importantes sont les Trois chansons pour voix haute (Tri pesme za visoki glas), le plus remarquable "Un jour très chaud" (Vrlo Topli dan) de 1924, composé sur des paroles allemandes et Haikai (Hai -kai), d'après la poésie du poète japonais Matsuo Bashō, de 1942. Ces œuvres combinent des éléments impressionnistes et expressionnistes.

Une fête dans le champ (Gozba na livadi), une "symphonie lyrique pour voix et orchestre" (1939) représente le premier exemple de Lied symphonique dans la musique serbe.

Milojević a également écrit de la musique chorale. Ses activités dans ce genre englobent une musique simple et sans prétention, destinée à des chorales d'enfants et de jeunes à des œuvres complexes. Les plus significatifs sont les suivants: Combien vert est le champ (Dugo se polje zeleni) (1909), une miniature pour chœur mixte, d'après les paroles de Vojislav Ilić ; la ballade dramatique Presentiment (Slutnja) (1912), marquée par le chromatisme et la polyphonie néo-romantiques, et considérée parmi les chefs-d'œuvre de la littérature chorale serbe; et cycle La fête des illusions (Pir iluzija) (1924), d'après la poésie de Miroslav Krleža (Décorations du soir (Večernje dekoracije), Triptyque (Triptih) et Sombre après-midi (Crno sumorno popodne), travail d'expression moderne et d'une grande technicité en matière de texture chorale. La composition chorale la plus populaire de Milojević, La mouche et un moustique (Muha i komarac) (1930), est une pièce humoristique scherzando écrite sur du texte folklorique et utilisant un son peintural. Ce travail efficace est souvent comparé à Chèvre (Kozar) de S. Mokranjac. Milojević a également écrit de la musique sacrée (deux liturgies, trois opelos (Requiem orthodoxe), une pièce particulièrement réussie étant Un court opelo en si bémol mineur (Kratko Opelo u b-mollu ), pour choeur d'hommes (1920).

Miloje Milojević est l'un des plus importants compositeurs serbes de musique pour piano. Par leurs hautes qualités artistiques, ses Quatre pièces pour piano (Četiri komada za klavir) (1917) ont marqué un tournant dans l’histoire de la musique serbe pour le piano. Ses collections très réussies, Camées (Kameje) (1937-1942) et Ma Mère (Moja majka) (1943) se caractérisent par la synergie du néo-romantisme et de l'impressionnisme. Ses cycles intitulésMélodies et rythmes des Balkans (Melodije i ritmovi sa Balkana), La suite du Kosovo (Kosovska svita) et La suite de Povardarie (Povardarska svita) (tous de 1942), sont tous basés sur le folklore et les propres transcriptions folkloriques de Milojević. Ces œuvres présentent des solutions impressionnistes, mais aussi un usage assez robuste du folklore similaire de Béla Bartók. Son travail Les grimaces rythmiques (Ritmičke grimase) (1935), un pas en avant vers l'expressionnisme, occupe une place particulière dans son œuvre, alors que le piano est traité de manière quelque peu percussioniste, certains endroits sont dénués de marquage et l'aspect harmonique est caractérisé par le départ de la tonalité et l'utilisation de groupes de tonalités.

Milojević était moins prolifique dans le genre de la musique orchestrale. La mort de la mère de Jugović (Smrt majke Jugovića) (1921) fait partie de ses compositions pour orchestre et laisse entrevoir les influences de R. Strauss. Cette œuvre présente quelque peu des insuffisances dans les aspects du développement thématique et du son orchestral. Sa suite pour orchestre à cordes, Intimacy (Intima) (1939), construite sur le motif re-la-do-mi-la, semble beaucoup plus fructueuse. Bien que comportant six mouvements et plusieurs ambiances (représentés par les sous-titres), cette composition démontre une cohérence et une couleur sonore riche.

Miloje Milojević a écrit un certain nombre d'œuvres de chambre. Il a composé deux quatuors à cordes (en sol majeur, 1905 et en do mineur, 1906), le quatuor en sol majeur étant la première œuvre de ce genre dans la musique serbe. Il a également composé deux sonates pour violon et piano (en si mineur, 1924 et en ré mineur 1943), Sonate pour flûte et piano en fa dièse mineur (1944) et Sonate en sol pour alto solo (1944). La plus importante de ces œuvres est la Sonate pour violon et piano en si mineur, une structure robuste et une grande expressivité allant du lyrisme discret au drame passionné.

L'une des œuvres les plus distinctes de Milojević appartient à la musique de scène: Le balai du valet (Sobareva metla) (1923), un ballet grotesque inspiré d'un texte surréaliste de Marko Ristić.

Stefano Landi, baptisé à Rome le 26 février 1587 et mort dans la même ville le 28 octobre 1639, est un compositeur baroque italien du XVIIe siècle. Au service, à Padoue puis à Rome, des grandes familles italiennes telles que les Borghese et les Barberini, le compositeur et chanteur écrit de nombreuses arias et notamment deux opéras. Chargé de la responsabilité de plusieurs chapelles et de l'écriture de la musique pour des événements festifs de la noblesse, il poursuit également un cheminement vers la prêtrise.

Stefano Landi étudie à partir de 1595 au Collegio Germanico de la ville -où il est soprano. Il prend les ordres mineurs en 1599 et entre au Séminaire romain en 1602 sous l'impulsion du Cardinal Bartolomeo et du Duc Federico. Il y étudie la rhétorique et la philosophie et travaille avec le maestro di cappella Agostino Agazzari. Il défend se thèse de philosophie et termine ses études en 1607.

Il obtient une fonction d'organiste à la basilique Sainte-Marie-du-Trastevere à partir de 1610 et dirige, à partir de l'année suivante, les chanteurs de l'église Santissimo Crocifisso. Il est maître de chapelle à l'église Notre-Dame de la Consolation entre 1614 et 16171. La première publication de Stefano Landi date de 1616, un motet à trois voix, dans une anthologie de l'éditeur Fabio Costantini.

Le compositeur se déplace pour quelque temps dans le nord de l'Italie où il devient maître de chapelle à Padoue en 1618, juste après avoir publié la même année, à Venise, un livre de madrigaux à cinq voix, sous le patronage de Marco Cornaro , évêque de Padoue. Il écrit l'année suivante son premier opéra, La morte d'Orfeo, qu'il dédicace au clerc Alessandro Mattei, proche de Paul V de la famille Borghese, probablement créé à Venise. Ces expériences à Venise et à Padoue lui permettent de développer son style singulier, plus près de l'école vénitienne novatrice que du conservatisme musical en vigueur à Rome. Il revient à Rome à l'été 1620 et entre au service du Prince Paolo Savelli, Duc d'Albano, jusqu'en 1622. Dans les années qui suivent, il va travailler d'abord au service de la famille Borghese, puis du Cardinal Maurice de Savoie, dans lequel il reste de nombreuses années.

En octobre 1622, par le biais de Grégoire XV, Stefano Landi est nommé servitore du neveu du Pape, le Cardinal Ludovico Ludovisi, certainement en vue des festivités du carnaval de Rome de 1623, puis, sous Urbain VIII, il officie à la chapelle basilique Proces et Martinien de Rome en tant que clerc et recteur de 1624 jusque sa mort. En même temps que ses services à la basilique Saint-Pierre de Rome, le compositeur est maître de chapelle l'église Santa Maria ai Monti à partir de 1624.

Le cousin de Stefano Landi, Fabio, étudie avec lui et devient par la suite harpiste à la Cour des Médicis, et son élève Angelo Ferrotti rejoint la maison de Maurice de Savoie, où il chante les airs composé par son maître. Par la suite, le compositeur Stefano Landi est ordonné sous-diacre en 1629 et entre à la chapelle Sixtine en tant que contralto dans le chœur pontifical en novembre de cette année. C'est à cette période qu'il rentre définitivement dans les cercles de la famille Barberini. Pendant plusieurs années, il sert comme musicien et comme compositeur les Barberini, surtout pour les festivités et les mariages, en plus de ses obligations cléricales et de maître de chapelle. Pour remercier la famille de son soutien, il compose son drame sacré Il Sant'Alessio en 1631 sur un livret de Giulio Rospigliosi, futur Clément IX, représenté en tant que spectacle inaugural du Teatro delle Quattro Fontane de Rome en 1632 ou 1633.

Pendant cette période romaine, il écrit surtout des œuvres de musique sacrée dans le style de la seconda pratiqua, opposée, parce que plus moderne, à la prima pratica, dont le maître demeure Palestrina. Il forme pour le compte de la famille Barberini plusieurs élèves musiciens contre rémunération, dont Girolamo Zampetti. En 1633, Stefano Landi est ordonné diacre, au même moment où Francesco Barberini devient Archevêque de la basilique Saint-Pierre.

En 1635, il commence à souffrir d'une maladie chronique qui l'oblige à quitter ses fonctions auprès de la famille Barberini. Il rassemble ses compositions et fait publier entre novembre 1637 et août 1639 les cinq derniers de ses neufs ouvrages d'arias et meurt le 28 octobre 1639 à Rome.

Stefano Landi a composé neufs livres d'airs (arias), mais aussi des madrigaux, psaumes, messes, motets, répons, un Magnificat, ainsi que des opéras dont La morte d'Orfeo, op. 2, composé en 1619, qui est un opéra (tragi-comédie) au librettiste inconnu qui s'intéresse non pas au premier épisode de la vie du héros, avec la descente aux enfers pour chercher Eurydice, mais au second, sa mort tragique aux mains des Bacchantes. Les circonstances de la création de cet ouvrage restent inconnues (possiblement à Venise) ainsi que les inspirations et les raisons qui poussent le compositeur à écrire un opéra.

Il Sant'Alessio, sur la vie d'Alexis de Rome, est un drame sacré composé en 1631, remanié en 1632 et en 1634, sur un livret du cardinal Giulio Rospigliosi, qui devait être élevé en 1667 à la dignité papale sous le nom de Clément IX. Cet ouvrage assure une très bonne réputation au compositeur. C'est une commande de la famille Barberini, soit du Pape lui-même, Urbain VIII (Maffeo Barberini, 1568-1644, régnant de 1623 à 1644), soit de son frère, le Cardinal Antonio Barberini, seniore (1569-1646), soit de leurs deux neveux, les Cardinaux Francesco Barberini, seniore (1597-1679), Secrétaire d'État du Pape, son oncle, dès 1623, et Antonio Barberini, iuniore (1607-1671), ce dernier étant le commanditaire le plus probable, puisque l'œuvre est créée à Rome, dans l'un des palais de la famille Barberini, probablement au Palazzo Barberini ai Giubbonari (plutôt qu'au Palazzo Barberini alle Quattro Fontane, dont la construction, débutée en 1627, n'a été achevée par Le Bernin, qu'en 1633, bien qu'il existe un témoignage d'une représentation en ce lieu le 17 et le 23 février 1632).
Une vraie première, antérieure à ces reprises de 1632, semble avoir déjà eu lieu le 2 mars 1631. Lors de ces représentations ont chanté les castrats Angelo Ferroti, dans le rôle-titre et, dans celui de Sposa (l'épouse d'Alexis), le tout jeune Marc'Antonio Pasqualini (1614-1691), un protégé du Cardinal Antonio Barberini iuniore, dès l'âge de 15 ans, en 1629, puis dès janvier 1631, à 17 ans, comme choriste de la Cappella musicale pontificia sistina, le Choeur de la Chapelle Sixtine, dont il deviendra maître de chapelle en 1655).
L'opéra fut remanié et repris en 1634 avec des décors du Bernin, cette fois-ci bien sûr au Palazzo Barberini alle Quattro Fontane, et donné ensuite tel quel à plusieurs reprises en Italie jusqu'en 1647.

Le concours international d'orgue du Canada a été remporté par un Suédois, Johannes Skoog.
Il rentre chez lui avec 25 000 dollars canadiens, un enregistrement sur ATMA Classique et un contrat d'agence de trois ans avec Karen McFarlane Artists.
Le deuxième lauréat est Henry Webb (Canada) et le troisième Alma Bettencourt (France).

Né en 1992, Johannes Skoog a commencé à jouer de l'orgue à l'âge de 8 ans, après avoir étudié le piano depuis l'âge de 5 ans. Originaire de Stockholm, il est diplômé du Collège royal de musique de Stockholm (Kungliga Musikhögskolan) où il a étudié l'interprétation à l'orgue avec Mathias Kjellgren et l'improvisation avec Nils Larsson. Johannes a poursuivi ses études au Conservatoire national supérieur de musique de Paris dans la classe d'orgue d'Olivier Latry et de Michel Bouvard.
Il a également étudié l'interprétation à l'orgue avec Louis Robilliard et l'improvisation à l'orgue avec Laszlo Fassang et Thierry Escaich. À l'été 2017, il est devenu le seul étudiant à recevoir la meilleure note en interprétation d'orgue (mention très bien à l'unanimité avec félicitations du jury), les deux années du programme de master au Conservatoire de Paris.

 

Kirill Serebrennikov, réalisateur de films et metteur en scène dissident du régime russe actuel de Vladimir Poutine, présente à l'Opéra de Zurich son interprétation de l'opéra d'Alfred Schnittke La vie avec un idiot.

Selon les termes mêmes de l'opéra, « Kirill Serebrennikov portera l'œuvre à la scène comme l'histoire dystopique et actuelle d'un couple pour lequel l'idiot devient le catalyseur de leur relation déjà toxique, un catalyseur qui fait remonter à la surface les pulsions les plus sombres et les plus destructrices de l'être humain, ainsi que la disposition à l'agression et à la violence ».

 

 

La célèbre violoniste québécoise Angèle Dubeau est contrainte d'arrêter de jouer à cause d'une blessure persistante à la main.

Elle déclare : « D'aussi loin que je me souvienne, la musique a toujours fait partie de ma vie. Grâce à elle, je me suis exprimée, j'ai voyagé et je me suis nourrie au quotidien. Mon violon a été un compagnon fidèle depuis l'âge de quatre ans. Il a coloré mon univers et, plus encore que les mots, il est devenu mon principal moyen d'expression.

Cependant, je dois maintenant apprendre à vivre sans mon violon. C'est le cœur lourd que je dois accepter de ne plus pouvoir en jouer physiquement. Ma main droite, et plus particulièrement mon index - le maître de l'archet - a perdu sa sensibilité et est engourdie en permanence. Pendant 58 ans, j'ai exercé une pression et une précision au même endroit. Le nerf est usé et gravement endommagé.

À mon cher public, merci pour tous les moments que nous avons partagés. J'espère sincèrement que ma musique continuera à vous toucher à travers mes 48 albums ».

 

 

New Year est un opéra en trois actes du compositeur Michael Tippett, qui a écrit son propre livret. Il a été créé par le Houston Grand Opera le 27 octobre 1989, dans une mise en scène de Peter Hall.

Tippett a noté que la " métaphore principale " de l'opéra est la danse. Le chorégraphe de la production originale était le célèbre danseur américain Bill T. Jones.

La première production britannique a eu lieu à Glyndebourne, puis le Glyndebourne Touring Opera a présenté une version adaptée de la production de Peter Hall. Comme pour les autres opéras de Tippett, le texte et la musique englobent un éventail très éclectique de références culturelles.

Franco Alfano est un compositeur italien né le 8 mars 1875 à Posillipo près de Naples et mort le 27 octobre 1954 à Sanremo. Il est surtout connu pour avoir complété les deux dernières scènes de Turandot, le dernier opéra de Puccini, en 1926.

Après des études de piano et de composition au Conservatoire San Pietro a Majella près de Naples, il part à Leipzig où, à l'âge de vingt ans, il étudie avec Salomon Jadassohn. Il assiste à de nombreux concerts au Gewandhaus, et s'imprègne de la musique de compositeurs tels que Strauss, D'Albert et Busoni, et rencontre même Edvard Grieg. Il vit ensuite à Berlin de 1896 à 1899, puis à Paris où il compose deux ballets pour les Folies Bergère qui lui valent un grand succès. En 1916, il enseigne au Liceo musicale de Bologne dont il deviendra directeur en 1918.
De 1923 à 1939 il s'installe à Turin où il devient directeur du Liceo musicale. Il sera ensuite appelé à Palerme, pour le poste de surintendant du Teatro Massimo en 1940.
De 1947 à 1950, il est directeur du Liceo Musicale de Pesaro où il donne aussi des cours.

Ses deux œuvres de jeunesse Miranda (1896) et La Fonte di Enschir (1898) sombrèrent vite dans l'oubli mais il s'imposa avec Risurrezione qui fut une des œuvres préférées de la soprano Mary Garden. Lors de sa création au Teatro Regio Vittorio Emanuele II de Turin, on pouvait voir la distribution suivante : Elvira Magliulo, Angelo Scandiani, Mieli, Ceseroli dirigés par le maestro Tullio Serafin. Alfano qui s'est détaché de l'école vériste a gardé l'amour de la mélodie et écrit habilement pour la voix.

À la mort de Puccini, (1924), Turandot étant laissé inachevé, Arturo Toscanini demande à Alfano de terminer le troisième acte. Pressé par Toscanini, Alfano doit exécuter son travail rapidement à partir des esquisses laissées par Puccini. Toscanini, qui doit donner une représentation de Turandot à La Scala de Milan en 1926, s'emploie à couper une grande partie du travail d'Alfano. Et c'est cette version retaillée qui a été jouée en continu, par Toscanini, puis d'autres, jusqu'à ce que la version d'Alfano soit réhabilitée en 1982.

Outre ses opéras, Alfano a écrit plusieurs pièces symphoniques, dont une Première symphonie, ainsi que plusieurs œuvres de musique de chambre, dont trois quatuors à cordes, une sonate pour violon et une pour violoncelle.

Alphons Czibulka (né le 14 mai 1842 à Szepesváralja et mort le 27 octobre 1894 à Vienne) est un compositeur hongrois.

À l'âge de 15 ans, il se produit comme pianiste en Russie puis il devient professeur de musique, et plus tard chef d'orchestre à Wiener Neustadt (1864-65), à Innsbruck, à Trieste et au Carltheater de Vienne. Il entre ensuite au service militaire, devenant chef d'orchestre de plusieurs régiments d'infanterie austro-hongrois.
Dans les années 1880 et au début des années 1890, il dirige les Concerts de monstres au Prater à Vienne et compose des musiques de danse et de salon qui connaissent un grand succès, ainsi que plusieurs opéras, dont le premier, Pfingsten in Florenz (1884), est le plus réussi. Vers 1889-1890, il arrange des danses sur des thèmes provenant de The Yeomen of the Guard and The Gondoliers (pour Bosworth & Co.), à l'époque où ces œuvres sont jouées en Allemagne.

En 2018, sa gavotte Stephanie-Gavotte, op. 312, est interprétée au concert du nouvel an à Vienne, sous la direction de Ricardo Mutti. C'est la seule fois où une œuvre de Czibulka est entendue lors de ce traditionnel concert.

À l'occasion du centenaire de la mort de Giacomo Puccini, le musée du Teatro alla Scala de Milan accueille l'exposition PUCCINI Opera Meets New Media jusqu'au 12 janvier 2025. Organisée par le directeur scientifique de l'Archivio Storico Ricordi, Gabriele Dotto, et les musicologues Christy Thomas Adams et Ellen Lockhart, l'exposition raconte l'extraordinaire symbiose entre l'opéra et les nouveaux médias qui a vu le jour au début du XXe siècle.

Grâce à la symbiose vertueuse entre activité commerciale et création artistique pratiquée par le compositeur italien et son éditeur Ricordi, la musique de Puccini a bénéficié de nouvelles stratégies de marketing ainsi que de l'essor rapide de l'enregistrement sonore et du cinéma en tant que concurrents des maisons d'opéra et du secteur traditionnel de l'édition musicale.

L'exposition multimédia PUCCINI Opera Meets New Media présente ce thème à travers diverses installations audiovisuelles : de la projection du film muet de 1915 "Madama Butterfly" avec Mary Pickford (et sa bande sonore au piano) à la modélisation numérique en 3D d'un portrait de Puccini, en passant par l'animation par IA de décors de scène historiques tels que la première de Turandot en 1926. Sont également exposés de nombreux documents originaux issus du vaste patrimoine des archives historiques Ricordi et quelques costumes emblématiques, comme celui que Turandot portait au Coliseum en 1926.