L'Association des Musiciens Professionnels des Orchestres Symphoniques (AMPOS) dénonce dans un communiqué la paralysie du démarrage du projet de création de l'Orchestre Symphonique d'Aragon initié lors de la précédente législature autonome. Le communiqué est en désaccord avec les récentes déclarations de Pedro Olloqui, actuel directeur général de la culture d'Aragon, qui a défendu l'idée qu'un orchestre symphonique n'est pas nécessaire pour la région.

L'AMPOS souligne que « l'Aragon est une région très vaste, qui compte 1 349 000 habitants et qui est l'une des rares, avec la Castille-La Manche, la Cantabrie et La Rioja, à ne pas disposer d'au moins un orchestre symphonique public. Cela signifie que si un habitant de Monzón ou d'Alcañiz veut écouter un orchestre symphonique, il devra parcourir plus de 100 km s'il se rend à Saragosse, ou plus de 200 km s'il se rend dans des villes comme Pampelune, Barcelone ou Valence ».

À l'argument selon lequel « le projet a été conçu pour se produire à Saragosse, où il y a une inflation d'événements musicaux, au détriment du reste de la communauté », l'AMPOS répond qu'"un orchestre symphonique doit disposer d'un lieu principal où s'installer pour pouvoir effectuer son travail de répétition, installer son siège administratif, etc. Un auditorium comme celui de Saragosse répond aux exigences nécessaires », mais affirme en même temps que "l'objectif principal d'un orchestre symphonique public devrait être de rapprocher la musique classique des habitants de toute la région. Nous devons également souligner le rôle pédagogique que jouent tous les orchestres espagnols, en rapprochant la musique classique des enfants et des adolescents, et insister sur le fait qu'un orchestre symphonique doit être considéré comme un service public pour les citoyens, car l'accès à la culture est également un droit".

Enfin, AMPOS affirme qu'"un orchestre symphonique pour l'Aragon est nécessaire d'un point de vue culturel, mais c'est aussi une opportunité d'emploi pour les personnes formées dans les conservatoires de musique d'Aragon et du reste du pays. Ces emplois bénéficieraient également à l'économie locale, puisque les travailleurs seraient basés sur le territoire, contrairement aux musiciens des ensembles symphoniques situés en dehors de la région. Pour toutes ces raisons, notre association défend fermement la création d'un orchestre symphonique public, doté d'un budget adapté à ses besoins, d'un personnel fixe et stable, afin de créer un projet artistique de qualité et pérenne, qui réponde à la demande culturelle du peuple aragonais ».

 

 

Le 10e concours vocal Leyla Gencer, organisé par la Fondation d'Istanbul pour la culture et les arts (İKSV), Borusan Sanat et l'Accademia Teatro alla Scala, s'est achevé par le gala final et la cérémonie de remise des prix à la salle de concert Cemal Reşit Rey, le 27 septembre 2024. HuanHong Li (basse, Chine) a remporté le Premier Prix, Nazlıcan Karakaş (soprano, Türkiye) est arrivée deuxième et Maria Knihnytska (soprano, Ukraine) a remporté le Troisième Prix.

Fernanda Allande (soprano, Mexique) a remporté le Prix Spécial du Royal Opera House Jette Parker Young Artists Programme, qui prévoit des sessions de coaching d'une semaine au Covent Garden. HuanHong Li (basse, Chine) a remporté le Prix Spécial du Deutsche Oper Berlin, qui lui permet de participer à l'une des productions de l'opéra, ainsi que le Prix Spécial de l'Orchestre Philharmonique Borusan Istanbul, qui lui permet de se produire avec l'orchestre. La lauréate du Prix Spécial de l'Accademia Teatro alla Scala, Nazlıcan Karakaş (soprano, Türkiye), recevra une bourse de trois mois à l'Accademia Teatro alla Scala. Elle a également reçu le Prix du Public Leyla Gencer. Anna Imedashvili (soprano, Géorgie) a remporté le Prix Spécial du théâtre d'État de l'opéra et du ballet de Tbilissi, qui permet au lauréat de participer à l'une des productions de l'opéra. Jennifer Mariel Velasco (soprano, Mexique) a reçu le Naples Teatro di San Carlo Special Award (prix surprise).

"L'Orchestre symphonique de Toronto a reçu un don historique de 15 millions de dollars de la part de la Barrett Family Foundation, ce qui représente la plus importante promesse de don de l'histoire de l'orchestre et l'engagement le plus important jamais pris pour soutenir la programmation d'un organisme canadien des arts de la scène.

Ce don extraordinaire soutiendra les programmes d'engagement communautaire et d'éducation du TSO, garantissant que le pouvoir de la musique continue d'atteindre et d'inspirer les publics de tous âges à travers la ville.

En reconnaissance du soutien extraordinaire de la Fondation, le rôle de leader artistique de la communauté du TSO est nommé Barrett Principal Education Conductor & Community Ambassador (chef d'orchestre principal de l'éducation et ambassadeur de la communauté Barrett). Ce poste, occupé par Daniel Bartholomew-Poyser, témoigne de l'engagement de la Fondation à enrichir la vie des jeunes grâce à la musique."

La Symphonie no 14 en sol mineur op. 135 est l'avant-dernière des quinze symphonies du compositeur russe Dmitri Chostakovitch.
Écrite sept ans après la 13e Symphonie, elle est contemporaine de sa Sonate pour violon et piano, de ses 12e et 13e Quatuors à cordes, mais aussi de sa 15e Symphonie.
Ode passionnée à la vie et la mort inspirée par les Chants pour les enfants morts de Gustav Mahler et par les Chants et danses de la mort, cycle de mélodies de Modeste Moussorgski que Chostakovitch a orchestré en 1962, la 14e Symphonie fut composée au printemps 1969 par un Chostakovitch obsédé par la mort.
Écrite pour soprano, basse et ensemble de cordes avec percussion, elle consiste en onze poèmes de quatre auteurs différents -Garcia Lorca, Apollinaire, Küchelbecker et Rilke, chacun formant l'un des onze mouvements de l'œuvre.
La plupart d'entre eux abordent le thème de la mort, particulièrement lorsqu'elle est injuste ou prématurée. Ces poèmes ont été traduits en russe, mais il existe également une version de la symphonie dans laquelle ils sont dans leur langue originale.

Dédiée à Benjamin Britten, la 14e Symphonie a été créée à Léningrad le 29 septembre 1969 par l'Orchestre de chambre de Moscou sous la direction de Rudolf Barshaï, avec la soprano Galina Vishnevskaya et la basse Mark Réchétine. Son exécution demande un peu moins d'une heure.

Heinz Wallberg (16 mars 1923 - 29 septembre 2004) était un chef d'orchestre allemand.

Wallberg est né à Herringen, en Westphalie. Il étudie la trompette, le violon et le piano. Il aide sa famille à subvenir à ses besoins grâce à sa formation musicale lorsque son père devient incapable de travailler. Pendant la Seconde Guerre mondiale, il est opérateur de morse et dirige simultanément une fanfare militaire et un quatuor à cordes.

Après la guerre, il étudie aux conservatoires de Dortmund et de Cologne. Il fait ses débuts de chef d'orchestre à Münster avec Les Noces de Figaro de Mozart. En 1957, il enregistre une scène de Lohengrin de Wagner,avec le Philharmonia Orchestra de Londres et les chanteuses Elisabeth Schwarzkopf et Christa Ludwig, dans une mise en scène de Walter Legge. Il a également enregistré la Symphonie n° 4 italienne de Mendelssohn et la musique de scène du Songe d'une nuit d'été. Il a dirigé Der Rosenkavalier de Richard Strauss pour le Royal Opera, Covent Garden en 1963. Entre-temps, aux festivals de Vienne et de Salzbourg, il crée des œuvres telles que l'oratorio de Frank Martin Le Mystère de la Nativité (1960) et Les Mines de Falun de Rudolf Wagner-Régeny (1961). Wallberg a inauguré le festival d'opéra de Munich en 1962 avec une représentation de Die schweigsame Frau de Richard Strauss.

De 1964 à 1975, Wallberg a été chef d'orchestre principal du Tonkünstler Orchestra de Vienne. Il a occupé le même poste à l'Orchestre de la Radio de Munich de 1975 à 1982 et à l'Orchestre Philharmonique d'Essen de 1975 à 1991. Il a été le premier chef d'orchestre ouest-allemand autorisé à diriger en Allemagne de l'Est après la partition de l'Allemagne et n'a fait ses débuts de chef d'orchestre aux États-Unis qu'en 1991. Pendant les 37 dernières années de sa vie, il s'est produit chaque année avec l'Orchestre Symphonique NHK du Japon. Il a dirigé la première néo-zélandaise de Die Meistersinger von Nürnberg de Wagner en 1990.

Il a été nommé pour un Grammy Award en 1982 pour son enregistrement de l'opéra de Weinberger, Schwanda the Bagpiper. Il a donné un concert dans la basilique Saint-Pierre de Rome pour le pape Jean XXIII en 1959. Heinz Wallberg était très apprécié comme chef d'orchestre pour les symphonies d'Anton Bruckner. Il a également enregistré Königskinder d'Engelbert Humperdinck et La bohème de Ruggero Leoncavallo.

Wallberg s'est marié deux fois, avec Maritta Ruhlmann, décédée en 1967, et plus tard avec Murielle Nouget. Il a eu une fille avec Ruhlmann et un fils avec Nouget. Il est décédé à Essen en 2004, à l'âge de 81 ans.

 

Joaquín Nin (en catalan : Joaquim Nin i Castellanos), né à La Havane le 29 septembre 1879, mort dans la même ville le 24 octobre 1949, est un pianiste et compositeur cubain de la première moitié du XXe siècle.

Il était le fils de l'écrivain catalan Joaquin Nin Tudó et la cubaine de Camagüey Àngela Castellanos Perdomo. Il fut l'élève au piano de Carles G. Vidiella à Barcelone et de Moritz Moszkowski à Paris et étudia la composition dans la classe de Vincent d'Indy à la Schola Cantorum de Paris, où il enseigna de 1905 à 1908. Il est connu principalement pour ses arrangements de musique populaire espagnole. Il fut l'ami de Maurice Ravel et l'un des témoins de la genèse du Boléro en 1928. Il était membre de l'Académie royale des beaux-arts Saint-Ferdinand de Madrid et reçut en France la Légion d'honneur.

Entre 1908 et 1910 il vit à Berlin, puis à La Havane et à Bruxelles. Il a passé de nombreuses années à Paris.

Au piano, il a interprété de la musique ancienne pour clavier, dont celle de J.S. Bach.

Il a écrit plusieurs essais sur les problèmes d'esthétique : « Pour l'Art » (1909, Paris), « Idées et commentaires » (1912), « Clavecin ou piano » (1921) et « Las tres grandes escuelas ».

Il a publié deux recueils de musique espagnole pour le clavier : « 16 Sonates anciennes d'auteurs espagnols » (1925, Paris) et « 17 Sonates et pièces anciennes d'auteurs espagnols » (1929, Paris).
Ces recueils contiennent les premières éditions contemporaines du Padre Antonio Soler.
Il a aussi publié « Sept chants lyriques espagnols anciens » (1926) et « Sept chansons picaresques espagnoles anciennes » (1926), « 10 pièces pour violon et piano de Herrando » (1937).

Il est le père de l'écrivaine Anaïs Nin et du compositeur Joaquín Nin-Culmell.

En 2008, l'écrivaine cubaine Daína Chaviano lui rend hommage en l'incorporant comme personnage dans son roman « L'île des amours éternelles » (roman cubain le plus traduit de tous les temps, médaille d’Or du concours des Florida Book Awards).

Jacques-Martin Hotteterre, dit « le Romain », né le 29 septembre 1673 à Paris où il est mort le 16 juillet 1763, est un compositeur et flûtiste français.

Jacques-Martin Hotteterre est l’héritier d'une célèbre famille de facteurs d'instruments à vent originaire de La Couture en Normandie. La famille Hotteterre est connue pour avoir apporté de grandes innovations, vers 1670, à la facture des instruments à vent, notamment la flûte démontable en trois parties -cette invention n'est pas attribuable à un membre de la famille en particulier- et le hautbois, dont l'invention est créditée à son grand-père Jean. Jacques-Martin Hotteterre a sans doute été le plus doué de sa dynastie, avec son père Martin, facteur de flûtes renommé qui créa certaines pièces utilisées par Jean-Baptiste Lully.

Son surnom de « Romain » lui aurait été donné à la suite d'un séjour à Rome. Il est certainement à identifier avec lui le « Monsù Giacomo mastro di flauto » (Monsieur Jacques maître de flûte) documenté à la Cour du marquis Francesco Maria Ruspoli à Rome d'octobre 1698 à juillet 1700.

Il entre en 1705 comme hautbois de la Grande Écurie, puis cumule la charge de flûte de la chambre du Roy. Il doit sa renommée à ses talents de flûtiste, instrument pour lequel il écrivit de très nombreuses pièces, complétant un répertoire peu étendu à l’époque (essentiellement des pièces pour flûtes et divers instruments de Marin Marais et de Michel de La Barre).

Excellent fabricant, compositeur et musicien de grand talent, il a laissé à la postérité des œuvres telles que les Suites de pièces à deux flûtes (1712), Duo et rondeau (1708), etc., mais également des œuvres à caractère technique et pédagogique, telles que L'art de préluder sur la flûte traversière (1719), Principes de la flûte traversière ou flûte d'Allemagne, de la flûte à bec ou flûte douce et du hautbois (1707) dont plusieurs éditions existent, avec des traductions en flamand et en anglais de la même époque.

En 1728, il épouse, à Paris, Élisabeth-Geneviève Charpentier, fille d'un notaire et petite-fille d'un conseiller du Roi, dont la fortune, ajoutée à l'héritage de son père Martin, lui permet de se dispenser d'un travail manuel et de se consacrer entièrement à ses œuvres et à son enseignement.

Jacques Hotteterre meurt le 16 ou le 17 juillet 1763. Son fils Jean-Baptiste lui succède dans ses charges jusqu'à sa propre mort survenue en 1770. Sa fille Marie-Geneviève se marie à Claude Balbastre le 2 janvier 1763 en présence de Jean-Philippe Rameau et de Jean-Joseph Cassanéa de Mondonville.

Une rue « Jacques Hotteterre » est nommée en son hommage à La Couture-Boussey, berceau de la famille Hotteterre. Son portrait se retrouve sur la façade du château d'eau à l'entrée de la ville.

Le ministère de la Culture de la ville de Buenos Aires a annoncé hier la nomination d'Andrés Rodríguez à la tête de l'Opéra du Teatro Colón de Buenos Aires.
Rodríguez rejoindra Julio Bocca, responsable du ballet, et Gerardo Grieco, directeur général de l'institution.
Andrés Rodríguez a étudié la musique et le chant au Conservatorio Benedetto Marcello de Venise et a été, entre 1981 et 2015, directeur artistique et général du Teatro Municipal de Santiago du Chili.

 

La Fondazione Arena di Verona célèbre le demi-siècle d'histoire du Teatro Filarmonico, reconstruit après les bombardements de la Seconde Guerre mondiale, avec un riche programme de six productions d'opéra et 12 concerts symphoniques pour plus de 50 levers de rideau. « Ce joyau du XVIIIe siècle, commandé par l'Accademia Filarmonica di Verona, la plus ancienne d'Europe, a été reconstruit après les bombardements de la Seconde Guerre mondiale et inauguré en 1975. - Depuis lors, il est devenu le point de référence de la musique symphonique et de l'opéra à Vérone. Ici, la qualité et la variété de la proposition artistique ne cessent de croître, et c'est ce que nous espérons pour 2025 avec tous les spectateurs qui veulent la découvrir ».

Il s'ouvrira le 19 janvier avec une nouvelle production de Falstaff d'Antonio Salieri, l'opéra avec lequel le Filarmonico reconstruit a ouvert ses portes en 1975.

Le Requiem polonais est une œuvre de musique sacrée composée par Krzysztof Penderecki entre 1980 et 1984, et révisée en 1993.

Il s'agit d'une œuvre tardive d'un musicien n'ayant jamais caché sa foi chrétienne dans un pays sous joug communiste (Stabat Mater, Dies irae 1967). L'écriture en est plus classique que certaines de ses autres compositions, nettement plus atonales (Thrènes…).

La composition du requiem s'étend sur près de treize ans : Penderecki écrit en 1980 son Lacrimosa en hommage aux morts de la grande grève de Gdańsk, opposant Solidarność aux autorités, sur la commande de Solidarność. Se sont ajoutées alors diverses pièces, écrites en l'honneur de différents événements patriotiques. Une première version du Requiem a été jouée le 28 septembre 1984 par l'Orchestre Symphonique de la radio de Stuttgart sous la direction de Mstislav Rostropovitch. La version définitive a été créée par le compositeur lui-même le 11 novembre 1993 à Stockholm.

La partition se compose de seize parties et son exécution dure un peu plus de 90 minutes. Elle est écrite pour quatre solistes, chœurs mixtes et grand orchestre. Le texte est en latin, auquel se mêle à deux reprises un hymne traditionnel polonais : Swiety Boze.