L'Ode for St. Cecilia's Day (HWV 76) est une œuvre lyrique de Haendel qu'il composa en 1739 sur un poème éponyme -en anglais- de John Dryden écrit en 1687, exaltant le rôle de la musique dans l'harmonie de l'Univers. Le titre réfère à Sainte Cécile, sainte patronne traditionnelle des musiciens.

Cette composition (« Ode ») se situe à mi-chemin de la cantate et de l'oratorio, tant en ce qui concerne la durée que l'importance de l'effectif musical. Elle comprend des pièces instrumentales, des arias solistes et des chœurs.

La première représentation eut lieu le 22 novembre 1739, jour de la fête de Sainte Cécile au Theatre in Lincoln's Inn Fields de Londres.

Haendel avait déjà composé une autre œuvre sur le même thème, dont le texte était aussi de Dryden : l'ode Alexander's Feast.

Un très grand nombre de thèmes musicaux proviennent des « Componimenti musicali », recueil de sept suites pour le clavecin de Gottlieb Muffat composées vers 1736.

Josef Matthias Hauer, né le 19 mars 1883 à Wiener Neustadt près de Vienne (Autriche) et mort le 22 septembre 1959 à Vienne, est un compositeur et théoricien de la musique autrichien.

Hauer développe, à peu près à la même époque qu'Arnold Schönberg, qu'il connait, admire et fréquente (l'estime est réciproque) un système de composition à douze sons (dodécaphonisme), qu'il théorise abondamment ensuite.
Ses compositions, très nombreuses et pour la plupart extrêmement courtes (moins de cinq minutes), sont généralement destinées à de petits ensembles ou à des instruments solistes.

Pour Hauer, le rôle du compositeur n'est plus de susciter de l'émotion ou de véhiculer un sens, un contenu, un message, mais il s'agit à ses yeux littéralement et uniquement de produire des sons : une succession de notes et de sons interchangeables. Sa musique vise la neutralité, l'inexpressivité et l'effacement total de la personnalité de l'artiste aussi bien du créateur que de l'interprète. Cette vision radicale n'est pleinement comprise qu'avec l'apparition du courant minimaliste.

Elisabeth Sättler dite Rethberg est une soprano lirico-spinto née à Schwarzenberg/Erzgeb., en royaume de Saxe le 22 septembre 1894 et morte le 6 juin 1976 à Yorktown, dans l'État de New York.

Elle fait des études de piano et de chant au Conservatoire de Dresde.
Elle débute à l'Opéra de Dresde en 1915 en Arsene dans Der Zigeunerbaron et elle y assure de nombreux rôles différents pendant 7 ans.

Elle débute en 1922 au Metropolitan Opera de New York en Aïda, son rôle fétiche. Elle y restera jusqu'en 1942, prenant la suite d'Emmy Destinn et devenant la grande rivale de Rosa Ponselle.

Elle revient à Dresre en 1928 pour créer Hélène d'Égypte de Richard Strauss. Elle chante sur les plus grandes scènes en 1930 (Walkyrie et Aïda) et au Festival de Salzbourg en 1932.

En 1936, elle est la Aïda d'Arturo Toscanini à Covent Garden. Puis Salzbourg acclame sa Maréchale en 1939.

Son timbre lumineux, sa technique transcendante et son legato impeccable en font une figure majeure du chant durant l'entre-deux-guerres. Elle avait une musicalité qui lui permettait également de briller en concert comme interprète de lieder, notamment de Hugo Wolf.

Elle fait ses adieux au Metropolitan Opera en 1942 et épouse en 1957 George Cehanovsky, un baryton qui fit également carrière au "Met".

La Cour des comptes (RH) a examiné à la loupe la gestion de l'Opéra populaire de Vienne de 2013 à 2023 - et conclut dans son rapport publié vendredi : « Il est nécessaire d'agir sur les processus commerciaux de l'Opéra populaire ». Il manque par exemple une répartition des activités avec des responsabilités claires. Enfin, la Cour des comptes se heurte au fait que la compensation de base pour la maison n'est pas liée à la réalisation d'objectifs concrets.

L’OSM a commandé 10 cloches à la fonderie Royal Eijsbouts aux Pays-Bas, experte dans la fabrication de cloches d’église et d’orchestre. Les quatre premières ont fait leur chemin à Montréal en bateau au mois de juin et les six autres feront leur arrivée en novembre. Tout a été réalisé sur mesure : préparation des moules, accord des cloches et fonte de texte.

« C’est un rêve de plusieurs décennies », dit Sébastien Almon, qui a été porteur du projet. Ce dernier a été guidé par la volonté de « jouer du répertoire avec des instruments de l’époque où le répertoire a été composé ».

Serge Desgagné, percussionniste solo de l’OSM depuis 1997, a réalisé la recherche pour trouver le bon instrument. Il fallait « développer une cloche qui sonne très bien, mais en ayant le moins de poids possible pour que la cloche soit plus transportable et pratique ».

 

(d'après La Presse)

Le XXIVe Festival Verdi, qui se tiendra à Parme et à Busseto du 21 septembre au 20 octobre 2024, célèbre la figure de Giuseppe Verdi avec quatre nouvelles productions, dont deux seront présentées sur la scène du Teatro Regio de Parme : Macbeth dans la version française jouée à Paris en 1865, Un ballo in maschera (mis en scène au théâtre-bomboniera de Busseto), La battaglia di Legnano -dirigés respectivement par Roberto Abbado, Fabio Biondi et Diego Ceretta- ainsi qu'Attila en version concert sous la baguette de Riccardo Frizza proposé au Théâtre Magnani de Fidenza.

L'un des plus importants événements internationaux dédiés aux instruments de musique, Cremona Musica est la seule exposition en Italie et en Europe qui réunit des fans, des musiciens et des fabricants du monde entier.
Avec plus de 400 exposants venus de 35 pays, Cremona Musica est un point de référence pour tous les genres musicaux.
Le festival comprend un large éventail d'événements, des cérémonies de remise de prix aux rencontres culturelles, des présentations de nouveautés musicales aux master classes et aux séminaires.

 

Après trois saisons couronnées de succès, le Luzerner Sinfonieorchester a prolongé à l'avance le contrat du chef principal Michael Sanderling pour trois années supplémentaires, assurant ainsi sa planification artistique à partir de la saison 2026-27 et jusqu'à la saison 2028-29.
Sanderling a pris ses fonctions de chef principal en 2021-22, signant un contrat de cinq ans.

Christopher Chapman Rouse (Baltimore, Maryland, 15 février 1949 – Baltimore, 21 septembre 2019) est un compositeur américain. Il reçoit le Prix Pulitzer pour son Concerto pour trombone et un Grammy Awards pour son Concert de Gaudí, un concerto pour guitare.

Christopher Rouse a étudié avec Richard Hoffmann au Oberlin Conservatory of Music où il est diplômé en 1971. Ensuite, il étudie en privé avec George Crumb jusqu'en 1973. En 1972 et 1973, Christopher Rouse reçoit le BMI Student Composer Awards de la Fondation BMI, et il compléte sa formation avec Karel Husa à l'Université Cornell, avec son doctorat en 1977¹.

Il a ensuite enseigné à l'Université du Michigan de 1978 à 1981 et la composition à la Eastman School of Music de 1981 à 2002. Il enseigne également à la Juilliard School à partir de 1997 et à plein temps dès 2002. Parmi ses élèves, on peut mentionner Michael Torke, Kevin Puts et Cristina Spinei.

Il est compositeur en résidence de l'Orchestre de Baltimore (1986–1989) et de 2012 à 2015 à la Philharmonie de New York (The Marie-Josée Kravis Composer-in-Residence). En 2002, Christopher Rouse est élu membre de l'Académie américaine des arts et des lettres et désigné compositeur de l'année 2009 par Musical America.

Il meurt âgé de 70 ans à Baltimore.

Rouse était un compositeur néoromantique. Certaines de ses œuvres étaient principalement atonales (Gorgon, Concerto pour orchestre) tandis que d’autres sont clairement tonales (Karolju, Rapture). Le plus souvent, il cherchait à intégrer des mondes harmoniques tonaux et non tonaux, comme dans ses concertos pour flûte, hautbois et guitare. Toute sa musique a été composée, dans ses mots, "pour transmettre un sentiment d’urgence expressive." Rouse a été célébré pour son orchestration, notamment avec les percussions. Il cite souvent des œuvres d’autres compositeurs (p. ex., sa Symphonie n^o 1, composée en 1986, incorpore des citations de Bruckner et de Chostakovitch). Les plus anciennes œuvres de Rouse sont deux brèves pièces pour ensemble de percussion, toutes deux inspirées par des sujets mythologiques : Ogoun Badagris (1976, haïtien) et Ku-Ka-Ilimoku (1978, polynésien) ; une partition pour percussions plus tardive inspirée du percussionisme rock, Bonham a été composée en 1988.

La mort de Leonard Bernstein en 1990 a été la première d’une série de décès qui a laissé une profonde impression sur Rouse, et son Concerto pour trombone (1991) a été la première partition de son soi-disant "cycle de la mort," un groupe de pièces qui ont toutes servi de réactions à ces décès. Ces partitions commémoraient William Schuman (Concerto pour violoncelle, 1992)⁷ , le meurtre de James Bulger Cconcerto pour flûte, 1993), le compositeur Stephen Albert (Symphonie nº 2, 1994) et la mère de Rouse (Envoi, 1995). Après Envoi, il s’est volontairement mis à composer des partitions plus "légères", des œuvres destinées à prendre un casting moins sombre; les pièces de cette seconde moitié des années 1990 comprennent Compline (1996), Kabir Padavali (1997), le Concerto de Gaudí (1999), Seeing (1998), et Rapture (2000).

À partir de 2000, Rouse a créé des œuvres aux ambiances variées, de son épineux Concerto pour clarinette (2001) à son rock infusé The Nevill Feast (2003) en passant par son romantique Concerto pour hautbois (2004). La pièce la plus importante de ces années fut son Requiem de 90 minutes, composé en 2001 et 2002. Rouse lui-même a qualifié le Requiem de sa meilleure composition. Les principales compositions plus récentes incluaient son Concerto pour orchestre (2008), Odna Zhizn (2009), la Symphonie nº 3 (2011)³, la Symphonie nº 4 (2013), Thunderstuck (2013), Heimdall’s Trumpet (un concerto pour trompette, 2012), le Concerto pour orgue (2014), la Symphonie nº 5 (2015), le Concerto pour bassoon (2017), Berceuse Infinie (2017) et la Symphonie nº 6 (2019).

À la fin de 2006, Rouse a composé la pièce Wolf Rounds, qui a été créée à Carnegie Hall le 29 mars 2007.

Christopher Rouse a dédié plusieurs œuvres à des interprètes réputés, tels Yo-Yo Ma (Concerto pour violoncelle), la guitariste Sharon Isbin (Concert de Gaudí) et Emanuel Ax (Concerto pour piano « Seeing »).

Alexander Kochetz  est un chef d'orchestre, musicologue, ethnologue et musicien ukrainien du début du XXe siècle.

Né dans le gouvernement de Kiev, il étudie à l'université nationale Académie Mohyla de Kiev, à l'école Lyssenko ainsi qu'à l'Académie de musique Tchaïkovski de Kiev.

Après la Première Guerre mondiale, il participe à la fondation du Chœur national ukrainien. Chœur qui fait des tournées en Europe et en Amérique. Amérique où il collecte des chants ukrainiens puis enseignait à WInnipeg à partir de 1941.