Les finalistes sont cinq :
- Adolfo Corrado (Italie, basse)
- Beth Taylor (Écosse, mezzo)
- Jessica Robinson (Pays de Galles, soprano)
- Nombulelo Yende (Afrique du Sud, soprano)
- Siphokazi Molteno (Afrique du Sud, mezzo)
Le violoniste colombien Carlos Villa, nommé violon solo du New Philharmonia Orchestra de Londres en 1967 par Otto Klemperer, est décédé à Medellin à l'âge de 80 ans.
Carlos Villa est devenu directeur artistique de l'Orquesta Filarmonica de Colombia de Bogota en 1980, et il jouait encore dans l'orchestre jusque récemment.
Il figurait déjà en bonne place sur les enregistrements Barenboim-Du Pre avec le Philharmonia.
Death in Venice, op. 88, est un opéra en deux actes de Benjamin Britten, son dernier. L'opéra est basé sur le roman Mort à Venise de Thomas Mann. Myfanwy Piper en a écrit le livret, qui a été créé à Snape Maltings, près d'Aldeburgh, en Angleterre, le 16 juin 1973.
La partition, souvent acerbe et sévère, est marquée par des paysages sonores obsédants d'une "Venise ambiguë". Le garçon Tadzio est interprété par un danseur silencieux, sur un accompagnement de percussions de type gamelan. La musique de l'opéra est précise, directe et d'une émouvante sobriété.
Britten envisageait la nouvelle depuis de nombreuses années et a commencé à travailler en septembre 1970 en contactant Piper et Golo Mann, le fils de l'auteur. En raison d'accords entre Warner Brothers et la succession de Thomas Mann pour la production du film de Luchino Visconti de 1971, il fut conseillé à Britten de ne pas voir le film à sa sortie. Selon Colin Graham, metteur en scène de la première production de l'opéra, certains collègues du compositeur qui avaient vu le film trouvèrent la relation entre Tadzio et Aschenbach "trop sentimentale et salace". Cela a contribué à la décision de faire jouer Tadzio, sa famille et ses amis par des danseurs qui ne parlent pas. Ian Bostridge a relevé dans l'œuvre les thèmes du "formalisme dans l'art et de la dignité périlleuse de l'artiste acclamé".
En 1981, Tony Palmer a réalisé un film de l'opéra, tourné à Venise. Le ténor australien Robert Gard chanta le rôle principal, Peter Pears étant trop malade, mais les autres rôles majeurs furent chantés par leurs créateurs (John Shirley-Quirk et James Bowman), et l'English Chamber Orchestra fut dirigé par le chef d'orchestre original Steuart Bedford.
Le chef d'orchestre Guennadi Nikolaïevitch Rojdestvenski est né à Moscou le 4 mai 1931 à Moscou (Union soviétique) et décédé le 16 juin 2018, à Moscou également).
Guennadi Roschdestvenski était le fils du chef d'orchestre Nikolaï Pavlovitch Anossov et de la chanteuse Natalia Petrovna Roschdestvenskaïa. Il prit le nom de jeune fille de sa mère afin d'éviter toute apparence de népotisme dans la construction de sa propre carrière.
Roschdestvenski a d'abord suivi une formation musicale classique au Conservatoire de Moscou auprès du pianiste Lev Oborin. Son père lui a enseigné les rudiments de la direction d'orchestre. En 1951, il fait ses débuts de chef d'orchestre lors de la représentation du ballet Casse-Noisette de Piotr Ilitch Tchaïkovski au Théâtre Bolchoï. Jusqu'au début des années 1960, il a travaillé comme assistant au Théâtre Bolchoï et a dirigé plusieurs ballets.
De 1961 à 1974, il a dirigé l'Orchestre Symphonique de la radio de l'URSS. Roschdestvenski a été le premier chef d'orchestre à présenter des œuvres de Carl Orff, Paul Hindemith, Béla Bartók et Maurice Ravel en Union soviétique. En outre, il comptait parmi les rares chefs d'orchestre soviétiques autorisés à voyager à l'époque de la guerre froide et a dirigé en 1962, lors du festival d'Edimbourg, les premières occidentales des Symphonies n° 4 et 12 de Chostakovitch. De 1964 à 1970, il a également été directeur artistique du Bolchoï.
De 1974 à 1977, il est directeur artistique de l'Orchestre Philharmonique Royal de Stockholm, de 1978 à 1981, chef principal de l'Orchestre Symphonique de la BBC à Londres et de 1980 à 1982, chef principal de l'Orchestre Symphonique de Vienne. Il occupe ensuite ce poste jusqu'en 1992 avec l'Orchestre Symphonique du Ministère de la Culture de l'URSS et de nouveau avec l'Orchestre Philharmonique Royal de Stockholm de 1991 à 1995. En 1994, il devient président du conseil artistique du Bolchoï.
En 2000, il est à nouveau nommé directeur artistique du Théâtre Bolchoï. Il quitte ce poste en 2001 après une seule saison, après avoir essuyé de vives critiques pour sa mise en scène de l'opéra de Prokofiev Le Joueur.
Guennadi Rozhdestvenski était considéré comme l'un des plus grands interprètes de la musique russe et soviétique contemporaine.,En tant que spécialiste du répertoire russe du XIXe et surtout XXe siècle, Guennadi Rojdestvenski est et était l'ami de tous les compositeurs importants de son pays, notamment Dmitri Chostakovitch, Alfred Schnittke et Irina Schnittke, Sofia Goubaïdoulina, Edison Denisov, et proche des plus grands instrumentistes, notamment David Oïstrakh et Mstislav Rostropovitch.
Il est un peu moins à l'aise dans la musique du XVIIIe siècle, qu'il dirige pourtant également, affirmant toutefois que « Mozart se dirige tout seul ! ». Très précoce, le chef fut surnommé « super-génie » par Sergueï Prokofiev alors qu'il avait à peine vingt ans.
Il effectuait souvent de longues tournées en Europe, au Japon et aux États-Unis. Parmi les œuvres qui lui ont été dédiées, on trouve notamment la 1ère Symphonie d'Alfred Schnittke et la composition Voix... se taisent... de Sofia Gubaidulina. Il a laissé des enregistrements de près de 800 œuvres, dont toutes les symphonies de Haydn, Beethoven, Brahms, Sibelius, Bruckner, Mahler, Tchaïkovski, Glazounov, Prokofiev et Chostakovitch.
Roschdestvenski était marié à la pianiste Viktorija Postnikova.
Distinctions
1970 : Prix Lénine
1976 : Artiste du peuple de l'URSS
1990 : Héros du travail socialiste
1995 : Prix d'État de la Fédération de Russie
2014 : Commandeur de l'Ordre de l'Empire britannique
Le chef d'orchestre, compositeur, écrivain et pédagogue polonais Henryk Modest Czyż est né le 16 juin 1923 à Grudziądz et décédé le 16 janvier 2003 à Varsovie.
Il passe la fin de son enfance et sa jeunesse à Vilnius. C'est là qu'il suit ses premières leçons de musique avec son ami, le futur violoniste Jarosław Pacak, chez Emanuel Pacak, propriétaire d'un atelier de musique dans le quartier de Zwierzyniec à Vilnius.
De 1933 à 1940, il est étudiant au lycée des pères jésuites de Vilnius.
À partir de 1937, il dirige l'orchestre "Pocket Jazz" de cet établissement, où il joue du saxophone. Au début de l'occupation, cet ensemble se produit dans le célèbre restaurant "Biały Strahl" à Vilnius -il comprend de nombreux musiciens qui seront plus tard tenus en haute estime, notamment le pianiste-accompagnateur Marian Suchocki, connu des salles de concert et des émissions de télévision en République populaire de Pologne, le directeur de la Philharmonie de Wrocław Radomir Reszke, et le violoniste-concertmaster Jarosław Pacak.
Soldat de l'Armée de l'intérieur (AK), il est arrêté après avoir participé à l'opération Tempête (1944) et déporté avec des milliers d'autres au camp soviétique de Kaluga.
Après la guerre, il étudie le droit et la philosophie à l'Université Nicolaus Copernicus de Toruń (1946-1948), tout en collaborant avec W. Horzyca au Théâtre de Poméranie, et la direction d'orchestre (dans la classe de Walerian Bierdiajew) et la composition (dans la classe de Tadeusz Szeligowski) à l'École supérieure de musique de Poznań, d'où il sort diplômé en 1952.
Dans les années 1952-1953, il travaille comme chef d'orchestre à l'Opéra Stanisław Moniuszko de Poznań. De 1953 à 1957, il est le second chef du Grand Orchestre Symphonique de la Radio Polonaise.
Dans les années 1957-60 et 1972-80, il est directeur artistique et premier chef d'orchestre de la Philharmonie de Łódź, puis chef d'orchestre de l'Opéra de Varsovie, avant d'occuper le poste de directeur artistique et premier chef d'orchestre de la Philharmonie de Cracovie.
De 1962 à 1966, il enseigne la direction d'orchestre à l'École supérieure de musique de Cracovie. Il compte parmi ses élèves A. Pałka, Antoni Wit et Jerzy Salwarowski.
De 1971 à 1974, il est directeur musical (Generalmusikdirektor) à Düsseldorf. À la même époque, il est le créateur et le présentateur de l'émission de télévision populaire Nie taki diabeł straszny (Le diable n'est pas si effrayant), qui popularise la musique classique en Pologne sur TVP 1.
Entre 1980 et 1995, il a enseigné la direction d'orchestre à l'Académie de musique de Varsovie. Parmi ses élèves, citons Warcisław Kunc, José Maria Florêncio, Barbara Sobolczyk.
Il s'est produit dans presque tous les pays européens, en Amérique du Sud et aux États-Unis, et il a dirigé l'Orchestre Philharmonique de Leningrad, l'Orchestre Philharmonique de Berlin, l'Orchestre Philharmonique de Stockholm, l'Orchestre Philharmonique de Madrid, l'Orchestre de la BBC, l'Orchestre Santa Cecilia et d'autres encore. Il a enregistré un certain nombre d'albums pour Polskie Nagrania, Philips, Harmonia Mundi, Mielodija, Electrola, qui ont remporté des prix internationaux, notamment le Grand Prix du Disque et le Prix Edison pour son enregistrement de la Passion de Penderecki (Philips 1967), le Grand Prix Mondial pour son enregistrement quadriphonique du Paradis et de Peri de Schumann (Electrola 1974).
Le vaste répertoire de Czyz comprend de nombreuses formes d'oratorio, de la musique classique et contemporaine. Il a introduit un certain nombre d'œuvres de Stravinsky, Honegger, Debussy et d'autres sur les scènes d'opéra et de concert polonaises.
Entre 1966 et 1969, il a travaillé en étroite collaboration avec Krzysztof Penderecki, dirigeant les premières de Passions, Dies irae, Devils of Loudun et présentant ses œuvres dans de nombreux pays.
Il est enterré au cimetière militaire de Powązki à Varsovie.
L'IMEP annonce déjà ce qu'elle prépare pour la prochaine rentrée académique.
Dans le cadre d'une stratégie pédagogique axée sur "la pratique au cœur de l'apprentissage", un de ces projets phares est la création d'un « Studio Opéra » développé en collaboration avec l'Opéra Royal de Wallonie, dans le cadre leur synergie qui remonte déjà à plusieurs années.
Ce projet s'inscrit dans la continuité du développement de l'EVD, section d'élite d'art lyrique créée par l'IMEP, ainsi que dans la volonté de l'ORW d'établir un centre de perfectionnement lyrique. Les étudiants inscrits dans cette section auront l'opportunité de participer activement à plusieurs productions de l'Opéra, en jouant des rôles de petite envergure au début, puis en progressant vers des rôles de plus grande importance.
A partir de la saison 2023-24, l'IMEP délocalisera ses grands concerts dans des lieux tels que le Namur Concert Hall ou la salle namuroise du Delta. Ces collaborations viennent s'ajouter aux partenariats déjà existants et extrêmement fructueux entre le CAV&MA et l'IMEP.
Les étudiants bénéficieront ainsi d'une intégration accrue dans le monde professionnel, ainsi que de conditions idéales pour progresser et s’épanouir.
De nouvelles personnalités musicales intègreront l'équipe pédagogique dès le mois de septembre et d'autres projets verront le jour. Affaire à suivre...
La plus grande bibliothèque du monde a annoncé aujourd'hui qu'elle avait acquis les manuscrits musicaux et les documents du compositeur, chef d'orchestre et écrivain américain contemporain John Adams.
"Avoir mes archives sous la garde et la préservation de la Bibliothèque du Congrès est un grand privilège", a déclaré John Adams. "Au fil des ans, j'ai visité la Division de la musique, rencontré son brillant personnel et eu la chance de tenir dans mes mains des manuscrits de Brahms, Schoenberg, Bernstein et Charlie Parker, entre autres. En tant que compositeur américain -surtout avec un nom comme le mien- il me semble tout à fait normal que mes propres œuvres soient conservées par cette grande institution".
Né le à Bergen et mort le dans la même ville, le compositeur et pianiste norvégien de la période romantique découvre en 1863 le folklore norvégien et de ses danses paysannes qui feront de lui, toute sa vie, un militant inépuisable d'un art musical national. Grand harmoniste (auquel ne seront pas indifférents Claude Debussy, Maurice Ravel et Olivier Messiaen), maître de la petite forme (pièces pour piano), il composa ses œuvres les plus célèbres dans le domaine orchestral comme le Concerto pour piano en la mineur, et Peer Gynt, musique de scène composée pour le drame d'Henrik Ibsen.
Fils d'Alexander Grieg, négociant norvégien et vice-consul honoraire britannique à Bergen (dont la famille - au nom orthographié originellement Greig - est d'ascendance écossaise), et de Gesine Judithe Grieg (née Hagerup). Il est élevé dans une famille de musiciens ; sa mère, pianiste, son premier professeur de piano, lui donne ses premières leçons quand il a cinq ans et l'initie aux classiques et aux romantiques, Carl Maria von Weber, Frédéric Chopin et Felix Mendelssohn principalement. Il commence à composer vers l'âge de neuf ans.
Durant l'été 1858, Grieg rencontre le légendaire violoniste norvégien Ole Bull, qui est un ami de la famille et accessoirement le beau-frère de sa mère. Bull remarque les bonnes dispositions pour la musique du jeune homme de quinze ans, et persuade ses parents de l'envoyer au Conservatoire de Leipzig pour développer ses talents. Ole Bull secoue l'adolescent et lui dit : « Tu vas à Leipzig pour devenir un artiste ! ». À partir de l'automne 1858, Grieg suit donc l'enseignement des plus grands maîtres au conservatoire tel Carl Reinecke, Ernst Ferdinand Wenzel et Ignaz Moscheles, son ami de longue date. Il y entend beaucoup de grandes œuvres, comme le Concerto pour piano de Schumann, interprété par Clara Schumann.
Ses années de conservatoire ne lui laissent pas de très bons souvenirs car il y trouve l'enseignement dépourvu d'intérêt. En outre, il est atteint de pleurésie et souffre toute sa vie de troubles respiratoires. Malgré cela, quatre ans plus tard, il quitte l'institution avec de solides connaissances d'instrumentiste et de compositeur. Il donne son premier concert en 1862, dans sa ville natale de Bergen.
En 1863, Grieg part pour Copenhague, où il reste trois années. Les préceptes du conservatoire de Leipzig lui semblent encombrants et c’est à Copenhague qu’il développe sa vraie nature. Il y rencontre les compositeurs danois Johann Peter Emilius Hartmann et Niels Gade, ainsi que le compositeur de l'hymne national norvégien (Ja, vi elsker dette landet), Rikard Nordraak, qui devient pour Grieg un ami proche et une grande source d'inspiration. « Il me tomba des écailles des yeux », écrivit-il plus tard, « C'est par Nordraak que j'appris à connaître les chants populaires du Nord et même ma propre nature. Nous nous conjurâmes contre le scandinavisme efféminé de Gade, mâtiné de Mendelssohn, et nous nous engageâmes avec enthousiasme dans la voie nouvelle sur laquelle marche à présent l'école du Nord … ». Il lui donne en effet le goût de la musique traditionnelle norvégienne, étant lui-même passionné par l'histoire, les légendes et les mélodies folkloriques de son pays. Nordraak meurt peu de temps après, Grieg compose alors une marche funèbre en son honneur.
Durant son séjour au Danemark, Grieg se fiance avec la cantatrice Nina Hagerup, qui n'est autre que sa cousine. Il l'épouse en 1867. L'année suivante, ils donnent naissance à leur unique fille, Alexandra. Durant l'été 1869, l'enfant tombe malade et meurt à l'âge de dix-huit mois. Après la mort de sa fille, il n'aura pas d'autre enfant. Il rencontre divers compositeurs, notamment Franz Liszt, Richard Wagner, Piotr Ilitch Tchaïkovski et Johannes Brahms.
Il s'installe à Christiana (Oslo), où il fonde l'Académie norvégienne de musique en 1867. Dès lors, Grieg n'a de cesse qu'il ne connaisse les innombrables mélodies authentiques que l'organiste Ludvig Mathias Lindeman avait patiemment collectées et soigneusement publiées de 1853 à 1867 sous le titre Aeldre og nyere norske Fjeldmelodier. Dans le même temps, il s'applique à retrouver les rythmes enjoués de ces ganger, halling et autres springar dansés par les paysans au son de cette curieuse et primitive viole d'amour appelée « hardangfidle ». Aussi n'est-il pas surprenant que les premières œuvres vocales et pianistiques de Grieg portent la marque indélébile de ces découvertes.
Tout en assurant la direction de l'Orchestre Philharmonique d'Oslo dont son ami, le compositeur norvégien Johan Svendsen, va devenir un éminent chef, Grieg compose abondamment : après les Humoresques et les premières Pièces lyriques éditées en 1867, suivent le fameux Concerto pour piano et orchestre en la mineur, les Mélodies norvégiennes et les Scènes de la Vie populaire.
Pendant l'hiver 1869-1870, Grieg séjourne à Rome auprès de Franz Liszt qui l'encourage dans la voie qu'il s'est tracée et donne à sa technique du piano une dimension nouvelle. En 1870, il commence une collaboration avec Bjørnstjerne Bjørnson qui rédige plusieurs livrets. Dès 1872, il peut se consacrer définitivement à la composition : en lui servant une solide rente viagère, l'État norvégien le dégage de toute obligation, l'honore et en fait implicitement un ambassadeur artistique.
De sa collaboration avec Henrik Ibsen naît la musique de scène de Peer Gynt, en 1876, qui connaît un extraordinaire succès, qu'il ne parvient pas à renouveler lors d'une tentative similaire avec le Sigurd Jorsalfar de Bjørnstjerne Bjørnson. Grieg abandonne alors tout espoir de réaliser cet opéra national dont il rêvait.
De 1876 à 1885, il traverse une période de crise. Il préfère alors se pencher sur le folklore et pour se tenir plus près de sa région d'origine, il se fixe en 1885 à Hop, au sud de Bergen, où il fait construire sa villa baptisée Troldhaugen. Là, il écrit une célèbre Suite pour cordes, destinée à la célébration du bicentenaire de la naissance du poète Ludwig Holberg.
Paris l'accueille entre 1889 et 1890, en 1894 puis en 1903. Son Concerto pour piano, que joue Raoul Pugno, et les suites de Peer Gynt qu'il dirige lui-même obtiennent un très bon accueil. Partout où il passe, en Angleterre, en Italie, aux Pays-Bas, en Hongrie, en Pologne ou en Allemagne, ses tournées sont triomphales.
Miné par une tuberculose pulmonaire, Grieg meurt le , couvert d'honneurs et salué comme l'un des grands bienfaiteurs de cette Norvège désormais libre.
Son génie mélodique, la qualité de son écriture pianistique, l'audace de ses harmonies, qui parfois annoncent Claude Debussy, et enfin son inspiration nationale font de Grieg, une sorte de Frédéric Chopin scandinave.
Le chef d'orchestre allemand Georg Enoch Robert Prosper Philipp Franz Karl Theodor Maria Heinrich Johannes Luitpold Hartmann Gundeloh Freiherr von und zu Guttenberg est né le 29 juillet 1946 et décédé le 15 juin 2018.
Musicien de lignée aristocratique, il est né dans le village de Guttenberg sur le domaine familial et il a hérité d'un grand domaine viticole.
Il était le fils de Karl Theodor Freiherr von und zu Guttenberg, devenu plus tard secrétaire d'État parlementaire à la Chancellerie fédérale, et de son épouse Rosa Sophie Princess von Arenberg. Marié à Christiane von und zu Eltz de 1971 à 1977, il ont eu deux fils. Il avait épousé ensuite la chef italo-bulgare Ljubka Biagioni (°Rome, 1968) et était désormais le compagnon de la soprano allemande Susanne Bernhard (°Munich, 1978).
Il a étudié la composition et la direction d'orchestre à Munich et à Salzbourg, fondé la communauté chorale de Neubeuern en 1967 puis il a été nommé chef de l'orchestre Klangverwaltung avec qui il a beaucoup enregistré.
En 1999, il a fondé le Festspiele Herrenchiemsee qui allait avoir lieu désormais chaque année sous sa direction artistique. Il a beaucoup travaillé avec les orchestres allemands et n'a jamais fait mystère de ses vues conservatrices sur les questions sociales et culturelles.
Très engagé en faveur de la protection de l'environnement, il avait co-fondé en 1975 la Fédération allemande pour l'environnement et la conservation de la nature (BUND) dont il a démissionné avec fracas en 2012. Il était membre du CA de la Fondation ÖDP pour l'écologie et la démocratie.
En 2015, il est devenu président d'honneur de l'Association pour la gestion des paysages et la conservation des espèces en Bavière (VLAB).
Enoch zu Guttenberg a reçu plusieurs prix dont la Croix fédérale du Mérite de 1ère classe, la Médaille de l'État bavarois pour services à l'environnement (2009) et l'Ordre du Mérite bavarois. En avril 2018, il avait été parmi les tout premiers à réagir et rendre son Prix ECHO Klassik après le "sacre" des rappeurs Kollegah et Farid Bang, un événement dont on se souvient qu'il a rapidement entraîné des réactions en chaîne jusqu'à l'annonce de la dissolution définitive des ECHO Klassik.
Sir Thomas Henry Wait Armstrong (né le à Peterborough et mort le à Olney) est un organiste, chef d'orchestre, compositeur et pédagogue britannique. Il est issu d'une famille de musiciens et il commence sa carrière comme organiste d'église et de cathédrale. À partir des années 1920, il est broadcaster pour la BBC, donnant ainsi des conférences et jouant.
Alors qu'il est organiste et membre du corps professoral de Christ Church à Oxford, Armstrong combine le travail académique avec la pratique de la musique, en tant qu'organiste et chef d'orchestre.
De 1955 à 1968, il est directeur de la Royal Academy of Music (RAM) de Londres, où il est connu pour son souci du bien-être de son personnel et de ses étudiants et ses efforts pour renforcer les liens avec les écoles de musique étrangères.
Thomas Armstrong est né à Peterborough, l'aîné de trois enfants et le fils unique d'Amos Ebenezer Armstrong (1878–1950) et de sa femme Elizabeth Annie West, née Handford (1880–1939). Sa mère est une ancienne directrice et son père est une figure de proue de la vie musicale de Peterborough, maître de musique à la King's School, organiste et chef de chœur à l'église Sainte Augustine de Woodston, et chef d'orchestre des sociétés locales d'opéra, d'orchestre et de chorale. Le jeune Armstrong est choriste à la Chapelle Royale du Palais St James de 1907 à 1910, période pendant laquelle il chante aux funérailles du roi Édouard VII à l'Abbaye de Westminster.
En 1912, Thomas Armstrong est nommé organiste de l'Abbaye de Thorney et, l'année suivante, il est stagiaire auprès de Haydn Keeton, organiste de la Cathédrale de Peterborough. Un autre apprenti, Malcolm Sargent, connu plus tard comme chef d'orchestre, devient un ami proche. Ils aiment tous deux faire remonter leur ascendance musicale à Mozart : Keeton a fait son stage chez George Elvey, qui a fait son stage chez Thomas Attwood, qui a fait son stage chez Mozart.
En 1915-1916, Thomas Armstrong est organiste assistant à Peterborough pendant un an avant d'être élu organiste au Keble College d'Oxford.
Ses études sont interrompues par le service en France pendant la Première Guerre mondiale ; il s'enrôle dans l'Artillerie royale en 1916, avant d'être mis en service vers la fin de la guerre4. Pendant son service de guerre il rencontre Ralph Vaughan Williams, qu'Armstrong décrit plus tard comme « la plus grande influence que quiconque sur ma vie » (the greatest influence of anybody on my life). Armstrong reste en France pendant quelques mois après la cessation des hostilités, ne retournant en Angleterre qu'en 1919 ; il a loué une chambre avec un piano à Cambrai pour se remettre au travail.
Après la guerre, Thomas Armstrong termine ses études, étudiant la musique avec Hugh Allen et l'orgue avec Henry Ley à Christ Church. Il obtient un Bachelor of Arts en histoire moderne en 1921 et son Bachelor de musique en 1922.
Après avoir quitté Oxford en 1922, Thomas Armstrong prend brièvement un poste à la Cathédrale de Manchester comme organiste assistant, période pendant laquelle il travaille avec Hamilton Harty. L'année suivante, il est nommé organiste de l'église Saint-Pierre dans le quartier d'Eaton Square de Londres. Pendant cette période, il étudie au Royal College of Music avec Gustav Holst et Ralph Vaughan Williams. En 1926, Armstrong épouse Hester Draper, fille du révérend William Henry Draper, maître du temple. Ils sont mariés pendant 52 ans et ont deux enfants : Robert (plus tard baron Armstrong d'Ilminster) (1927-2020) et Helen Hilary (née en 1930).
En 1927, Thomas Armstrong fait sa première émission, dans un récital d'orgue pour la BBC, jouant de la musique allant de Buxtehude à Stanford et Parry ; sa longue association avec la BBC comprend de nombreux entretiens à la radio sur des sujets tels que la musique britannique. En 1928, il achève les trois compositions requises pour l'attribution d'un Dmus : A Passer-By (une rhapsodie pour baryton, chœur et orchestre), un Fantasy Quintet (pour cordes et piano), et Friends Departed (pour soprano, chœur et orchestre). De 1928 à 1933, il est organiste de la Cathédrale d'Exeter, poste qu'il occupe en parallèle avec la direction de la musique au Collège universitaire du Sud-Ouest.
Thomas Armstrong retourne à Oxford en 1933 en tant qu'organiste de la Christ Church, succédant à William Harris qui a été nommé à la Chapelle Saint-Georges de Windsor. Il est également chef d'orchestre de l'Oxford Orchestra et de l'Oxford Bach Choir, et président du Musical Club and Union. En 1939, le conseil d'administration de Christ Church l'élit étudiant (l'équivalent d'une bourse dans d'autres collèges), le premier organiste à recevoir cet honneur. Son fils écrit qu'Amstrong « a trouvé la communauté universitaire au sens large profondément sympathique, en particulier la salle commune senior de Christ Church… Pour lui, Oxford était et est restée une maison spirituelle » (found the wider academic community deeply congenial, especially the Senior Common Room at Christ Church … For him, Oxford was, and remained, a spiritual home). À la mort d'Allen, après un accident de la route en 1946, Armstrong espère être nommé pour lui succéder en tant que professeur de musique à l'université, mais le poste est confié à Jack Westrup.
En 1955, Thomas Armstrong est nommé directeur de la Royal Academy of Music. The Times commente plus tard cette période :
Il était tout à fait typique d'Armstrong qu'à ce stade, âgé de 57 ans, il se mette à jouer de la contrebasse, recevant des leçons de l'un de ses propres collaborateurs. Soutenu par sa femme Hester, qui a fourni un refuge de confort et d'affection à des milliers d'étudiants, il a guidé les fortunes souvent chancelantes de l'Académie avec sagesse, prévoyance et humanité pendant les 13 années suivantes.
En plus de son souci du bien-être de ses étudiants et de son personnel, Thomas Armstrong s'est efforcé de développer des liens entre la RAM et les conservatoires de musique d'autres pays européens.
En plus de ses fonctions de RAM, Thomas Armstrong intervient significativment dans d'autres aspects de la vie musicale britannique. Il est conseiller principal du Delius Trust, président de la Royal Philharmonic Society, membre du Countess of Munster Trust, membre du conseil d'administration du Royal Opera House, gouverneur de l'Old Vic - Sadler's Wells Foundation, président des gouverneurs de la Central Tutorial School for Young Musicians (fondée en 1962), aujourd'hui rebaptisée Purcell School, et président du Musicians Benevolent Fund.
Thomas Armstrong est fait Chevalier en 1958 et prend sa retraite en 1968, alors qu'il a 70 ans. Sa femme et lui déménagent dans le village de Newton Blossomville dans le Buckinghamshire, près de la frontière du Bedfordshire. Là, il forme et dirige une chorale de village qui remporte plusieurs prix dans des festivals de musique. Après la mort de sa femme en 1982, il s'installe à Olney, à quelques kilomètres de là, partageant un cottage avec Rosemary Rapaport, son ancienne collègue de la RAM. Robert Armstrong rappelle qu'à Olney, alors qu'il a déjà 90 ans, Thomas Armstrong « était ravi d'être sollicité, comme le vieil homme d'East Street qui joue de l'orgue, pour jouer pour la messe à l'église catholique romaine locale pendant six mois ».
Thomas Armstrong décèdera chez lui à Olney à l'âge de 96 ans.
Thomas Armstrong est modeste à propos de sa musique, bien qu'il ait composé toute sa vie, malgré les autres exigences de son temps. Pour son entrée dans le Who's Who, il s'est limité à sept mots sur le sujet : "Compositions : diverses, les plus grandes restent inédites". Il a admis qu'il n'avait pas respecté le conseil de Vaughan Williams selon lequel « si vous écrivez un peu de musique au mieux de vos capacités chaque jour de votre vie, vous écrirez un bon morceau avant de mourir » (if you write a little bit of music to the best of your ability on every day of your life you will write one good piece before you die). Il a continué à composer jusqu'à ses 90 ans : « J'essaie toujours d'écrire un peu de musique dans mon idiome désuet. Mais je suppose que rien n'est aussi désuet que ce qui était avant-gardiste il y a cinq ans » (I still try to write a little music in my antiquated idiom. But I suppose nothing is so antiquated as what was avant-garde five years ago).
Thomas Armstrong a composé 25 hymnes, chants, services et un grand nombre de chansons. Les œuvres profanes ambitieuses composées pour son doctorat sont restées ininterprétées jusqu'à sa mort, lorsqu'elles ont été enregistrées sur un CD Chandos. Son biographe Richard Stoker écrit qu'Armstrong « appartenait à la douce tradition anglaise de Parry, Vaughan Williams, Howells et Finzi ».