Le prix de composition Busoni est décerné cette année au compositeur chilien Maximiliano Alejandro Soto Mayorga, qui vit en Allemagne. La compositrice américaine Laureen Siess reçoit le prix d'encouragement. La remise des prix, accompagnée d'un concert, aura lieu le samedi 30 novembre 2024 à l'Akademie der Künste de Berlin, sur la Pariser Platz. Les laudations seront prononcées par les membres de l'Académie de la section Musique Chaya Czernowin, Hanna Hartman et Cornelius Schwehr. Le président de l'Académie Manos Tsangaris accueille. L'ensemble Mosaik et Alexey Potatov joueront, sous la direction de Magnus Loddgard, des compositions des deux lauréats et de Ferruccio Busoni, qui a donné son nom au prix.
Dans sa composition pour la première fois, Laureen Siess explore la logique d'un écosystème imaginaire avec des sons de guitare électrique.
Dans ses compositions hétérogènes, Soto Mayorga s'efforce de dépasser l'(im)possibilité de concevoir le nouveau, en combinant des éléments aussi divers que la pensée sérielle, la tonalité traditionnelle, la musique noise et la musique de rue et de cirque latino-américaine.
En mémoire du fondateur du prix, Aribert Reimann, compositeur et membre de l'Académie, décédé cette année, on entendra en outre sa puissante composition pour piano Spektren, composée à ses débuts.

Du 12 au 22 juin, le festival de musique mettra en lumière les processus de transformation de l'œuvre de Jean-Sébastien Bach. Le programme, qui comprend pour la première fois plus de 200 événements sous la devise « Transformation », est plus vaste et plus varié que jamais et mêle des concerts traditionnels à des formats expérimentaux et interdisciplinaires. La transformation n'est pas seulement un concept clé de la culture des débats actuels, mais elle est aussi profondément ancrée dans la musique de Bach - dans les Passions, la Messe en si mineur ou par le biais du procédé de parodie qui a placé les compositions de Bach dans de nouveaux contextes. Bach étudiait activement la musique de ses contemporains européens afin de développer son propre style.

Au cœur du Bachfest Leipzig 2025 se trouvent ses propres œuvres et celles d'autres compositeurs, que Bach a soumises à des processus de transformation, ainsi que des compositions dans lesquelles il a imité et adapté différents styles européens. De nombreux formats de concert nouveaux et surprenants font également honneur à la devise du festival « Transformation ».

2024 a été une année cruciale pour le Comité AMUR, qui a renforcé son rôle dans la promotion de la musique classique grâce à des projets innovants et inclusifs. Des initiatives telles que le festival Musica con Vista, le concours Nuovi Talenti et la plateforme européenne MERITA ont contribué à valoriser le patrimoine artistique et culturel, en rendant la musique de chambre accessible à un public de plus en plus large et diversifié.

Musica con Vista, qui en est à sa cinquième édition, a donné des concerts dans les lieux historiques les plus évocateurs d'Italie, associant musique et tourisme culturel grâce à la collaboration de partenaires tels que Le Dimore del Quartetto, la FAI et le Touring Club Italiano.

Avec le concours Nuovi Talenti, AMUR a offert une vitrine exceptionnelle aux jeunes musiciens, favorisant les rencontres et les collaborations avec les principales sociétés de concerts italiennes.

La promotion de la plateforme européenne MERITA, récompensée par Europe Créative, a consolidé le réseau international du Comité, en introduisant des innovations telles que le calculateur de CO2 pour les événements durables.

AMUR a également élargi son engagement social, en apportant la musique dans les écoles, les communautés périphériques et les contextes fragiles, démontrant comment l'art peut être un moteur d'inclusion et de cohésion. Tourné vers l'avenir, le Comité entend continuer à innover, à promouvoir une culture accessible et durable, capable de combiner tradition et modernité sur la scène musicale internationale.

Le 3 janvier, le Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) inaugurera sa programmation 2025 avec le 30e anniversaire de l'Orquesta Joven de Andalucía (OJA) et de l'ensemble Neopercusión. Le concert aura lieu à l'Auditorio Nacional de Música de Madrid, dans le cadre du cycle Series 20/21.

Le programme réunira Les neuf symphonies de Beethoven de Louis Andriessen (1939-2021), qui intègre des éléments de jazz, de minimalisme et de pop ; Speaking Drums d'Eötvös, une œuvre pour percussion et orchestre pleine de sonorités indiennes classiques ; et La noche de los mayas de Silvestre Revueltas, un hommage à la richesse de la culture indigène mexicaine, qui s'achèvera par une improvisation avec 13 percussionnistes. Jaume Santonja occupera le podium et Juanjo Guillem, leader de Neopercusión, sera le soliste.

Depuis sa création en 1994, l'OJA est une plateforme essentielle pour le développement des jeunes musiciens andalous, facilitant l'accès à des carrières professionnelles dans le domaine symphonique. Pour sa part, Neopercusión, également fondé en 1994, s'est distingué par son engagement en faveur de la musique contemporaine, en commandant et en créant de nombreuses œuvres de compositeurs contemporains.

Le Long Beach Opera a dévoilé son ambitieux programme 2025 entièrement consacré aux œuvres de la compositrice queer pionnière Pauline Oliveros.

James Darrah, directeur artistique du Long Beach Opera, a déclaré que le public aura la chance de découvrir le point de vue unique d'Oliveros sur l'opéra. « Nous avons vraiment commencé à penser que c'était une idée intéressante de montrer le travail audacieux et varié d'une femme, et qu'il n'y a pas deux pièces identiques », a déclaré Darrah.

Mme Darrah a décrit Mme Oliveros comme une artiste homosexuelle mexicaine-américaine de Houston (Texas), curieuse sur le plan musical, qui s'est finalement installée à San Francisco et a participé à la fondation du San Francisco Tape Music Center en 1962.

« Cette période est marquée par des pièces de théâtre passionnantes qui font appel à la danse, au son et à l'art visuel. Plus tard dans sa vie, certaines de ses pièces sont simples, dépouillées, avec une voix humaine ou un instrument, et des couches de son », a déclaré Mme Darrah.

Oliveros est également connue pour avoir créé une pratique appelée Deep Listening (écoute profonde) qui distingue l'écoute de l'audition. Cette pratique est enseignée dans les écoles, les ateliers et d'autres lieux de musique. Son travail s'étend sur plus de 50 ans. Elle est décédée en 2016.

Son partenaire de vie et de création, le dramaturge IONE, mettra en scène la dernière composition d'Oliveros, The Nubian Word For Flowers : A Phantom Opera....

L'Opéra d'État de Berlin a communiqué ce soir que son ancien directeur musical, Daniel Barenboim, ne pourra pas diriger les concerts d'abonnement de cette semaine « pour des raisons de santé ».

Philippe Jordan dirigera un promramme inchangé.

L'Ange de feu op. 37, est un opéra en cinq actes sur un livret écrit par le compositeur lui-même, créé sur scène en 1955 à Paris. L'histoire s'inspire du roman « L'Ange de feu » du poète russe Valery Brioussov paru en 1907.

Cet opéra, composé entre 1919 et 1927, n'est créé (en traduction française et non en russe) que le 25 novembre 1954 en version concert au Théâtre des Champs-Élysées, à Paris, soit un an et demi après la mort du compositeur. La direction y est assurée par le chef d'orchestre hongrois Charles Bruck.

Il faut attendre le 29 septembre 1955 pour que l'ouvrage soit créé sur scène, cette fois à Venise. Le rôle de Renata est assuré par Dorothy Dow.

L'opéra est distribué en cinq et sept tableaux dans sa version définitive. L'histoire sérieuse et tragique, autour du personnage de Renata, est entrecoupée par des interventions -« l’élément bouffon »- sur le ton de la farce par les personnages de Faust et le démon Méphistophélès.

 Sergueï Prokofiev réemploie par la suite de nombreux passages de la partition de L'Ange de feu dans sa Symphonie n° 3 en ut mineur, op. 44, de 1928.

Mile Kosi, altiste et pédagogue slovène, * 30 juillet 1944, Ljubljana, † 25 novembre 2014, Ljubljana.

De 1963 à 1980, il a été altiste soliste dans l'Orchestre Symphonique de la RTV Slovénie et, de 1980 jusqu'à sa retraite en 2009, dans l'Orchestre Philharmonique de Cologne. Il a également continué à donner des cours à l'Académie de musique de Ljubljana.

Sa veuve est la harpiste slovène Ruda Ravnik Kosi.

 

Début décembre, NEST, le nouveau lieu de représentation de l'Opéra d'État de Vienne, ouvrira ses portes dans le Künstlerhaus. Le 7 décembre, le premier opéra pour enfants y sera créé : Dit la baleine au thon. Cette création -il s'agit d'une œuvre de commande- raconte une merveilleuse histoire sur l'appartenance et l'exclusion, sur la force d'une blague et sur la nécessité de l'amitié et de l'amour. Les premières dates jusqu'à Noël sont déjà presque complètes, à partir du 27 décembre, pendant les vacances de Noël, il y aura des dates supplémentaires avec des capacités (encore) disponibles.

Roméo et Juliette (op. 17 = H. 79) est une symphonie dramatique d'après la tragédie homonyme de Shakespeare. Le livret en vers a été écrit par Émile Deschamps d'après un canevas en prose dû au compositeur. L’œuvre a repoussé les limites des capacités de l'orchestre contemporain, en termes de couleur, de portée programmatique et de virtuosité individuelle.

L'oeuvre a été donnée pour la première fois au Conservatoire de Paris le 24 novembre 1839 avec, comme solistes, Alexis Dupont, Alizard et Mme Widemann (qui remplaçait Mme Rosine Stoltz).

L'œuvre est dédiée à Niccolò Paganini, qui avait fait remettre au compositeur français un chèque de 20.000 francs après avoir assisté en décembre 1838 à un concert au cours duquel Berlioz avait dirigé la Symphonie fantastique et Harold en Italie.

L'inspiration initiale vint d'une représentation de « Roméo et Juliette » (dans la version remaniée de David Garrick) au théâtre de l'Odéon, à Paris. Harriet Smithson, qui a aussi inspiré la Symphonie fantastique, faisait partie de la troupe. Dans ses « Mémoires », Berlioz décrit l'effet électrisant du drame.

La gamme de sentiments, d'émotions autant que les inventions poétiques et formelles que Berlioz trouve chez Shakespeare ont eu une forte influence sur sa musique, qui rend cette adaptation directe d'une de ses œuvres naturelle. En fait, il avait prévu la réalisation de Roméo et Juliette longtemps avant 1838 mais d'autres projets l'ont occupé dans l'intervalle. Émile Deschamps a indiqué avoir travaillé avec Berlioz sur la symphonie peu de temps après la saison 1827-1828 de l'Odéon. En effet il est probable que la genèse de Roméo et Juliette soit liée à la composition d'autres œuvres écrites avant son séjour pour le Prix de Rome en 1830-1832. Ainsi s'explique que Sardanapale, la cantate avec laquelle Berlioz obtint enfin le Prix de Rome en 1830, inclut des mélodies de la partie Roméo seul du second mouvement et de la Grande fête chez Capulet.

Il y a de nombreux indices qui donnent à penser que Berlioz concevait petit à petit un schéma pour Roméo et Juliette durant son séjour en Italie. En février 1831, dans un compte rendu de I Capuleti e i Montecchi de Bellini, il souligne comment il composerait une musique pour Roméo et Juliette : le combat d'épée, un concert pour l'amour, les piquantes bouffonneries de Mercutio, la terrible catastrophe, et le serment solennel des deux familles rivales. Un court passage de ce texte figurera d'ailleurs dans le livret de la symphonie.

Le dispositif scénique qu'il y emploie est un élargissement de celui que Berlioz avait testé dans Lélio : dans ce monodrame lyrique, l'orchestre était placé sur la scène derrière le rideau, tandis que l'acteur prenait place sur le proscenium. La musique, entendue de façon acousmatique, était celle qui résonnait dans l'imaginaire du personnage. Dans Roméo et Juliette, Berlioz conserve la même disposition (orchestre sur la scène, personnages, c'est-à-dire les Capulets, les Montaigus et les habitants de Vérone sur le proscenium). Il supprime le rideau et demande qu'on éteigne les feux de la rampe. Deux espaces sont ainsi organisés et tout l'enjeu de l'œuvre est d'unifier visuellement musique symphonique et jeu théâtral.

Berlioz veut évoquer le drame de Shakespeare, mais sans montrer les personnages éponymes : comme il le dit dans sa Préface, leur amour est trop "sublime" pour pouvoir être représenté par des comédiens ou des chanteurs. C'est aussi une manière de démontrer la puissance évocatrice de la musique symphonique, capable de faire exister des "personnages" de théâtre à part entière, sans jamais les montrer sur la scène. Ce faisant, l'œuvre peut aussi être considérée comme une réponse berliozienne et théâtrale à la 9e Symphonie de Beethoven, avec choeurs. Les pièces instrumentales y suivent le schéma d'une symphonie (allegro, mouvement lent, scherzo, finale), mais Berlioz insère des épisodes chantés puis dramatiques. Le final est écrit comme un finale d'opéra, à ceci près qu'il n'est pas prévu de mise en scène. Mais cette œuvre "multiple" inspire aussi les chorégraphes. Maurice Béjart compose une chorégraphie interprétée par les Ballets du XXe siècle, qui est donnée au Palais des Sports le 21 décembre 1966. Sasha Waltz, à son tour compose une mise en scène-ballet pour la représentation dirigée par Valery Gergiev àl'Opéra Bastille en 2007.