La Rhapsodie sur un thème de Paganini en la mineur, opus 43, est une œuvre de musique concertante pour piano et orchestre. Selon les indications notées sur la partition, elle a été composée entre le 3 juillet et le 18 août 1934. Cette œuvre grandiose est connue du grand public grâce à sa dix-huitième variation, expression ultime et emblématique du romantisme tardif de Rachmaninov.

L'œuvre porte le titre de rhapsodie mais elle est bâtie en vérité sur le principe du thème et variations. Rachmaninov y enchaîne vingt-quatre variations sur le Caprice pour violon seul n° 24 de Niccolò Paganini. Avant Rachmaninov, Johannes Brahms dans ses Variations sur un thème de Paganini, et Franz Liszt dans ses Six Études d'après Paganini notamment avaient déjà exploité ce thème.

Bien que l'œuvre soit exécutée d'un seul tenant, on peut néanmoins la diviser en trois sections qui correspondent à peu près aux trois mouvements d'un concerto. Avec la variation XI se termine ce qu'on peut voir comme le premier mouvement, les variations 12 et 18 ouvrent et clôturent le second (mouvement lent), et les dernières variations composent un finale. Contrairement aux conventions, Rachmaninov a eu l'idée de faire entrer la première variation avant le thème.

La Rhapsodie est une des sept pièces de Rachmaninov qui citent la mélodie du Dies iræ (certains suggèrent que c'est une référence à la légende selon laquelle Paganini aurait vendu son âme au diable contre sa virtuosité prodigieuse et l'amour d'une femme).

La création de l'œuvre eut lieu le 7 novembre 1934 à l'Opéra lyrique de Baltimore (États-Unis). Rachmaninov était au piano (le compositeur russe étant un fameux interprète de ses propres œuvres), accompagné par l'Orchestre de Philadelphie dirigé par Leopold Stokowski.

 

Dmitri Yakovlevitch Pokrass (7 novembre 1899 à Kiev - 20 décembre 1978 à Moscou) est un musicien soviétique, compositeur de marches militaires, de chants de masse, de musiques de films ainsi que de chansons légères d'Estrada.

Il a commencé sa carrière musicale en tant que soldat dans la Première armée à cheval. C'est à cette époque qu'il a notamment composé la Marche de Boudjonny (1920, paroles de A. D'Aktil), l'un des premiers chants soviétiques, qui est devenu célèbre dans tout le pays. Il a travaillé comme compositeur, chef d'orchestre et pianiste. Avec son frère Daniil Yakovlevitch Pokrass (30 novembre 1905 à Kiev -16 mars 1954 à Moscou), il a écrit la musique d'une série de longs métrages. Il a obtenu le prix d'État de l'URSS en 1941 pour sa musique de film pour « Nous de Kronstadt » (Мы из Кронштадта, 1936) et « Si demain il y a la guerre » (Если завтра война, 1938). Certains de ces films ont également été doublés en allemand et sont devenus célèbres, surtout en RDA, notamment « Jeune vie » (Трактористы ; 1939 ; réalisateur : Ivan Pyrjew) et « Fille de caractère » (1939 ; réalisateur : Konstantin Judin). De 1936 à 1972, Dmitri Ja. Pokrass dirige l'orchestre de danse de la Maison de la culture des cheminots. Il est devenu membre du PCUS en 1940 et a été nommé Artiste du peuple de la RSFSR en 1963, puis Artiste du peuple de l'URSS en 1975. En 1973, il a reçu la médaille d'or A.-V. Alexandrov.

De nombreux chants populaires proviennent du groupe Pokrass, notamment « Moscow May » (tiré du film Twenty May, 1937), « Farewell » (en fait « Farewell Komsomol », 1938), « March of the Tankers » et « Three Tankers » (tirés du film Junges Leben / Tractor Drivers, 1938).

 

 

Mikhaïl Mikhaïlovitch Ippolitov-Ivanov (en russe : Михаил Михайлович Ипполитов-Иванов) est un compositeur et pédagogue russe, né le 7 novembre 1859 à Gatchina (près de Saint-Pétersbourg) et décédé le 28 janvier 1935 à Moscou.

Il ajoute à son nom le nom de sa mère afin de n'être pas confondu avec le compositeur et critique musical Mikhaïl Ivanov (1849-1927). Enfant de chœur à la cathédrale Saint-Isaac de Saint-Pétersbourg, il entre au Conservatoire et apprend la composition (1875) avec Rimski-Korsakov et obtient son diplôme en 1882.

Il enseigne à l'École de musique de Tiflis (aujourd'hui Tbilissi, capitale de la Géorgie) dans le Caucase dont il devient le directeur jusqu'en 1893. Il trouve un grand intérêt dans la musique traditionnelle caucasienne et beaucoup de ses œuvres sont empreintes des couleurs mélodiques et rythmiques teintées de sonorités un peu orientales de cette région.

Tchaïkovski le recommande pour prendre la place de professeur de composition au Conservatoire de Moscou en 1893 et en 1906, il en prend la direction jusqu'en 1922. Il a parmi ses élèves les compositeurs Reinhold Glière et Sergueï Vassilenko. Il prend aussi la direction de la Société chorale (1895-1901).

À partir de 1899, il est chef d'orchestre à l'Opéra privé de Savva Mamontov de Moscou et en 1925, il dirige l'orchestre du Théâtre Bolchoï de Moscou. Il est promu Artiste du Peuple en 1922.

En dehors de la Russie, il est surtout connu pour sa suite symphonique intitulée Esquisses caucasiennes, opus 10 (1895).

L'Orchestre Philharmonique de Malaisie a la terrible réputation de maltraiter les musiciens et les chefs d'orchestre étrangers. Après avoir licencié la plupart de ses musiciens occidentaux, l'orchestre a fait l'objet d'un boycott international, ce qui n'a pas découragé les chefs d'orchestre.

Claus Peter Flor, Fabio Mechetti et Jun Märkl ont été pris au piège de la direction musicale.

Aujourd'hui, l'orchestre a nommé Junichi Hirokami comme prochain directeur musical.

Hirokami, 66 ans, travaille avec l'orchestre symphonique de Kyoto.

Le Rundfunkchor Berlin a prolongé le contrat de son chef d'orchestre Gijs Leenaars jusqu'au 31 juillet 2027. Le Néerlandais de 46 ans, qui marque de manière décisive l'orientation musicale du chœur en tant que directeur artistique depuis la saison 2015-16, restera donc à la tête du célèbre ensemble au cours des deux prochaines années et terminera son mandat avec la saison 2026-27.
« Je me réjouis énormément de la poursuite de la collaboration fructueuse avec Gijs Leenaars. Lui et le Rundfunkchor montrent, par leur extraordinaire compétence musicale et leur capacité de transformation, comment préserver l'héritage de la grande musique chorale tout en touchant une nouvelle génération avec des formats inhabituels et avant-gardistes », déclare Anselm Rose, directeur général de la Rundfunk Orchester und Chöre GmbH Berlin (ROC).

Caterina Barbieri sera la directrice artistique de la section Musique de la Biennale de Venise. Une autre femme, donc, à la tête de la musique, après le mandat de quatre ans mené par Lucia Ronchetti. Cette nomination complète la triade des directeurs des secteurs DMT de l'institution vénitienne après la nomination de Willem Dafoe au Théâtre et la confirmation de Wayne McGregor à la Danse. Sur décision de l'actuel président Pietrangelo Buttafuoco, les trois directeurs artistiques ne resteront en fonction que pour la période de deux ans 2025-26.

La nomination de Caterina Barbieri, qui a surpris, est « un signe de confiance dans l'intelligence et le génie des nouvelles générations, véritables antennes du futur » selon le président Buttafuoco, qui a également souligné comment « la formation classique combinée à l'expérimentation et à l'utilisation des technologies les plus innovantes fait de Caterina Barbieri un lien vivant entre les époques, les styles et les secteurs ». Toujours selon le président, « son approche de recherche sincère et de curiosité à l'égard de la scène musicale contemporaine lui donnera l'occasion de construire un festival ici, à Venise, capable d'attirer un public nouveau et plus large », soulignant que, malgré son jeune âge, Caterina Barbieri a derrière elle une carrière internationale consolidée qui compte des apparitions dans les principaux festivals et événements du monde, y compris la Biennale de Venise elle-même.

Massimo Biscardi, diplômé en piano, composition et direction d'orchestre et l'un des managers les plus connus de sa génération en Italie, a été nommé nouveau président-superviseur lors de la dernière assemblée de l'Accademia Nazionale di Santa Cecilia, en recueillant plus des deux tiers des suffrages exprimés.

De 1992 à 2010, il a été directeur artistique du Teatro Lirico de Cagliari, puis consultant de l'Orchestra Mozart, dirigé musicalement par Claudio Abbado, ainsi que directeur artistique du Teatro Petruzzelli de Bari. Il a reçu à deux reprises le Premio Abbiati des critiques musicaux italiens pour son travail de gestionnaire et de programmateur.

 

 

Les représentations auront lieu à l'Opéra National de Bordeaux, sur un livret et une mise en scène de Chloé Lechat et une direction musicale de Lucie Leguay. La distribution comprend Anne-Catherine Gillet, Sylvie Brunet-Grupposo, Camille Schnoor et Noémie Develay-Ressiguier. La nouvelle œuvre de l'auteur franco-espagnol « raconte comment la relation entre une mère et sa fille surdouée se détériore au contact de deux autres femmes », comme l'explique l'opéra. « Au cours de l'opéra, le jeu amoureux entre les personnages se complexifie et la fille surdouée abandonne l'image de l'enfant souriante qu'elle était (...). En tant que « sentinelles », les trois femmes tentent, chacune à leur manière, d'accompagner et de protéger l'enfant. Toutes les quatre trouvent une forme d'espoir et d'équilibre éphémère ».

"J'ai voulu aborder les complexités de la race humaine », dit Olivares, “avec un regard sans jugement, cherchant simplement à refléter le sensible présent même dans la violence, la frustration ou les sentiments les moins purs”. L'opéra, art total, offre la possibilité d'exprimer des nuances infinies ».

 

 

La Petite Renarde rusée est un opéra en trois actes composé entre 1921 et 1923 et créé le 6 novembre 1924 à Brno. Cette œuvre s'inspire du roman « Liška Bystrouška » de Rudolf Těsnohlídek tel qu'il a été adapté pour la bande dessinée par Stanislav Lolek, parue en feuilleton dans le journal Lidové noviny.
Créations françaises (version en allemand) en mai 1957 au Théâtre Sarah-Bernhardt, direction de Václav Neumann, (version en français) en janvier 1961 au Théâtre de La Monnaie à Bruxelles, direction de James Robertson.

La Petite Renarde rusée est l'occasion pour le compositeur de déployer de splendides harmonies ainsi qu'un lyrisme et un romantisme unique bien différent de celui de certaines œuvres plus tardives telles que De la maison des morts.

Cette œuvre parle principalement du cycle de la nature, du fait que rien ne meurt vraiment. Ainsi, la pièce commence au printemps, et se termine au printemps. La pièce commence aussi avec la capture de la jeune renarde et, à la fin, le garde-chasse rencontre la fille de la Renarde, son exacte réplique. Mais le garde-chasse est vieux maintenant, un cycle est passé.

Janáček y place les animaux et les hommes au même niveau de communication et de sentimentalité.

La BBC a réalisé un dessin animé intitulé « The Cunning Little Vixen » qui se veut didactique. L'œuvre a été expurgée de certains passages pour mettre cet opéra -que certains jugent un peu difficile- à la portée de tous.

Václav Talich a réalisé l'arrangement en suite d'orchestre ; elle-même révisée plus tard par Václav Smetáček, totalisant environ 17 à 19 minutes de musique.

Ludomir Różycki est un compositeur polonais né à Varsovie le 18 septembre 1883 et mort à Katowice le 1er janvier 1953.

Aux côtés de Mieczysław Karłowicz, Karol Szymanowski, Apolinary Szeluto et Grzegorz Fitelberg, il est membre du mouvement appelé Jeune Pologne, qui vise à promouvoir la culture musicale dans leur pays natal. Selon le compositeur et compatriote Alexandre Tansman, « c'est sans doute le musicien polonais dont la musique se rapproche le plus de l'école française, surtout de l'impressionnisme français. » C'est surtout dans le domaine du poème symphonique (Boleslas le Hardi, Anhelli, Le Roi Kofetua, Mona Lisa Gioconda, Piéta - Sur les décombres de Varsovie) que Różycki a laissé de véritables chefs-d'œuvre.

Ludomir Różycki est le fils du compositeur et pianiste Aleksander Różycki, professeur à l'Institut de musique de Varsovie, où il étudie le piano auprès d'Aleksander Michałowski, théorie et harmonie avec Gustaw Roguski et Michał Biernacki et la composition auprès de Zygmunt Noskowski également professeur de Szymanowski et du chef d'orchestre Grzegorz Fitelberg. Il achève ses études avec brio (1904) puis il fréquente l'Académie de musique de Berlin et étudie avec Engelbert Humperdinck jusqu'en 1907.

C'est en 1905 qu'il fonde avec Grzegorz Fitelberg, Szymanowski et Szeluto, le groupe informel « Jeune Pologne en musique », visant tout d'abord et pratiquement à l'édition des partition par l'appui financier du Prince Zdzisław Lubomirski.

Il commence sa carrière comme pianiste à Lwów (aujourd'hui en Ukraine) en 1907 puis, l'année suivante, en tant que chef d'orchestre à l'Opéra de la ville. C'est durant cette période qu'il commence à composer. Jusqu'en 1912, il enseigne le piano des classes avancées au Conservatoire de Galice de Lwów.
Entre 1912 et 1918, il séjourne à Paris, puis s'installe à Varsovie en 1919. En 1920, il est chef d'orchestre au théâtre Wielki, puis se consacre entièrement à la composition, sa musique connaissant un grand succès dans la nouvelle Pologne indépendante.

Il est l'un des membres fondateurs de l'union des compositeurs polonais (1926) et son premier président. Puis, brièvement, professeur à l'Académie de musique en 1930 et 1931, alors que Szymanowski en est le recteur. En 1930, il reçoit un Prix de l'État polonais pour son opéra Eros i Psyche et une Médaille d'or à l'exposition de Paris en 1937 pour son ballet Apollo i dziewczyna.

En 1945, il s'installe à Katowice et enseigne la composition à l'école de musique, se consacrant également à la reconstruction de ses œuvres en manuscrits, détruites dans les incendies pendant l'Insurrection de Varsovie en 1944.

L'esthétique de Różycki est ancrée dans la dernière période romantique et sa musique poursuit le XIXe siècle, particulièrement dans ses mélodies où il subit l’influence de Richard Strauss et Hugo Wolf. Ses opéras, construits dans la tradition du vérisme de Puccini, avec des incorporations d'éléments du style symphonique romantique et de l’impressionnisme plutôt que de manière innovante.

Parmi ses œuvres -dont un grand nombre s'inspire de la culture et de l'histoire polonaise- les plus importantes sont les poèmes symphoniques Stańczyk (1903) et Anhelli (1909) ; son ballet Pan Twardowski est le premier ballet polonais à être joué à l'étranger, notamment à Copenhague, Prague, Brno, Zagreb, Belgrade et Vienne et plus de 800 fois à Varsovie. Le ballet Apollo i dziewczyna [Apollon et la jeune fille] eut sa création mondiale le 20 septembre 1937 à Paris, lors de l'Exposition Universelle et fut récompensé d'une Médaille d'or par le gouvernement français.

Parmi ses huit opéras, il faut citer Eros i Psyche (1914–1916) sur un livret de Jerzy Żuławski créé à Wrocław en 1917 et monté plus tard à Mannheim, Brême, Poznan, Stuttgart et Varsovie ; Beatrix Cenci (1916–1926) et Pan Twardowski (1921).

Ludomir Różycki est également auteur de nombreuses œuvres pour piano (préludes, impromptus, danses polonaises, etc.), deux concertos pour piano et des mélodies.