Le 24 octobre, le Palau de la Música Catalana accueillera l'oratorio baroque Giuseppe Riconosciuto, une œuvre du compositeur catalan Domènec Terradellas, interprétée par l'ensemble baroque Vespres d'Arnadí. La distribution, dirigée par Dani Espasa, comprendra les voix de la soprano Alicia Amo, de la mezzo-soprano Anna Alàs et du ténor Jorge Navarro.

L'oratorio Giuseppe riconosciuto a été composé en 1736 pendant le séjour de Terradellas à Naples et s'inspire de l'histoire biblique de Joseph et de ses frères. Créé en Catalogne en 1995, Vespres d'Arnadí a repris l'oratorio en juillet 2023 dans le cadre du programme du festival de Torroella de Montgrí. Giuseppe Riconosciuto arrivera à Madrid dans le cadre du cycle Universo Barroco du CNDM le 19 janvier.

La carrière de Domènec Terradellas, l'un des principaux représentants de l'école napolitaine du XVIIIe siècle, a été marquée par des succès dans les principaux centres musicaux d'Europe. Parmi ses œuvres les plus remarquables, citons l'opéra La Merope (1743), qui a consolidé son prestige au Teatro delle Dame de Rome, Mitridate (1746), Bellerofonte (1747) et le pasticcio Annibale in Capua (1746).

Le 28 octobre, le Teatro alla Scala entame les représentations de sa nouvelle production de L'Anneau du Nibelung. Le calendrier de la Tétralogie commence avec L'Or du Rhin, qui sera présenté pour six représentations jusqu'au 10 novembre. Les deux chapitres suivants auront lieu en 2025 avec La Walkyrie (5/23 février) et Siegfried (6-21 juin), tandis que Le Crépuscule des Dieux devra attendre 2026.

La mise en scène est assurée par David McVicar, qui s'est déjà attaqué au Ring dans une production de l'Opéra national du Rhin. Simone Young (qui a dirigé sa première Tétralogie à l'Opéra d'État de Vienne en 1999 et a été l'été dernier la première femme chef d'orchestre à diriger le Ring à Bayreuth) et Alexander Soddy se relaieront sur le podium.

La fondation Walther-von-der-Vogelweide-Preis rend hommage au musicien et violoniste Julian Kainrath en lui décernant le prix de la jeunesse 2024. Le violoniste, né en 2005 à Merano, a reçu en 2022 le Discovery Award des International Classical Music Awards (ICMA).

Le prix Walther-von-der-Vogelweide a été créé en 1960 par le Kulturwerk für Südtirol de Munich pour récompenser les performances artistiques et scientifiques dans le Tyrol du Sud.

 

 

William Hugh Albright (20 octobre 1944 - 17 septembre 1998) était un compositeur, pianiste et organiste américain.

Albright est né à Gary, dans l'Indiana, et a commencé à apprendre le piano à l'âge de cinq ans. Il fréquente le Juilliard Preparatory Department (1959-62), l'Eastman School of Music (1962-63) et l'Université du Michigan (1962-70), où il étudie la composition avec Ross Lee Finney et George Rochberg, et l'orgue avec Marilyn Mason. Il a interrompu ses études pendant l'année universitaire 1968-69 lorsqu'il a reçu une bourse Fulbright pour étudier avec Olivier Messiaen à Paris. Après avoir obtenu son diplôme en 1970, il a été nommé à la faculté de l'Université du Michigan, où il a enseigné la composition et dirigé le studio de musique électronique jusqu'à sa mort d'une insuffisance hépatique à Ann Arbor, dans le Michigan, en 1998.

Sa musique combine des éléments de musique classique tonale et non tonale (en particulier l'influence de Messiaen) avec de la musique populaire américaine et de la musique non occidentale, dans ce qui a été décrit comme de la musique « polystylistique » ou « quaquaversale » -ce qui rend difficile la définition d'un style global. L'approche d'Albright à l'égard de certaines de ses œuvres a été considérée comme surréaliste. Il était un passionné de ragtime et il a fait des enregistrements notables des rags pour piano de Scott Joplin et d'autres. Il a également enregistré un album de ses propres compositions de ragtime.

Parallèlement à ses activités de composition et d'enseignement, Albright a poursuivi une carrière active et a été considéré comme un organiste et un pianiste virtuose, donnant de nombreux récitals sur ces deux instruments en Amérique du Nord et en Europe. Il a été l'organiste vedette du Festival international de musique d'orgue contemporaine de 1976 à la Hartt School of Music. Il avait auparavant été chargé d'écrire son œuvre pour orgue Stipendium Peccati pour le Festival international de musique d'orgue contemporaine de 1973. Il a commandé de nouvelles œuvres pour orgue à d'autres compositeurs contemporains pour les jouer lors de ses tournées internationales de concerts. Ses hymnes figurent dans les recueils de cantiques des Églises unitarienne et épiscopalienne.

Parmi les élèves remarquables d'Albright figurent Derek Bermel, John Burke, Evan Chambers, Chihchun Chi-sun Lee, Gabriela Lena Frank, Alexander Frey, Evan Hause, Katt Hernandez, Joseph Lukasik, John Howell Morrison, Carter Pann, Frank Ticheli et Michael Sidney Timpson.

 

Charles Edward Ives, né le 20 octobre 1874 et mort le 19 mai 1954, est un compositeur américain.

Charles Ives est né à Danbury, dans l'État du Connecticut. Son père, George Ives, était chef de la musique de l'artillerie de l'union dans l'armée des États-Unis durant la guerre de Sécession. L'une des choses ayant pu l'avoir influencé fut d'avoir écouté sur la place de Danbury la fanfare de son père simultanément avec d'autres fanfares jouant sur d'autres côtés de la place. Son père lui donna quelques cours de théorie musicale avec une grande ouverture d'esprit, encourageant son fils à expérimenter des harmonisations bitonales voire polytonales. Il s'entraîna ainsi à chanter des mélodies dans une tonalité tandis que son père l'accompagnait dans une autre tonalité. Il lui fit également découvrir la musique de Stephen Foster, à savoir des chansons populaires américaines. Ives devint organiste à l'âge de 14 ans, et écrivit différents hymnes religieux et chants pour sa paroisse, y compris ses Variations on « America ».

Ives partit pour New Haven en 1893, et fut diplômé à l'Hopkins School. Puis, en septembre 1894, il étudia à l'Université Yale les cours d'Horatio Parker. Il y composa plusieurs pièces dans le style choral d'une manière similaire à son mentor, écrivant des musiques d'église et même une musique de campagne électorale pour William McKinley. Pendant cette période plusieurs de ses pièces sont publiées, dont notamment une marche, Intercollegiate, qui sera jouée lors de l'inauguration de la présidence de McKinley. Le père de Charles mourut le 4 novembre 1894, et ce fut un choc pour le jeune compositeur qui l'avait idéalisé. Il continua par conséquent à mener les expérimentations musicales débutées avec lui, qu'il poussa assez loin.
Ives termina ses études à Yale dans des domaines très différents, comprenant le grec, le latin, les mathématiques et la littérature. Il fut membre des sociétés secrètes Delta Kappa Epsilon et Wolf's Head, ainsi que président de l'Ivy League. Ses œuvres Calcium Light Night et Yale-Princeton Football Game démontrent l'influence de l'Université sur ses compositions. Il écrivit sa Symphonie no 1 en guise de thèse de fin d'études sous le tutorat de Parker.

En 1898, après l'obtention de son diplôme à Yale, il accepta un travail à 5 $ par semaine de préposé dans une compagnie d'assurance de New York (Mutual Life Insurance Company), et déménagea dans une chambre d'appartement à New York qu'il partagea avec d'autres jeunes hommes. Il continuera d'être organiste à l'église jusqu'en 1906. En 1899, il changea pour l'agence Charles H. Raymond & Co., où il resta jusqu'en 1906. En 1907, à la suite des échecs de Raymond & Co., lui et son ami Julian W. Myrick créèrent leur propre compagnie d'assurance Ives & Co., qui devint plus tard Ives & Myrick, dans laquelle il demeura jusqu'à sa retraite. Il composait pendant ses temps libres, et travailla jusqu'à son mariage comme organiste à Danbury, New Haven, Bloomfield (New Jersey) et New York. En 1907, Ives subit sa première attaque cardiaque qui fut suivie de plusieurs autres. Ces attaques ont probablement eu une origine plutôt psychologique que physique. Certains l'attribuent à sa carrière duale. Mais après sa guérison, Ives connut sa période la plus créative en tant que compositeur.

Il épousa Harmony Twitchell en 1908, puis ils s'installèrent dans leur appartement à New York. Il eut une remarquable carrière dans les assurances, tout en continuant à être un compositeur prolifique jusqu'à une rechute de ses attaques cardiaques en 1918. Après cela, il composa très peu : ce furent ses dernières œuvres. Parmi celles-ci, on trouve la chanson Sunrise en août 1926. En 1922, Ives publia ses 114 Songs qui représentent l'ampleur de son travail de compositeur. Celles-ci incluent des thèmes qu'il écrivit adolescent, et d'autres très dissonants comme The Masses (Majority).

Son épouse raconte qu'un matin en 1927, il arriva en larmes disant qu'il ne pouvait plus rien composer : « nothing sounds right » (rien ne sonne bien). De nombreuses thèses furent élaborées pour expliquer son silence durant ses dernières années, qui semblèrent aussi mystérieuses que celles de la vie de Jean Sibelius, lui-même ayant arrêté brutalement de composer à peu près à la même période. Ives ayant de plus en plus d'ennuis de santé, il continua cependant à réviser et retravailler ses premières œuvres. En 1930, il prit sa retraite du milieu des assurances, ce qui lui donna plus de temps pour se consacrer à la musique, mais il resta incapable d'écrire de nouvelles compositions. Dans les années 1940, il révisa sa Concord Sonata, qu'il publia accompagnée des Essais avant une sonate parus à compte d'auteur en 1920.

Charles Ives mourut en 1954, à New York, à l'âge de 79 ans. Son épouse est décédée en 1969 à 92 ans.

Ives a étudié à Yale, et sa 1e Symphonie montre une maîtrise de l'écriture en forme sonate dans le contexte de la fin du XIXe siècle, mais également une tendance iconoclaste, avec le second thème qui sous-entend plusieurs directions harmoniques différentes. Son père était chef de fanfare, et tout comme Hector Berlioz, Ives était fasciné pour les musiques d'extérieur et leur instrumentation. Ses tentatives de fusionner ces deux éléments, et son admiration pour Beethoven sont les lignes conductrices de sa vie musicale.

Ives publia une collection de ses nombreuses chansons, la plupart avec des parties pour piano qui faisaient écho au mouvement moderne qui commençait en Europe, avec l'usage de bitonalité et pantonalité. Il fut un pianiste accompli, capable d'improviser dans différents styles, même ceux les plus récents et modernes. Il est aujourd'hui surtout connu pour sa musique orchestrale, mais il composa également deux quatuors à cordes et d'autres pièces de musique de chambre. Son travail d'organiste l'amena à écrire ses Variations on « America » en 1891, dont la première eut lieu un 4 juillet, lors d'un récital célébrant la déclaration d'indépendance des États-Unis. Cette pièce reprend le thème (celui de l'hymne national du Royaume-Uni) à travers une série de variations relativement normales et plaisantes. L'une de ces variations est dans le style d'une polonaise, une autre qui fut ajoutée quelques années après avoir été composée représente la première utilisation de bitonalité. William Schuman en fit un arrangement pour orchestre en 1964.

Ives composa quatre symphonies, mais c'est avec The Unanswered Question (1906 révisé en 1930-35), pièce écrite pour une formation très inhabituelle de trompette soliste, quatre flûtes, et quatuor à cordes, qu'il posa l'environnement musical et sonore qui restera comme son style. Les cordes, situées hors de la scène, jouent très lentement, tandis que la trompette, seule face au public, joue à différentes occasions des motifs très courts que Ives décrit comme « l'éternelle question de l'existence ». À chaque fois, les flûtes, sur scène, répondent à la trompette par une explosion stridente, excepté la toute dernière fois : c'est la question sans réponse (the unanswered question). La pièce est typique de Ives, car elle juxtapose des éléments variés et disparates, conduits par la trame d'une histoire dont nous n'avons jamais réellement conscience, ce qui rend la pièce formidablement mystérieuse.

Sa Sonate pour piano no 2 : Concord, Mass., 1840-60 (1909-15), est probablement sa pièce pour piano solo la plus célèbre (il existe des parties optionnelles pour alto et flûte). Rythmiquement et harmoniquement, c'est une pièce que l'on peut qualifier d'aventureuse, et qui démontre son attachement à la 5e symphonie de Beethoven dont il cite le thème à plusieurs reprises. Elle constitue également l'un des exemples les plus frappants de son expérimentalisme : dans le second mouvement, il indique au pianiste d'utiliser une pièce en bois de 14 ³⁄₄ pouces (37,5 cm) pour créer un cluster chord, c’est-à-dire un accord de touches noires ou blanches consécutives sur la longueur de cette pièce. La Sonate Concord marque la profonde influence qu'ont eue sur sa musique les écrivains transcendantalistes. Chaque mouvement porte le nom d'un des quatre plus importants membres de ce groupe : Ralph Waldo Emerson, Nathaniel Hawthorne, Bronson Alcott et Henry David Thoreau.

La pièce la plus remarquable dans son répertoire orchestral est certainement son imposante Symphonie no 4 (1910-16). Celle-ci nécessite une grosse section de percussions, deux pianos (les deux accordés avec un quart de ton d'écart), un orgue, un groupe supplémentaire de cordes éloignées, un grand chœur, trois saxophones optionnels, et pour finir un « ether organ » (l'instrument auquel pensait Ives n'est pas évident, mais habituellement on utilise un thérémine ou un synthétiseur). L'œuvre fait penser à The Unanswered Question, d'ailleurs Ives dit lui-même que la pièce était « une question ouverte du Quoi et du Comment que l'esprit de l'homme se pose à propos de la vie ». L'utilisation de citations musicales est là encore abondante, particulièrement dans le premier mouvement, et la musique ne manque pas de nouveautés en matière d'effets sonores. Par exemple, dans le second mouvement, un trémolo secoue l'orchestre entier. Dans le mouvement final, il y a une sorte de combat entre les sons discordants et une musique tonale plus traditionnelle. Finalement entre la partie de chœur sans paroles, l'ambiance s'apaise, et le morceau se termine avec juste les percussions qui jouent tranquillement.

Il faudra attendre 1965 pour que la symphonie ait droit à une représentation complète, c’est-à-dire environ 50 ans après les dernières retouches de la composition et 11 ans après la mort du compositeur.

Ives mourut avant de terminer sa Symphonie de l'Univers, qu'il ne parvint pas à assembler durant sa vie malgré deux décennies de travail. Ceci à cause de ses ennuis de santé, aussi bien que de sa conception fluctuante de la composition. Celle-ci consiste en un découpage en trois parties temporelles : passé (genèse des océans et des montagnes), présent (terre, évolution de la nature et de l'humanité), futur (ciel, la montée vers le spirituel), ainsi qu'une décomposition spatiale en deux orchestres ou plus. Il y a eu plusieurs tentatives pour compléter ou jouer l'actuelle version. Cependant, personne n'arrive à cerner l'idée de l'interprétation générale. La symphonie reprend des idées de la Symphonie no 4 qui sont développées jusqu'à un niveau très poussé, avec des rythmes complexes croisés et des dissonances difficiles en couches, le tout au travers de combinaisons instrumentales et d'orchestrations inusitées et inventives.

Les travaux de musique de chambre comptent le Quatuor à cordes no 2, dans lequel les voix atteignent des sommets en matière d'écriture contrapuntique, s'échelonnant depuis des pointes dissonantes aiguës dans le mouvement nommé « Arguments » jusqu'à une lenteur transcendantale. Cette étendue sur des extrêmes est fréquente dans la musique de Ives, imposant ses résonances dissonantes contrastée avec des calmes lyriques. Le langage de Ives, tout comme celui de Mahler, utilise beaucoup de lignes mélodiques indépendantes. On le considère difficile à jouer car beaucoup d'indications d'interprétation sont absentes. Ce travail a eu une influence notable sur, entre autres, le 1^er quatuor d'Elliott Carter.

Accueil de sa musique

La plupart de ses œuvres durent attendre plusieurs années avant d'être interprétées. Les difficultés d'interprétation dues à la complexité rythmique de ses pièces pour orchestre en firent des défis difficiles à relever.

Henry Cowell, Nicolas Slonimsky et Elliott Carter furent parmi les premiers défenseurs de sa musique. Invité par Cowell à participer à son magazine périodique consacré aux musiques modernes New Music, un bon nombre de ses partitions y furent publiées.

Dans les années 1940, il rencontra Lou Harrison, un fan de sa musique qui en fit la promotion. Harrison dirigea la première de la Symphonie no 3 (1904) en 1946. L'année suivante, cette pièce remporta le Prix Pulitzer de la musique. Ives donna l'argent de ce prix (la moitié allant à Harrison), disant « les prix sont pour les jeunes garçons, et j'ai eu le temps de grandir ».

Bernard Herrmann, qui travailla comme chef d'orchestre à la CBS et, en 1940, devint même le directeur de l'Orchestre Symphonique CBS, fut aussi un champion de la musique de Charles Ives.

Leopold Stokowski dirigea la Symphonie no 4 en 1965, considérant l'œuvre comme « le cœur du problème de Ives ».

Ives fut considéré comme l'un des « American Originals » : un compositeur qui travaille dans un style unique et américain, avec des mélodies populaires américaines utilisées dans sa musique, et un sens étendu des possibilités de la musique. Il aurait reçu des louanges d'Arnold Schönberg (qui considérait Ives comme un monument d'intégrité artistique) mais également de la New York School de William Schuman. Actuellement, Michael Tilson Thomas est un champion enthousiaste des symphonies de Ives, tout comme le musicologue Jan Swafpourd. Des œuvres de Ives sont régulièrement programmées en Europe. Cependant, Ives n'est pas sans être critiqué : beaucoup trouvent sa musique grandiloquente, pompeuse, tandis que d'autres la trouvent bizarrement timide du fait que l'on rencontre souvent des aspects de la musique traditionnelle européenne dans ses compositions.
Elliott Carter, qui fut son partisan, déclara que son œuvre était incomplète. Charles Ives influença des compositeurs aussi variés que John Cage, Frank Zappa ou John Zorn

Domenico Gabrielli (15 avril 1651 ou 19 octobre 1659 – 10 juillet 1690) est un compositeur et violoncelliste italien, apparemment sans lien de parenté avec les compositeurs vénitiens Andrea Gabrieli et Giovanni Gabrieli.

Né à Bologne, il a joué dans l'orchestre de la basilique San Petronio et a été membre, et un moment président, de l'Accademia Filarmonica di Bologna. Durant les années 1680 il a également été musicien à la cour du Duc Francesco II d'Este de Modène.

Gabrielli a composé une dizaine d'opéras et quatre oratorios. Il est connu pour avoir composé les premières œuvres pour violoncelle seul (sept ricercari) et il a écrit également des sonates pour violoncelle et des œuvres pour violon et violoncelle.
Ses propres interprétations sur cet instrument lui ont valu le surnom de Mingain (ou Minghino) dal viulunzeel, signifiant en dialecte "Dominique du violoncelle".

Le programme du concert du Nouvel An 2025 dans la salle dorée du Musikverein de Vienne est certes placé sous le signe de Johann Strauss, mais une femme pourrait bien lui voler la vedette : dans la deuxième partie, on a programmé la Ferdinandus-Walzer. Celle-ci a été écrite par Constanze Geiger (1835-1890) et est ainsi la première œuvre d'une femme à être jouée dans le cadre du concert du Nouvel An le 1er janvier.

Geiger était une amie proche de Johann Strauss. Née en 1853 à Vienne, la fille du compositeur Joseph Geiger et de la modiste de cour Theresia Geiger a été considérée très tôt comme une enfant prodige. Elle composait déjà à l'âge de neuf ans, et à 13 ans, elle se produisait sur scène. A 18 ans, elle a composé la Marche nuptiale d'Elisabeth -qui a été jouée alors que la future impératrice Sisi était en route pour son mariage.

Sa carrière musicale s'est brusquement terminée avec son propre mariage : elle a épousé en 1862 -au grand dam de sa famille- le Prince Léopold de Saxe-Cobourg et Gotha et s'est ensuite retirée de la scène. Après la mort de son mari, elle s'installa à Paris et mourut en Normandie en 1890. Elle ne composa apparemment plus non plus. La Ferdinandus-Walzer date de 1848.

Le Prix Götz Friedrich pour la saison 2023-24 a été décerné à Lisenka Heijboer Castañón pour sa mise en scène de The Gospel According To The Other Mary de John Adams à l'Opéra populaire de Vienne. Le directeur de la Deutsche Oper Berlin, Dietmar Schwarz, a remis le prix doté de 5 000 euros à la metteuse en scène néerlando-péruvienne lors d'une cérémonie. Les membres du jury Andrea Moses (directrice de l'opéra Nationaltheater Weimar) et Jörg Königsdorf (dramaturge en chef du Deutsche Oper Berlin) se sont chargés de l'hommage.

Depuis plus de vingt ans, le Prix Götz Friedrich est l'une des institutions les plus importantes pour la promotion de talents exceptionnels dans le domaine de la mise en scène de théâtre musical -des lauréats comme Stefan Herheim, Nadja Loschky et Sebastian Baumgarten sont cités ici à titre représentatif. Il récompense les metteurs en scène talentueux de moins de 35 ans. Après avoir été organisé ces dernières années par la Conférence germanophone de l'opéra, le prix Götz Friedrich est retourné depuis la saison 2022-23 à la Deutsche Oper Berlin, le principal lieu d'activité de son dédicataire. Le prix Götz Friedrich est soutenu financièrement par le Förderkreis der Deutschen Oper Berlin.

La metteuse en scène néerlando-péruvienne Lisenka Heijboer Castañón a fait ses débuts sur la grande scène de l'Opéra national néerlandais d'Amsterdam en 2020 avec la création de Faust (Working Titel) et, suite à ce succès, s'est vu confier en 2022 la mise en scène du projet de théâtre musical I Have Missed You Forever dans le cadre du festival Opera forward d'Amsterdam. En 2022 également, elle a mis en scène (avec Zack Winokur) la nouvelle production de Tristan et Isolde à l'Opéra de Santa Fé et Klassikermaschine : Don Giovanni au Theater Basel. Heijboer Castanón a acquis une expérience de la scène en tant qu'assistante de metteurs en scène tels que Pierre Audi, Krzysztof Warlikowski, Laurent Pelly et Lotte de Beer, avec qui elle a également collaboré en tant que co-metteur en scène. Durant la saison 2019-20, elle a également été Directing Fellow of the Vocal Arts Department à la Juillard School de New York.

 

 

 

 

La Fondation Ernst von Siemens pour la musique récompense les ensembles Collective lovemusic (France) et Tacet(i) (Thaïlande). Les deux ensembles reçoivent le prix de soutien aux ensembles '25, doté de 75.000 euros chacun, a annoncé la fondation jeudi à Munich. En outre, les lauréats auront la possibilité de se produire en direct lors du Beethovenfest Bonn à l'automne 2025. Les groupes se sont imposés parmi des candidats de 15 pays. Les prix seront décernés le 17 mai 2025 à la Herkulessaal de Munich.

L'ensemble Collective lovemusic, fondé en 2018 et basé à Strasbourg, conçoit différents formats de concerts, comme des lectures accompagnées de musique improvisée. Les 14 musiciens se passent de chef d'orchestre et intègrent d'autres arts dans leurs programmes, notamment la vidéo, la création de lumières et la scénographie. Au cours de ses dix années d'existence, Tacet(i) est devenu l'un des principaux ensembles de musique contemporaine d'Asie du Sud-Est. L'ensemble collabore avec des compositeurs d'Asie, d'Europe et des États-Unis afin d'explorer de nouveaux sons et de repousser les limites sonores grâce à l'utilisation de la technologie.

Le prix de soutien aux ensembles est décerné cette année pour la cinquième fois. Avec cette distinction créée en 2020, la fondation souhaite encourager individuellement et durablement deux jeunes ensembles exceptionnels dans leur développement artistique et structurel. Les lauréats sont désignés par le conseil d'administration, dont font partie les compositeurs Isabel Mundry et Enno Poppe, la directrice artistique Ilona Schmiel et la violoniste Carolin Widmann.

La fondation décerne chaque année le prix musical Ernst von Siemens, l'une des distinctions les plus prestigieuses au monde pour les compositeurs, les interprètes ou les musicologues. Elle soutient en outre des projets de musique contemporaine et des artistes émergents en leur attribuant des prix et des subventions.