"Sinfonica 3D" promet d'être un événement qui redéfinit les limites du concert symphonique traditionnel. D'une part, les chefs d'orchestre Tommaso Ussardi et Matteo Parmeggiani guideront le public dans un voyage à travers l'histoire et la musicologie, en expliquant et en contextualisant les œuvres interprétées. D'autre part, le spectacle introduit une composante visuelle innovante qui enrichit l'expérience du concert.

Le 30 octobre prochain, au Teatro Duse de Bologne, des projections et des effets de lumière accompagneront donc l'exploration des pages musicales proposées, créant une synergie entre trois dimensions : visuelle, musicale et didactique. Cette combinaison offre au public une expérience plus immersive, lui permettant d'appréhender la beauté de la musique sous un angle nouveau.

Le programme compare trois géants de la musique classique : Giuseppe Verdi, Richard Wagner et Igor Stravinsky, en explorant leurs différences stylistiques et l'impact qu'ils ont eu sur l'histoire de la musique. Dans le détail, les pages musicales proposées vont de La Traviata - Prélude à l'acte I et à l'acte III - de Giuseppe Verdi, à Tristan et Isolde - Prélude - de Richard Wagner et à L'Oiseau de feu - Suite - d'Igor Stravinsky.

Cette rencontre de la musique et de l'image crée une expérience unique, qui renouvelle la manière d'écouter et de vivre les grandes compositions symphoniques.

Pour la deuxième fois déjà, la double direction de la Deutsche Kammerakademie Neuss a prolongé son contrat : avec le chef d'orchestre Christoph Koncz et la directrice artistique Isabelle van Keulen, la dkn a trouvé la constellation idéale qui élargit le haut potentiel artistique de manière aussi systématique qu'inspirée et qui mène le travail commun vers toujours plus de succès. Ce n'est pas un hasard si les concerts d'abonnement de la saison dernière ont été remplis à plus de 90% et si les spectacles invités, toujours très fréquentés, ont suscité l'enthousiasme.

L'orchestre, la direction et le conseil d'administration se sont prononcés à l'unanimité en faveur d'une nouvelle prolongation des deux contrats : jusqu'au milieu de l'année 2027, deux saisons supplémentaires de la dkn seront organisées sous la direction musicale de Christoph Koncz et Isabelle van Keulen -une profession de foi claire de la part de ces deux grands noms internationaux en faveur de la qualité de la Deutsche Kammerakademie Neuss, qui leur tient à cœur malgré leurs multiples engagements.

Depuis 2019-20, la double direction travaille avec des rôles clairement répartis : Christoph Koncz se charge des grands programmes symphoniques, tandis qu'Isabelle van Keulen se consacre au raffinement du son des cordes, qui constitue l'épine dorsale de la dkn et un élément essentiel de son identité.

Lauréat du prix national d'architecture en 1956 et de la médaille d'or du mérite des beaux-arts en 1990, José María García de Paredes a été non seulement l'un des principaux architectes espagnols de la seconde moitié du XXe siècle, mais aussi un nom particulièrement lié à la musique par le biais de projets de construction tels que l'Auditorium national de musique de Madrid et l'Auditorium Manuel de Falla de Grenade, ainsi que par sa relation étroite avec l'œuvre du compositeur Manuel de Falla, qu'il considérait comme son « maître de l'architecture ».

Le centenaire de la naissance de García de Paredes (1924-1990) a donné lieu ces jours-ci à deux initiatives qui commémorent sa figure et son héritage. Le musée ICO de Madrid accueille jusqu'au 12 janvier 2025 une grande exposition rétrospective, José María García de Paredes. Espacios de encuentro, organisée par l'architecte Ángela García de Paredes. Organisée par la Fondation ICO en collaboration avec le Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS), José María García de Paredes. Espacios de encuentro présente pour la première fois une vue d'ensemble de son œuvre complète couvrant quatre décennies de sa carrière (1950-1990). La rétrospective rassemble, entre autres, plus de 400 pièces appartenant aux archives García de Paredes, données par la famille en 2021 au MNCARS et cataloguées par le musée avec l'étroite collaboration d'Ángela et Manuel García de Paredes, les enfants de l'architecte.

À travers des photographies, des plans, des maquettes, des lettres et des dessins prêtés par de nombreuses institutions et des particuliers, l'exposition permettra aux visiteurs d'aborder l'œuvre de l'architecte sous des angles nouveaux et inhabituels. Le public pourra ainsi connaître ses œuvres les plus emblématiques, ainsi que le riche panorama culturel, architectural et artistique dont il a fait partie et qui dessine une période fructueuse et prometteuse de la culture. L'exposition est divisée en six étapes qui présentent les différents aspects de son œuvre, sa biographie et ses influences : Rencontres précoces, Rencontres musicales, Rencontres de l'esprit, Rencontres avec l'artisanat, Rencontres avec l'histoire et Rencontres avec les mélomanes.

D'autre part, le 10 octobre, les Rencontres Manuel de Falla commémoreront également le centenaire de la naissance de l'architecte dans le cadre de la Semaine internationale de l'architecture de Grenade 2024. L'exposition José María García de Paredes (1924-2024) sera inaugurée ce jour-là à 18h30 à l'auditorium Manuel de Falla de Grenade. Un art aussi fort qu'essentiel, sous la direction de José Vallejo. Une heure plus tard, la pianiste Anastasia Vorotnaya, finaliste du Prix Iturbi 2023, donnera un récital intitulé « Promenade dans la musique de l'architecture de José María García de Paredes », qui comprendra la Sonate pour piano n° 2 de Rachmaninov et les Tableaux d'une exposition de Moussorgski.

La Fundación SGAE a annoncé l'attribution du XIXe Premio SGAE de la Música Iberoamericana Tomás Luis de Victoria à la compositrice cubano-américaine Tania León, première femme à recevoir ce prix. Le jury a décerné ce prix à la compositrice caribéenne « en tenant compte de son expérience artistique, qui se présente comme un paradigme de compréhension et de dialogue interculturel, ainsi que des exils externes et internes qui, en tant que Cubaine aux États-Unis, ont marqué sa production compositionnelle de grande renommée internationale, et de sa position en tant qu'être humain face aux coordonnées vitales par lesquelles sa trajectoire est passée ».

Ce 14 octobre, la musique de cette créatrice prolifique, dont le palmarès est enrichi de nombreuses récompenses internationales telles que le prix Pulitzer de musique 2021 ou le Kennedy Center Honors Award 2022, constituera un programme interprété par le pianiste américain Adam Kent : Rondo a la criolla (ca. 1965) ; Momentum (1984) ; Homentage (2011) et Tumbao (2005). Suivra un trio féminin formé par la mezzo-soprano Joana Thomé, la violoncelliste Iris Azquinezer et la pianiste Antonia Valente, qui interprétera la pièce « Oh Yemanja » de l'opéra Le fléau des jacinthes (1994).

La collection musicale luxembourgeoise Cedom s'enrichit rapidement. Après la première mise en ligne des inventaires d'archives musicales en novembre 2023, le Cedom de la Bibliothèque nationale du Luxembourg a élargi ce premier panel en y ajoutant les inventaires des fonds Théodore Decker, Peter Faber, Victor Goldschmit, Alfred Kowalsky, René Mertzig et Paul Sontag. Celles-ci peuvent désormais être consultées librement sur le site www.a-z.lu.
Les fonds d'archives de ces compositeurs luxembourgeois contiennent des documents variés : des œuvres musicales et/ou textuelles sous forme d'esquisses, de manuscrits ou d'éditions ; de la correspondance telle que lettres, cartes postales, etc. ; des documents biographiques sur la formation, les études et la vie professionnelle du compositeur tels que diplômes, certificats, médailles honorifiques, CV, photographies et objets personnels ; des objets de collection tels que coupures de presse, programmes de concerts, affiches, documents dédicacés ou annotés.
Les inventaires sont présentés sous forme de listes contenant, entre autres, le titre de l'œuvre, les auteurs / compositeurs / arrangeurs, la date de création et le format.

 

(d'après pizzicato.lu)

La mezzo portugaise Cláudia Ribas a remporté le 57e Concours vocal international de 's-Hertogenbosch, aux Pays-Bas. La mezzo britannique Annabel Kennedy s'est classée deuxième.

Cláudia Ribas a obtenu sa maîtrise à l'Académie royale de musique du Danemark à l'été 2023. Auparavant, elle a étudié le chant au Conservatoire d'Amsterdam dans le cadre de sa licence et a reçu des cours de chant privés dans son pays d'origine.

Elle est membre du Frankfurt Opera Studio depuis la saison 2022-23, où elle a fait ses débuts dans le rôle de la troisième dame dans Die Zauberflöte de W.A. Mozart et dans celui de la mère d'Iseut la blonde dans Le vin herbé Frank Martin.

Parmi ses prochains engagements figurent les rôles de Pipa/Marquise dans Die Banditen de J. Offenbach et de la troisième demoiselle dans Elektra de R. Strauss à l'Opéra de Francfort.

Elle a participé à des masterclasses avec des artistes tels que Pierre Mak, José de Oliveira Lopes, João Mario Alves, Susanna Rigacci, Cristiano Manzoni, Margreet Honig, Angela Brower, Alexander Oliver, Bejun Mehta, Lenneke Ruiten, Neville Dove, Nicky Spence, Eytan Pessen, Hedwig Fassbender et Neil Shicoff.

Elle a collaboré avec des chefs d'orchestre tels que João Paulo Santos, Virgilio Caseiro, Bruno Martins, Artur Pinho Maria, Rodrigo Carvalho, Marco Crispo, Steven Sloane, Daniela Musca, Takeshi Moriuchi, Thomas Guggeis et Michael Millard.

Son répertoire comprend des rôles tels que Mère Jeanne (Dialogues des Carmélites) et Marzelline (Le nozze di Figaro) au Conservatoire d'Amsterdam, et Fé-ni-han (Ba-ta-clan) et Polinesso (Ariodante) à l'Opéra royal du Danemark.

 

Si quelqu’un devait être retenu pour illustrer le génocide arménien, si une seule histoire individuelle devait être choisie pour représenter un microcosme de l’expérience arménienne à la fin du 19e et au début du 20e siècle, nul besoin de chercher ailleurs que le prêtre et musicien Gomidas (ou Komitas, dans la prononciation en arménien oriental).

Soghomon Soghomonian naquit en 1869 à Kütahya dans l’empire ottoman (dans l’actuelle Turquie occidentale). Il perdit ses parents très jeune et, quoique très entouré par ses proches, il fut envoyé en 1881 poursuivre ses études à Etchmiadzine, le centre de l’Eglise arménienne, qui se trouvait dans l’empire russe. Bien que ne parlant pas du tout l’arménien à cette époque, il arrivait à chanter lors des offices religieux et avait une très belle voix. Son talent musical fut développé et mis à contribution, tandis qu’il œuvrait avec le chœur, après avoir suivi sa formation religieuse et été promu au rang de vardapet (ou vartabed dans la prononciation en arménien occidental, souvent traduit par « archimandrite » en anglais – prêtre célibataire).

Grâce au soutien du catholicos Mkrtich Khrimian et du magnat arménien Mantachev, Vardapet Komitas poursuivit des études musicales supérieures en Allemagne, initiant pour la première fois les Européens à la tradition musicale arménienne. Au lieu de se contenter d’interpréter et de partager une culture par delà les frontières, le profond talent musical de Komitas lui permit d’entreprendre une recherche approfondie sur la musique populaire arménienne (et kurde), la musique religieuse arménienne, ainsi que sur le système de notation musicale arménienne, appelé « khaz ». C’est à cette époque que la liturgie (messe, office dominical) de l’Eglise arménienne fut modifiée en recourant aux méthodes et à la notation musicale occidentale; les adaptations de Komitas restent très populaires aujourd’hui (ainsi que celles de son contemporain, Makar Yekmalian).

Komitas finit par jouer un rôle important dans la vie culturelle arménienne des deux plus grands centres d’expression arménienne d’alors : Tiflis dans l’empire russe (l’actuelle Tbilissi, en Géorgie) et Constantinople, capitale de l’empire ottoman, où il s’installa en 1910 (l’actuelle Istanbul, en Turquie). Il est connu en particulier pour y avoir dirigé un chœur de 300 personnes, entre autres activités de spectacle, développant l’enseignement et diffusant la musique arménienne.

Son rôle éminent fit de lui une cible naturelle du pouvoir, lorsque, le 24 avril 1915, la classe dirigeante arménienne fut l’objet d’une rafle, annonçant le début du génocide arménien. Komitas fut exilé vers l’intérieur, mais fut ramené sur intervention de quelques personnalités. Ce qu’il avait vécu suffit toutefois à provoquer en lui un bouleversement qui, aux yeux de nombre d’Arméniens, ne pouvait résulter que d’un dérèglement mental.

Komitas resta hospitalisé à Constantinople durant quelques années, puis gagna en 1919 la France, passant ses jours dans un hôpital psychiatrique à Villejuif, dans la banlieue de Paris, jusqu’à sa mort en 1935.

D’une part, l’histoire tragique du vardapet Komitas sert à illustrer l’objectif du génocide arménien : anéantir une nation et une culture. D’autre part, l’œuvre révolutionnaire du vardapet Komitas continue de vivre et d’inspirer la musique arménienne aujourd’hui. Ce n’est pas un hasard s’il est considéré comme le fondateur de la musique classique arménienne.

Hommage à la profonde influence que cet homme a exercée sur toute une nation, le fait qu’après sa mort, un régime athée, antinational, transfèrera le corps d’un prêtre arménien pour des obsèques nationales dans la capitale de l’Arménie soviétique. Le Panthéon d’Erevan -où de nombreuses personnalités arméniennes sont enterrées- a été baptisé en l’honneur de Komitas.

Le compositeur français François-Adrien Boieldieu est né le 16 décembre 1775 à Rouen (paroisse Saint-Pierre-du-Châtel) et mort le 8 octobre 1834 à Varennes-Jarcy.

Artiste né sous l'Ancien Régime, Boieldieu fit ses armes pendant la Terreur, acquit la célébrité durant le Consulat et l'Empire, fut honoré par les Bourbons, puis ruiné par la révolution de Juillet. Il demeure le principal compositeur français d'opéras du premier quart du XIXe siècle.

Boieldieu fut formé à la musique en tant qu'enfant puis membre du chœur de la Maîtrise Saint-Evode de la cathédrale de Rouen, dirigée par Charles Broche, maître de chapelle puis organiste de la cathédrale Notre-Dame de Rouen. Très précoce, le jeune Boieldieu touchait le clavecin dès sept ans et, à neuf ans, improvisait sur l’orgue. Puis il composa de petits morceaux, des sonates et des romances.
Un jour que son professeur, Broche, l’organiste de la cathédrale, ne s’était pas trouvé à son poste un certain jour de grande fête carillonnée, l’orgue fut pourtant touché (= joué) d’une manière ravissante. Tout le monde en fit compliment à Broche, bien étonné. Informations prises, on apprit que le jeune élève avait eu l’audace de remplacer son maître, sans en demander la permission à personne.

À quatorze ans, il partit seul, à pied, pour Paris, avec 18 deniers gagnés à accorder des clavecins.

La Révolution ne freina pas l'activité musicale du Théâtre-Français de Rouen, qui continua de présenter les œuvres de jeunes auteurs tels qu’Étienne Nicolas Méhul. Pendant la Terreur, Rouen fut même une des rares villes à conserver une activité musicale importante et, en 1793, plusieurs concerts furent organisés avec le célèbre violoniste Rode et le ténor Garat.

Revenu à Rouen en 1791, Boieldieu composa alors ses premières œuvres sur des textes écrits par son père, La Fille coupable (2 novembre 1793), l’Hymne à la déesse Raison ou Chant populaire pour la Fête de la Raison pour chœur et orchestre (30 novembre 1793) puis Rosalie et Mirza en 1795, représentées à Rouen au temple de la Raison (ancienne cathédrale), obtinrent assez de succès pour l'encourager à tenter sa chance à Paris. Son maître Broche, ravi des succès de son élève, se permit, à cette occasion, un calembour, disant qu’il trouvait le jeune musicien « très habile en fugues », pour avoir fait jouer ces deux opéras, à Rouen, après son escapade à Paris.

Durant la période révolutionnaire, Boieldieu partit pour Paris et, prudemment, s'y installa comme accordeur de pianos. Seul l'opéra-comique offrait alors des débouchés pour ces œuvres hybrides, proches de l'opéra classique, mais comportant des dialogues parlés. L'œuvre la plus typique en est Médée de Cherubini (1797). L'opéra-comique, privilège de la troupe du même nom alors installée salle Favart, commença également à être représenté par la troupe du théâtre de Monsieur créée en 1789 et hébergée dans la salle des Machines du palais des Tuileries, avant de s'installer, en 1791, au théâtre Feydeau construit pour l'occasion. Jusqu'à leur fusion en 1801, les deux troupes se concurrencèrent, Favart multipliant spectacles patriotiques et œuvres plus légères de Méhul, Feydeau proposant plutôt des drames héroïques de Cherubini ou Lesueur. En 1797, Boieldieu proposa ainsi à Feydeau La Famille suisse et L'Heureuse Nouvelle et, l'année suivante, Zoraime et Zulmare à Favart. Le succès fut si considérable qu'on put le comparer à celui du Médée de Cherubini.

Fils spirituel de Grétry, Boieldieu privilégiait les mélodies sans ornements superflus qu'il mettait en valeur avec une instrumentation légère mais soignée, et des dialogues spirituels. Berlioz attribuait à sa musique une « élégance parisienne de bon goût qui plaît ». En 1800, Le Calife de Bagdad lui valut un véritable triomphe.

En 1803, il partit pour Saint-Pétersbourg afin d'occuper le poste de compositeur de la Cour impériale jusqu'en 1810 à l'invitation personnelle de l'Empereur Alexandre Ier. Il y composa neuf opéras dont Aline, reine de Golconde (1804) et Les Voitures versées (1808)11. De retour en France, il reconquit le public parisien avec La Jeune Femme en colère (1811), Jean de Paris (1812), Le Nouveau Seigneur de village (1813), Le Béarnais ou Henri IV en voyage (1814), Angéla ou l'Atelier de Jean Cousin (1814)…

Boieldieu devint professeur de composition au Conservatoire de Paris et, en 1817, succéda à Méhul à l'Académie des beaux-arts. Il reçut la Légion d'honneur en 1820.

En 1825, il publia son chef-d'œuvre, La Dame blanche. Basé sur « Le Monastère » et « Guy Mannering » de Walter Scott, ce qui est inhabituel à cette époque, le livret est construit sur le thème de l'enfant perdu puis heureusement reconnu in extremis. Le style de cet opéra a inspiré Donizetti (Lucia di Lammermoor), Bellini (I Puritani) et Bizet (La Jolie Fille de Perth). Reconnu comme une des premières tentatives d'introduction du fantastique dans l'opéra, La Dame blanche a également été un modèle pour les opéras Robert le Diable de Meyerbeer ou Faust de Gounod. Boieldieu composa un des airs les plus célèbres de La Dame Blanche, « Ah ! quel plaisir d'être soldat », à Villeneuve-Saint-Georges, en 1823.

Son opéra suivant, Les Deux Nuits (1829) fut admiré par Wagner qui loua « la vivacité et la grâce naturelle de l’esprit français » et qui s’inspira d’un des chœurs pour la Marche des fiançailles de Lohengrin. Il n’en fut pas moins un échec, principalement en raison de la faiblesse du livret de Bouilly, que le compositeur avait accepté de bonne foi. Cette déception a peut-être favorisé la maladie pulmonaire dont Boieldieu avait ramené les germes de Russie. En vain chercha-t-il à se rétablir dans la douceur du climat du sud de la France. Les difficultés financières augmentèrent les inconforts de la santé défaillante de Boieldieu qui perdit progressivement l’usage de la parole, sans doute du fait d’un cancer du larynx. La faillite de l’opéra-comique et l’expulsion, à la révolution de 1830, de Charles X, qui lui versait une pension, le privant de ses principales sources de revenus, ajoutèrent à son malheur. Afin de lui éviter la misère, Thiers lui assura une pension de l’État de 6 000 francs.
Le 25 septembre 1834, il fit sa dernière apparition publique à l’occasion de la première du Chalet d’Adolphe Adam, à l’issue de laquelle il rendit hommage à son ancien élève en lui écrivant : « Je voudrais que cette musique fût de moi ».

Il meurt le 8 octobre 1834, dans sa maison de campagne de Varennes-Jarcy.

Son fils Adrien (1816-1883), éduqué au conservatoire sous son père, était également compositeur.
Sa petite-fille, la pianiste Louise Boieldieu, fille d’Adrien Boieldieu et de Fanny Defourneaux, épousa le compositeur Émile Durand.

Le Grand Théâtre de Lübeck présente en octobre l'opéra exceptionnel La passagère de Mieczysław Weinberg, qui a pour thème le souvenir du crime contre l'humanité qu'est Auschwitz. La première dans la mise en scène de Bernd Reiner Krieger aura lieu le 12 octobre sous la direction musicale de Takahiro Nagasaki.

Quinze ans après la fin de la Seconde Guerre mondiale, un diplomate allemand et sa femme voyagent sur un bateau entre l'Europe et le Brésil, où il doit prendre un nouveau poste. Soudain, la femme perçoit à bord une passagère qui lui rappelle une prisonnière du camp de concentration d'Auschwitz, où elle était elle-même surveillante. Elle n'a jamais parlé de ce passé à son mari et l'a elle-même refoulé autant que possible. Mais maintenant, des images de sa propre implication et de sa culpabilité surgissent ; le voyage en bateau la conduit inexorablement dans ses propres abîmes.

Dans son roman "La passagère", Zofia Posmysz, survivante d'Auschwitz, s'est inspirée d'expériences autobiographiques. Mieczysław Weinberg, profondément ému par l'histoire, a composé en 1968 un opéra d'après le sujet, qui n'a jamais été représenté de son vivant et qui a été donné pour la première fois sous forme scénique en 2010.
L'œuvre, qui s'oppose de toutes ses forces à l'oubli de cette rupture civilisationnelle, est précédée d'une citation du poète Paul Éluard en guise de devise : « Si l'écho de vos voix s'éteint, nous périrons ».

Le Concours de violon Joseph Joachim, qui a lieu tous les trois ans à Hanovre, a décerné cette année 2024 un premier prix ex aequo à Angela Chan (Hong Kong) et Jacques Forestier (Canada), âgés respectivement de 27 et 19 ans.

Ils recevront chacun un prix en espèces de 15 000 euros. Angela Chan a également remporté le prix de la meilleure interprétation de l'œuvre commandée à Enno Poppe, tandis que le prix du public a été décerné à Jacques Forestier. Le troisième lauréat, Kyumin Park, recevra 10 000 euros.