Gabriel Schwabe, violoncelliste 

"Un violoncelliste de haut vol, doté d'une grande capacité créative et d'une maîtrise phénoménale de son instrument" : c'est ainsi que le critique musical Norbert Hornig décrivait, il y a cinq ans, le jeune violoncelliste Gabriel Schwabe. Né à Berlin en 1988, ce musicien ne cesse de combler le public et les critiques, en particulier grâce aux albums qu'il a enregistrés sous le label Naxos avec lequel il collabore depuis 2015. Lors de la remise des prix des International Classical Music Awards, le 21 avril prochain à Wroclaw, il représentera Naxos, qui a remporté le Prix de label ICMA de l'année. Frauke Adrians, du magazine Das Orchester, membre du jury de l'ICMA, s'est entretenue avec Gabriel Schwabe.

Gabriel Schwabe, sur votre dernier CD, vous interprétez des ballades de Chostakovitch et Prokofiev, entre autres. Vous sentez-vous particulièrement à l'aise dans cette musique ?

J'ai une affinité naturelle avec le XXe siècle -c'est le répertoire auquel j'ai le plus facilement accès. Mais cela ne signifie pas que j'y suis enfermé. En général, je suis aussi très à l'aise avec tout ce qui est romantique. En tant que soliste, il est bon d'avoir un large éventail de répertoires. Et en tant que violoncelliste -contrairement au piano ou au violon- vous êtes en mesure de connaître toutes les œuvres essentielles de la littérature. Si vous avez ensuite la liberté de découvrir de temps en temps quelque chose de nouveau, vous pouvez vous estimer heureux. Je m'attaque volontiers à quelque chose de plus méconnu si c'est une musique dont je suis convaincu à cent pour cent.

Comme le concerto pour violoncelle Oration de Frank Bridge sur votre  dernier disque  ?

Exactement. C'est une musique qui mérite vraiment d'être redécouverte. Avec le label Naxos, j'ai longtemps bricolé un concept pour ce CD. Rétrospectivement, il est étonnant que nous ayons bricolé si longtemps, car le couple Bridge-Elgar est en fait évident. Les deux compositeurs ont écrit leurs concertos sous l'impression de la Première Guerre mondiale, et leurs œuvres sont proches l'une de l'autre en termes de contenu et d'émotion. Seulement, l'Oration de Bridge a été presque oubliée peu après sa création, alors que le concerto d'Elgar est resté connu et populaire tout au long de son histoire.

Lorsque l'on entend le Concerto pour violoncelle d'Elgar, on pense inévitablement à Jacqueline du Pré. Est-elle -ou d'autres maîtres anciens du violoncelle- un modèle à émuler pour vous ?

Jacqueline du Pré -et je pourrais citer d'autres "maîtres anciens"- est une importante source d'inspiration pour moi. Seulement, lorsque vous jouez le concerto d'Elgar, vous ne devez pas faire l'erreur d'essayer de suivre les traces de du Pré. Je pense que chaque violoncelliste et chaque violoniste en arrive à ses interprétations personnelles. Pour moi, l'étude des grands prédécesseurs et de leurs enregistrements est très enrichissante et m'incite à trouver ma propre voie musicale.

Naxos vous laisse-t-il la liberté de choisir le répertoire de vos enregistrements ?

Oui ! Nous préparons les projets conjointement ; c'était déjà le cas pour l’album avec les œuvres de Saint-Saëns pour violoncelle et orchestre, que j'ai enregistré avec l'Orchestre Symphonique de Malmö dirigé par Marc Soustrot en 2017. La collaboration avec Naxos est excellente ; avec ce label, je peux enregistrer n'importe lequel de mes disqes avec des orchestres de premier ordre et de grands chefs.

Lorsque Naxos était encore jeune, à la fin des années 80 et au début des années 90, le label n'avait pas une bonne réputation, du moins en Allemagne, parmi un certain nombre de musiciens et d'acheteurs de disques. Les CD étaient agréablement bon marché, mais en contrepartie vous obteniez des enregistrements médiocres avec des artistes médiocres…

Ces préjugés ne m'ont jamais intéressé, ils ne correspondent pas du tout à mes propres expériences. Les albums édités par Naxos ont été parmi les premiers que j'ai achetés en tant qu'élève et étudiant, et pas seulement parce qu'ils étaient si bon marché. J'ai toujours aimé le fait que Naxos se concentre sur le répertoire et non sur l'artiste ou la "star classique". J'ai constaté que cet accent mis sur le répertoire attire un certain type de musicien. Chacun l'aborde avec beaucoup de sérieux et de sincérité. En outre, Naxos a une amplitude très large -il y a toujours quelque chose de nouveau à découvrir en tant qu'auditeur, mais aussi en tant que musicien ! Je suis très heureux d'avoir été signé par ce label et qu'un grand partenariat en soit résulté au fil des ans.

Comment en êtes-vous venu à jouer du violoncelle ? A-t-il toujours été l'instrument de vos rêves, selon la devise : violoncelle ou pas du tout ?

Ma mère est professeur de piano, donc le piano était toujours présent à la maison, et j'ai commencé à en jouer quand j'étais enfant. Plus tard, le violon est arrivé, mais je n'avais aucune aptitude naturelle pour cet instrument -par exemple, je n'ai jamais pu vibrer sur le violon ! J'ai alors trouvé que le violoncelle était une mise à niveau naturelle, et c'est exactement l'instrument que j'ai choisi pour moi à l'âge de huit ans. Et heureusement, j'ai pu apprendre à jouer du violoncelle à mon école de Berlin-Neukölln.

Par la suite, quels professeurs ont été les plus importants pour vous ?

Essentiellement deux : Catalin Ilea à l'Université des Arts à Berlin, à qui je suis venu très tôt -une icône de l'éducation musicale, c'était une période formatrice pour moi. Et Frans Helmerson à l'Académie Kronberg. Tous deux m'ont enseigné d'une manière incroyablement douce et aimante, mais en même temps, ils m'ont fait comprendre qu'ils me demandaient aussi beaucoup. L'interaction avec ces deux personnes m'a également fait comprendre que je voulais aussi enseigner moi-même, transmettre mes connaissances et mes compétences.

J'ai eu la chance de rencontrer János Starker lors de sa dernière visite en Europe -cette rencontre a été très formatrice. D'autres professeurs importants pour moi ont été, par exemple, Gary Hoffman, qui est venu à Kronberg en tant que conférencier invité, et Heinrich Schiff.

Et quand avez-vous réalisé que votre carrière ne s'orientait pas vers un poste d'orchestre mais vers une carrière de soliste ?

Une telle chose peut difficilement être planifiée ! C'est à l'âge de 14 ou 15 ans que j'ai eu l'idée pour la première fois que je pouvais faire du violoncelle mon métier, et je m'y suis attaché avec beaucoup d'idéalisme et de joie. Puis est arrivé l'un ou l'autre concours qui s'est très bien passé. Tout le reste s'est mis en place. La chance y est aussi pour quelque chose !

Vous jouez sur un violoncelle Guarneri de 1695. Est-ce l'instrument idéal dans tous les cas -ou flirtez-vous parfois avec un violoncelle plus moderne pour un répertoire plus récent ?

Mon Guarneri est le violoncelle de mes rêves. Il était à vendre il y a quelques années, et j'ai eu la chance de trouver une famille qui pouvait me fournir cet instrument. Je connais beaucoup de collègues qui ont plusieurs violoncelles et archets, mais j'aime avoir exactement un violoncelle et un archet avec lesquels je sens que je peux vraiment tout faire. Il se peut que l'instrument ait aussi des faiblesses, mais je peux bien les gérer.

Vous ne vous contentez pas de donner des concerts et d'enregistrer des disques, vous enseignez également à Maastricht et à Cologne. Ces deux villes ne sont pas tout à fait à côté de Berlin, votre ville natale. Comment gérez-vous tout cela -en termes de temps, de logistique, d'énergie ?

Cela demande en effet beaucoup d'efforts logistiques, mais pour l'instant cela fonctionne bien. Cela me procure beaucoup de plaisir et me donne aussi beaucoup en retour. Bien sûr, je suis souvent sur la route et j'ai déjà manqué des vols parce que le personnel de la compagnie aérienne ne pouvait pas prendre en charge le violoncelle. Mais ce n'est qu'une partie du problème. J'aime beaucoup voyager, mais c'est aussi épuisant.

Les années Corona 2020-2022 ont été très difficiles pour la plupart des musiciens indépendants. Comment avez-vous surmonté cette période ?

J'ai été privilégié par ma titularisation en tant que professeur d'université, et ma femme enseigne également à l'université, donc nos soucis financiers n'étaient pas aussi importants que ceux de nombreux collègues. Mais c'était un défi de ne pas pouvoir jouer en public pendant une si longue période. Mon épouse -qui est violoniste- et moi avons également profité de cette phase pour nous plonger dans la musique, pour répéter, pour apprendre à connaître les œuvres. Puis, au milieu de l'enfermement, une collaboration très spéciale s'est présentée à moi avec l'Orchestre Symphonique de la radio de Vienne de l'ORF sur les concertos pour violoncelle de Bridge et d'Elgar. Jusqu'à une semaine avant le début du projet, je ne savais même pas si je pourrais entrer à Vienne dans des conditions de confinement ! Mais ça a marché.

Quel est votre prochain projet musical ?

À court terme, j'ai un grand projet Beethoven. Je considère cela comme un privilège -c'est incroyable ce qui se passe musicalement dans les œuvres de Beethoven. Il a posé des jalons ! Je dois admettre qu'enfant, je ne comprenais pas du tout Beethoven. Il m'a fallu beaucoup de temps pour me rapprocher de lui. Aujourd'hui, par exemple, quand je pense à la Sonate pour violoncelle n° 5 en ré majeur, op. 102.2 -et surtout à la fugu - je ne dirais pas encore que je comprends tout ce qui s'y passe. Beethoven doit être découvert par soi-même, encore et encore. L'interaction avec l'interprète est la chose la plus importante.

J'essaie également de transmettre cela à mes élèves : regardez toujours la partition d'un œil neuf, découvrez chaque œuvre à nouveau pour vous-même, même s'il ne s'agit que de détails. Ainsi, vous restez vivant en tant que musicien !

Le site de Gabriel Schwabe :   www.gabrielschwabe.com

Propos recueillis par Frauke Adrians. Traduction et adaptation : Crescendo Magazine 

Crédits photographiques : DR