La Dame de Pique et Adriana Lecouvreur à La Scala de Milan
Quel théâtre en Europe peut-il afficher, durant un week-end, Adriana Lecouvreur le samedi soir et La Dame de Pique le dimanche en matinée ? C’est donc la gageure que relève fréquemment la Scala de Milan. Indépendamment des productions, il faut en évoquer une constante, la qualité irréprochable de l’orchestre et du chœur.
Depuis l’après-guerre, Adriana Lecouvreur a été représentée trois fois entre septembre 1948 et juillet 1958 en confiant le rôle-titre à Mafalda Favero, Renata Tebaldi, Clara Petrella et Magda Olivero. Puis pendant trente ans, l’ouvrage a été laissé de côté. Et il a fallu attendre le 30 mai 1989 pour le voir réapparaître dans une nouvelle production de Lamberto Puggelli qui a eu pour interprètes majeures Mirella Freni et Daniela Dessì jusqu’à la fin avril 2007. Quinze ans plus tard, Dominique Meyer, l’actuel surintendant, présente la mise en scène de David McVicar qu’il a coproduit avec le Royal Opera House Covent Garden, le Liceu de Barcelone, la Staatsoper de Vienne, l’Opéra National de Paris et le San Francisco Opera ; et ce spectacle a déjà été immortalisé par un DVD réalisé lors des représentations londoniennes avec Angela Gheorghiu et Jonas Kaufmann.
Il suffit de quelques lignes pour en remarquer l’intelligente conception dans un magnifique décor de Charles Edwards nous montrant l’envers du plateau de la Comédie-Française et la fourmilière des coulisses. Sa structure amovible servira ensuite de porte d’accès au Pavillon de la Grange-Batelière puis dominera la salle des fêtes du Palais Bouillon avant de revenir à sa position initiale, près de laquelle sera dressée une paillasse de fortune permettant à l’héroïne de s’isoler du monde extérieur. Sous d’habiles jeux de lumière conçus par Adam Silverman et repris par Marco Filibeck, les somptueux costumes de Brigitte Reiffenstuel jouent sur les brocards sombres de l’aristocratie contrastant avec les tenues pastel d’Adriana et la bigarrure des vêtements de scène. Le côté nunuche du divertissement de l’acte III fait sourire par sa chorégraphie compassée (imaginée par Andrew George) qui passe totalement inaperçue. Et la régie de David McVicar déroule avec une rare lisibilité une intrigue enchevêtrée par les quiproquos et les faux-semblants.
Quant à l’aspect musical, il faut d’abord parler du chef Giampaolo Bisanti qui galvanise chœur et orchestre en leur insufflant une dynamique passionnée, tout en mettant en valeur le raffinement de l’écriture. A ce propos, le Preludio au quatrième acte s’intériorise en un pianissimo inquiétant où miroitent les effets d’écho.
Sur scène, à la suite du désistement d’Anna Netrebko qui, pour les raisons politiques que l’on sait, a décidé de mettre sa carrière en berne, Maria Agresta assume à elle seule les sept représentations d’Adriana en prêtant à la protagoniste un timbre peu plaisant à première vue qui s’enrichit rapidement d’un phrasé magistral cultivant de suaves piani dans l’aigu et rendant son « Poveri fiori » bouleversant. Lui manque encore ce sens du declamato pour la lecture parlée de sa scène d’entrée et pour le monologue de Phèdre, ce dont lui donnera le secret la mythique Raina Kabaivanska qui assiste à plusieurs des représentations. Toutefois, elle a d’emblée la présence de la grande tragédienne. L’on en dira autant de Judit Kutasi, mezzosoprano roumaine débarquant à la dernière heure pour reprendre le rôle redoutable de la Princesse de Bouillon. Dès les premières mesures d’ « Acerba voluttà, dolce tortura », se répand une voix ample et fastueuse sur l’ensemble de la tessiture qui rend son personnage aussi hautain que passionné. Quant à Maurizio di Sassonia, il est incarné par Yusif Eyvazov qui, à la surprise générale, a décidé de maintenir son engagement malgré l’absence de Mme Netrebko, son épouse. Vraisemblablement libéré du joug conjugal, il livre un chant généreux qui estompe le métal guttural sous un phrasé soigné que ne laissait pas imaginer son Andrea Chénier d’ouverture de saison 2017-2018. Abandonnant pour quelques soirs son Falstaff d’anthologie, Ambrogio Maestri prête sa corpulence imposante à l’humble Michonnet ; il en possède la diction châtiée du véritable régisseur de scène, tout en faisant vibrer la corde de l’émotion dans la longue scène de l’acte IV avec Adriana. Cet art du dire est aussi l’apanage du ténor Carlo Bosi, Abbé de Chazeuil retors, et de la basse Alessandro Spina, Prince de Bouillon, enjôleur sous son obséquiosité. Le quatuor des collèges d’Adriana est remarquable de cohésion grâce à Caterina Sala (Mlle Jouvenot), Svetlina Stoyanova (Mlle Dangeville), Francesco Pittari (Quinault) et Costantino Finucci (Poisson). En résumé, un bien beau spectacle !
Pour ce qui est de La Dame de Pique, l’ouvrage n’a connu, depuis l’après-guerre, que quatre séries de représentations entre janvier 1961 et mars 2005, dont une donnée par la troupe du Bolchoi en octobre 1964.
Pour cette nouvelle production, le choix s’est porté sur le metteur en scène allemand Matthias Hartmann collaborant avec Volker Hintermeier pour les décors, Malte Lübben pour les costumes et Matthias Märker pour les lumières. Que de noir pour ce chef-d’œuvre de Tchaikovsky nous privant du Jardin des Plantes de Saint-Pétersbourg en nous confrontant à d’aveuglants néons sur tubulaires qui ont la judicieuse idée d’éclater durant la scène d’orage. Les murs se couvrent ensuite de voiles grisâtres dans une chambre de Lisa où les jeunes délurées, toutes de blanc vêtues, s’enivrent à la vodka avant une bataille de coussins sous lesquels le pauvre Hermann tentera de se cacher en suscitant l’hilarité générale. Tout aussi ridicule, la chorégraphie que Paul Blackman a élaborée pour le divertissement chez un riche dignitaire, où un chèvrepied lascif et son compère se partagent une frêle naïade qui a déjà les fesses à l’air. Cependant, le salon est au moins cossu avec ses baies vitrées, ses tentures et ses lustres clinquants. La chambre à coucher de la Comtesse, lourdement capitonnée, nous présente un portrait de ses jeunes années qu’elle veut retrouver en arrachant son masque plastifié et en revêtant de vaporeux voiles comme Marie Bell jouant Phèdre. Dans la chapelle mortuaire, son ombre, démesurément agrandie par les néons, lui fera livrer le secret des trois cartes que l’ombre omniprésente du Comte de Saint-Germain veut réduire au silence. Finalement, ce sont les deux derniers tableaux qui nouent le drame avec le gigantesque escalier amenant Lisa à se jeter dans la Neva puis avec le bar pour débauchés huppés et sa table illuminée où ne restera que le cadavre d’Hermann.
Là aussi la baguette du jeune Timur Zangiev fait merveille ! Assistant de Valery Gergiev qui n’a dirigé que la première du 23 février puis a préféré garder le silence sur sa compromission avec le pouvoir moscovite, il a assuré toute la préparation du spectacle et a été plébiscité par l’Orchestre de la Scala qui a suggéré de lui confier les représentations subséquentes. Pas une seconde l’on déplore l’absence de son maître, tant l’on est emporté par un discours passionné qui ménage les pianissimi les plus ténus tout en laissant se répandre les lames sonores les plus cinglantes. Le Chœur n’a aucune peine à s’incorporer à ce flux incandescent qui vous tient en haleine jusqu’à la saisissante péroraison.
Quant à la distribution vocale, elle est dominée par la vieille Comtesse de Julia Gertseva qui relègue au rayon des antiquités toutes ses collègues en fin de carrière qui n’ont plus de voix. Elle défie les outrages du temps en profitant de la romance de Blondel dans le Richard Coeur de Lion de Grétry pour renaître comme un phénix, s’écrouler dans la prostration, puis hanter la chambre funéraire comme un spectre. Sa nièce, Lisa, campée par Asmik Grigorian, ne lui cède en rien par l’intensité dramatique qui habite autant son être que son chant, en faisant oublier un aigu guttural en début de spectacle. Le ténor ouzbèke Najmiddin Mavlyanov lui donne la réplique en incarnant un Hermann halluciné qui masque les tensions dans la tessiture haute sous une ligne vocale bien menée, le rendant éloquent dans ses supplications. Remarquable par la qualité du timbre et le phrasé soigné, le Prince Jeletzky du baryton Alexey Markov, alors que son collègue Roman Burdenko personnifie un Comte Tomsky volontiers cynique dans sa narration que commentent sarcastiquement le Tchekalinsky d’Evgeny Akimov et le Surin d’Alexei Botnarciuk. La mezzo Elena Maximova dessine une Pauline touchante par sa mélancolie face à la Gouvernante faussement sévère d’Olga Savova. La distribution est adroitement complétée par la Macha de Maria Nazarova qui se métamorphose en Prilepa pimpante dialoguant avec le Milovzor fringant d’Olga Syniakova. Au rideau final, de délirantes ovations pour l’ensemble du plateau.
Mila, La Scala les 12 et 13 mars 2022
Paul-André Demierre
Crédits photographiques : Brescia e Amisano©Teatro alla Scala