Musique sacrée de Schütz : confrontée à la discographie, une intégrale qui fait date

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Die Gesamteinspielung. Heinrich Schütz (1585-1672) : Geistliche Chor-Musik 1648 ; Italienische Madrigals ; Musikalische Exequien ; Zwölf geistliche Gesänge ; Cantiones Sacrae ; Lukaspassion ; Die Sieben Worte Jesu Christi am Kreuz ; Kleine geistliche Konzerte I & II ; Psalmen Davids ; Auferstehungshistorie ; Weihnachshistorie ; Matthäuspassion ; Symphoniae Sacrae I-III ; Johannespassion ; Becker-Psalter ; Schwanengesang ; Madrigale ; Hochzeitsmusiken ; Psalmen ; Friedensmusiken. Hans-Christoph Rademann, Dresdner Kammerchor. Capella Sagittariana Dresden. The Sirius Viols. Dresdner Barockorchester. Etc. Livret en allemand, anglais. Pas de texte des paroles. Novembre 2006 à juillet 2018. 28 CDs TT 29h21’28. Carus Verlag CV 83.048

A Lausanne, un Onéguine défiant les conventions 

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En ce début avril, l’Opéra de Lausanne affiche pour quatre représentations l’Eugène Onéguine qui aurait dû ouvrir la saison 2020-2021. Eric Vigié, le directeur du théâtre, en avait conçu la mise en scène et les costumes en considérant chaque acte comme « un lent glissement vers l’inéluctable révolution sociale et politique qui débutera en mars 1905 et, faute de vraies réformes, aboutira au coup d’état bolchévique d’octobre 1917 ».

Aujourd’hui, avant que le rideau ne se lève, est projeté sur écran un message de soutien à l’Ukraine. Eric Vigié paraît à l’avant-scène en déclarant qu’il a décidé de ne pas modifier sa production élaborée il y a quatre ou cinq ans. Durant l’introduction symphonique défilent des séquences filmées de la Révolution d’octobre 1917. Puis apparaît le premier tableau : sous de beaux éclairages dus à Henri Merzeau, le décor de Gary McCann consiste en une plateforme entourée de panneaux coulissants avec une longue table, quatre chaises et une escarpolette à l’extrême droite. Vêtues d’un blanc immaculé, Madame Larina et ses deux filles, Tatyana et Olga, sont entourées par la nourrice Filipyevna et quelques serviteurs portant des tenues beiges comme les moissonneurs qui déposent trois motifs de paille à sujet religieux. Tandis que paraît une procession portant bannière, descend des cintres un dôme en bulbe qui semble peser sur l’assistance. La venue de Lensky et de son ami Onéguine amène Tatyana à s’isoler dans un pavillon délabré où elle écrira sa fameuse lettre que le destinataire lui restituera dans un geste d’une rare muflerie. Le deuxième acte nous plonge en pleine effervescence de rébellion. Le dôme se métamorphose en orifice de canon sur lequel se juche Tatyana en égérie, arborant un bien étrange bonnet phrygien. En ce qui concerne la Valse, la chorégraphie de Jean-Philippe Guilois se limite à sa plus simple expression en faisant tourbillonner une Olga totalement délurée avec la soldatesque bolchévique et Onéguine promu lieutenant. La pauvre Madame Larina, engoncée dans ses fourrures, sera même forcée à mener le cotillon avec deux ou trois soudards. Puis en présence d’un clerc, Lensky fera ses adieux à la vie, car le tirage au sort ne concédera qu’un seul pistolet à son adversaire qui tirera le coup mortel. Quant au dernier acte, il nous entraîne dans la salle d’apparat d’un Grémine devenu oligarque faisant face aux monumentales statues de Lénine et Staline dont le piédestal livrera passage à un petit rat sur pointes esquissant deux ou trois pirouettes sur le motif de la Polonaise. Le dénouement fera sortir quelques fêtards endormis, bousculés par un Onéguine éperdu, étreignant la roide Tatyana à la coupe garçonne, drapée dans un rouge éclatant, qui laissera les gardes emmener son soupirant éconduit, avant d’affronter son époux se dressant devant la porte comme un redoutable justicier.

Phaéton de Lully à l'opéra de Nice

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Événement à l'Opéra de Nice avec cette série de représentations de Phaéton de Jean-Baptiste Lully et de son librettiste Philippe Quinault. Le public est heureux de retrouver cette production tant attendue qui avait été victime en 2020 du premier confinement avec une seule représentation sur la scène de l’opéra azuréen. 

Cette oeuvre hybride de théâtre chanté, basée sur l'une des intrigues des Métamorphoses d'Ovide, narre le récit mythologique des aventures de Phaéton. Le sujet se prête bien à un spectacle total tant par son sujet que par sa signification politique :  une référence directe au sort de Nicolas Fouquet, le surintendant qui tomba en disgrâce et fut emprisonné par Louis XIV après une fête somptueuse, jugée outrancière par le roi. 

La mise en scène du danseur et chorégraphe Eric Oberdorff est étonnante et brillante : il fait danser les chanteurs aux côtés du corps de ballet et des acrobates. Une partie des chœurs est sur scène, l'autre est dans les premières loges. On est frappé par la plateforme tournante du décorateur Bruno de Lavenère. Au départ tout est sombre, on est dans le monde des ténèbres. Lentement on va vers la lumière et le soleil. Toute une symbolique brillamment habitée scéniquement. 

Si nuancé, si intense « Julie » de Philippe Boesmans à Nancy

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A l’Opéra de Nancy, c’est un public enthousiaste qui a manifesté son bonheur à l’issue de la représentation d’un opéra contemporain, Julie de Philippe Boesmans. Un opéra créé à La Monnaie en mars 2005 (certains de nos lecteurs s’en souviendront certainement) et inspiré de Mademoiselle Julie, une pièce d’August Strindberg, créée, elle, en 1889. 

Là-bas dans le Nord scandinave, une nuit de la Saint-Jean : Julie, la fille du Comte, descend aux cuisines. Au mépris des convenances, elle invite Jean, le domestique de son père, à danser, sans se soucier de la présence de la fiancée de celui-ci, Kristin, la cuisinière. Ils ont beaucoup bu, ils se font part de leurs rêves les plus secrets, ils font l’amour, ils vont, disent-ils, s’enfuir, aller ouvrir un hôtel en Suisse. Mais le jour se lève, qui les révèle tels qu’ils sont, en mépris de classe réciproque. Retour du Comte. Jean, qui répond servilement à ses appels, offre son rasoir à Julie. Elle se donne la mort. L’invitation à la danse s’est métamorphosée, pour reprendre un autre titre de Strindberg, en une « danse de mort ». 

La pièce de Strindberg porte un sous-titre : « tragédie naturaliste », que je mentionne parce que l’œuvre de Boesmans ainsi que sa mise en scène à l’Opéra de Nancy par Silvia Costa disent certes bien la tragédie, mais sont tout sauf naturalistes ! Le travail de composition de l’un et l’installation scénique de l’autre se caractérisent par une extrême délicatesse, un superbe sens des nuances qui enrichissent l’œuvre sans aucunement porter atteinte à sa force tragique, à son intensité. C’est absolument remarquable.

De l’opérette à l’opéra « Mignon » d’Ambroise Thomas  à Liège

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 A l’Opéra de Wallonie-Liège, Mignon d’Ambroise Thomas, dont nous avons assisté à la générale, confronte ses spectateurs à des atmosphères contrastées, d’abord légères comme celles d’une opérette, dramatiques ensuite comme dans un opéra. Si les voix sont tout aussi contrastées, elles sont très belles.

D’un point de vue historico-biographique, on retiendra de cette œuvre qu’elle a enfin offert reconnaissance, consécration et gloire tardives à son auteur -Ambroise Thomas avait cinquante ans quand il l’a composée et créée en 1866- et qu’elle est révélatrice des sinusoïdes des goûts lyriques : plus de 1000 représentations du vivant de son compositeur -un recor -, l’oubli ensuite. Elle n’est presque plus produite. Sa présence est bienvenue à l’Opéra de Wallonie-Liège. 

Mignon, c’est la relecture, en partie du moins, d’une œuvre de Goethe, les Années d’apprentissage de Wilhelm Meister. Ce jeune homme, ému par le triste sort réservé à « un danseur », Mignon, le rachète à son histrion harceleur. Parallèlement, il est séduit par Philine, une comédienne-diva plutôt capricieuse. On va découvrir que Mignon est en réalité une belle jeune fille qu’un terrible destin n’a pas épargnée.

Nouveau Siècle de Lille le 29 mars : Les Siècles, de bruit en fureur

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Quelle affiche ! Un des moments forts de la programmation 2021-2022 du lieu, voire son acmé. Lors des ultimes applaudissements, François-Xavier Roth prit la parole pour rappeler que Stravinsky et Xenakis étaient des exilés, que la musique est un langage de compréhension des uns et des autres, un message de paix. Chacun décoda l’allusion, certains spectateurs se levèrent dans les rangs. Le moment d’échange entre les artistes et le public lors du Bord de scène consacra d’ailleurs ses deux questions au compositeur d’origine grecque né voilà cent ans en 1922 : son engagement militant, ses blessures, son rapport aux sciences (il était diplômé de l’École Polytechnique d’Athènes, présentant un mémoire sur le béton armé) et leur influence sur sa musique, marquée par les mathématiques, la probabilité, le sens architectural.

Le concert s’ouvrait par un de ses opus daté de 1985, confié à trois ensembles (3 flûtes, 3 clarinettes, 6 cors, 3 trombones, 3 percussionnistes, 3 harpes, 3 violons, 6 violoncelles) spatialement organisés en triangle, et alimenté par la théorie des cribles. Pour une structure et un langage aussi exigeants, déployés en quelque vingt-deux minutes, on aurait aimé que l’exécution soit précédée d’un silence de mise en condition, qui préparât l’audience à la concentration nécessaire. Faute de quoi, quelques bavardages résiduels et bruits de fauteuils, quelques rires juvéniles polluèrent la diaphane entrée en matière crissant à l’extrême-aigu des cordes. La section centrale, « pesant et hiératique », dominée par la procession des cuivres, imposa une présence forte, malgré un procédé qui peine à se renouveler. « C’est quand même un peu long » entendimes-nous lors de paroles saisies à la sortie de salle. Le maestro et ses pupitres parvinrent néanmoins à maintenir la tension et défendre la temporalité de l’œuvre (une « fascinante géographie du son » selon la note de Laurent Vilarem), jusque l’agglomération finale des tambours qui produisit son plein effet, et légitimait le titre accordé à ce programme : « explosions musicales ».

Célèbres cantates de Bach : deux nouvelles parutions

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Johann Sebastian Bach (1685-1750) : Cantates Ich habe genug BWV 82 ; Liebster Jesu, mein Verlangen BWV 32 ; Gottes Zeit ist die allerbeste Zeit BWV 106. Joanne Lunn, soprano. Katie Bray, alto. Hugo Hymas, ténor. Matthew Brook, Robert Davies, basse. Alexandra Bellamy, hautbois. James Johnstone, orgue. Dunedin Consort, direction John Butt. Décembre 2020. Livret en anglais, allemand et français (paroles des cantates avec traduction anglaise). TT 66’16. Linn CKD 672

Johann Sebastian Bach (1685-1750) : Cantates Ich hatte viel Bekümmernis BWV 21 ; Herz und Mund und Tat und Leben BWV 147. Núria Rial, soprano. Wiebke Lehmkuhl, alto. Benedikt Kristjánsson, ténor. Matthias Winckhler, basse. Gaechinger Cantorey. Hans-Christoph Rademann. Février 2021. Livret en allemand et anglais (paroles des cantates avec traduction anglaise). TT 65’43. Carus 83.522

A Genève, un saisissant Sleepless de Peter Eötvös  

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A la suite du succès triomphal remporté par Atys de Lully dans la production d’Angelin Preljocaj, le Grand-Théâtre de Genève nous entraîne dans un univers radicalement différent avec la création suisse de Sleepless de Peter Eötvös, coproduction avec la Staatsoper Unter den Linden de Berlin qui l’a présentée en novembre 2021.

Le livret de Mari Metzei est basé sur la Trilogie de John Fosse réunissant trois épisodes dramatiques qui étudient le rapport entre l’individu et la société. C’est pourquoi il nous met en présence de deux jeunes, Alida et Asle, qui sont rejetés par le monde qui les entoure. La jeune femme est enceinte et pour faire une place à l’enfant qui va naître, son compagnon, fonctionnant comme le petit garçon totalement démuni, sombrera dans la violence déraisonnable l’amenant à perpétrer plusieurs meurtres. Issus de familles dysfonctionnelles, tous deux vivent dans l’illusion et deviennent des marginaux sans défense, incapables de trouver leur voie. A l’instar de Vreli et Sali dans A Village Romeo and Juliet de Frederick Delius, ils n’ont qu’un seul bien, le violon du père Sigvald, qu’Asle troquera contre un bracelet, sous le regard réprobateur d’un mystérieux homme en noir. 

Pour dépeindre cet univers norvégien rappelant Peer Gynt, Peter Eötvös crée une atmosphère sonore fluide contrastant avec l’hyper-réalité du sujet élaboré comme un opéra-ballade en treize scènes dont les douze premières, actives et conflictuelles, se basent sur les douze tons chromatiques  (si - fa, fa dièse - do, etc.). Mais cette savante construction harmonique n’a rien de rébarbatif car elle constitue un style narratif qui débouche sur un monologue final chargé d’une indicible émotion. Et six voix de femmes, placées sur des balcons latéraux, portent conseil comme les Nornes et commentent l’action comme le chœur antique. Le rapport entre les voix et l’orchestre est savamment équilibré puisque jamais le discours n’est submergé par l’effectif instrumental pourtant considérable. 

Pierre Cao, une carrière musicale

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Le chef d'orchestre luxembourgeois Pierre Cao est lauréat d'un Special Achievement Award décerné par le jury  des International Classical Music Awards 2022. Guy Engels (radio 100,7/Luxembourg, membre du jury) a eu l'occasion de s'entretenir avec ce musicien qui est l’un des chefs de choeurs les plus importants de notre époque. 

Pierre Cao, vous êtes venu à la musique relativement tard, après avoir pris une autre voie professionnelle.

Je n'ai jamais été destiné à être musicien professionnel. Après avoir terminé mon cycle scolaire, j'ai travaillé dans une usine de machines à laver. Ce n'est que lorsque j'ai passé un long séjour dans un sanatorium en Suisse pour des raisons de santé que j'ai décidé de faire de la musique. Mes parents étaient d'accord, même si ce n'était pas facile pour eux car ils n'avaient pas les moyens financiers.

J'ai aussi eu du mal à m'adapter à ce nouveau monde pendant longtemps. Je manquais des bases d'études classiques et j'évoluais dans des cercles qui n'étaient pas mon univers. J'en ai beaucoup souffert. En tant que jeune chef d'orchestre, j'évitais autant que possible les rendez-vous officiels. Je me suis vite rendu compte que c'était le fonctionnaire plutôt que la personne qui était invité. Ce n'est que bien plus tard que j'ai vu cela plus calmement et que j'ai pu l'accepter.

Vous êtes ensuite devenu très tôt chef d'orchestre avec l'ancien orchestre symphonique de RTL - aujourd'hui l'Orchestre Philharmonique du Luxembourg.

En effet, mais je me suis vite rendu compte que ce poste n'était pas pour moi. Je manquais de répertoire et d'expérience. Pourtant, les conditions de travail étaient idéales. J'avais obtenu un contrat à vie, ce qui me mettait au même niveau qu'Herbert von Karajan. Cependant, je ne me sentais pas à l'aise dans ce qui se passait. Et comme j'ai toujours été honnête avec moi-même, j'ai décidé de démissionner en 1976. C'était la bonne décision. Il m'a ensuite fallu beaucoup de temps pour revenir à la direction d'orchestre. J'ai certainement commis de nombreuses erreurs dans ma carrière musicale, mais au final, j'ai aussi eu beaucoup de chance.