Johannes Bernardus Van Bree (1801-1857) : Quatuor à cordes no 1 en la mineur. Quatuor à cordes no 2 en mi bémol majeur. Utrecht String Quartet. Eeva Koskinen, Katherine Routley, violon. Mikhail Zemtsov, alto. Sebastian Koloski, violoncelle. 2023. Livret en anglais, français, allemand. 53’40''. MDG 603 2302-2
Il est difficile, voire impossible, d’assister à un récital de ce grand artiste turc (qui atteignait précisément hier sa cinquante-cinquième année) et de rester impassible face au flot d’émotions et de visions incantatoires qu’il nous procure avec une véhémence et exaltation majeures. Le public bariolé, et bien plus jeune que d’habitude, rassure quant à la pérennité d’une audience s’intéressant à un type d'événement qu’on considère trop légèrement comme une relique du passé. Et l’interprète de génie abordant un colosse de l’histoire de la musique tel que les Variations Goldberg, transcende toute considération de « style », d’« académisme » ou de « rigueur » pour nous plonger dans un monde absolument personnel, subjectif, fait de trouvailles sonores, de richesse et engagement rythmique ou de recherches sur l’architecture harmonique de l’œuvre, à tel point qu’il nous a semblé presque écouter une pièce jamais entendue auparavant.
Si l’on se cantonne aux critères dits « historiques », aux habitudes d’interprètes certainement prestigieux et confirmés, on pourrait sûrement dire que Fazil Say est un iconoclaste cherchant l’originalité à tout prix. Rien à voir avec la mesure, la distinction ou l’ascèse qu’une Rosalyn Tureck, au piano, ou un Gustav Leonhardt, au clavecin, ont érigé en critère fondateur de l’interprétation moderne du grand Johann Sebastian. Si l’on se réfère, cependant, à un Sviatoslav Richter ou au jeune Jean Rondeau dans leurs respectifs instruments, on va se retrouver déjà sur des chemins détournés, sur des recherches novatrices et surtout foncièrement personnelles menant la sensibilité de l’auditeur vers des terres inconnues. Say surprend encore davantage, et provoque peut-être certains auditeurs. Mais si l’on analyse sa lecture extrêmement rigoureuse de la partition, on ne pourra jamais affirmer que, en soulignant obsessivement des éléments rythmiques, en affirmant l’évidente tension des certaines marches harmoniques ou les dissonances hardies du contrepoint, il ne fasse preuve de la moindre velléité d’arbitraire ou de recherche de l’originalité à tout prix. Il se distingue, sans nul doute, de tous les autres exécutants, mais je reste convaincu que sa vision répond à une sincérité de propos et à une vérité personnelle absolument irréfutables. Et que les critères de « objectivité » qu’un Maurizio Pollini prétendait défendre jadis, cherchant à se prémunir de la subjectivité du pianiste, resteraient pâles devant ce déferlement d'individualité, de tempérament certes, mais fondamentalement éloigné de la moindre afféterie, superficialité ou caprice.
Tag und Nacht. Richard Strauss (1864-1949) : Lieder pour soprano et piano, Vier Letzte Lieder. Kateřina Kněžíková, soprano ; Bamberger Symphoniker, Jakub Hrůša, piano et direction. 2021 et 2024. Livret en anglais, allemand et tchèque. 56’21’’. SU 4346-2.
Tales of song and sadness. Œuvres de Josquin des Prez (ca. 1455-1521), Thomas Preston (?-1559), Jacob van Eyck (1589/90-1657), Jean-Philippe Rameau (1683-1764) et Louis Andriessen (1939-2021). Frans Brüggen, flûte ; Sour Cream ; Cappella Amsterdam, direction Daniel Reuss ; Orchestre du XVIIIe siècle, direction Frans Brüggen et Daniel Reuss. 1965-2024. Notice en anglais et en néerlandais. 61’ 30’’. Pentatone PTC 5187 389.
Ce dimanche 12 janvier, à La Seine Musicale, se pressaient beaucoup d’enfants venus assister à la 5ème édition du gala nommé, à juste titre, “les beautés de la danse”.
Nous vous dévoilons la recette pour un gala aussi réussi.
Pour un bon gala il faut….
Des stars
Un savant équilibre entre étoiles parisiennes, jeunes talents et star internationales sera à rechercher.
On retrouve avec plaisir Bleuenn Battistoni, Dorothée Gilbert, Hugo Marchand et Paul Marque étoiles de l’Opéra national de Paris, accompagné de Inès McIntosh et Shale Wagman deux jeunes talents de la même maison.
S'ajoutent à cela des stars internationales : Olga Smirnova, ancienne étoile du Bolchoï, désormais étoile au Het National Ballet d’Amsterdam. Mayara Magri et Matthew Ball sont deux étoiles du Royal Ballet de Londres. Victor Caixeta, soliste du Mariinsky désormais étoile du Dutch National Ballet. Esteban Berlanga étoile au Ballett Zürich et Michelle Willems première danseuse au Staatsballett de Berlin.
De la technique
Pour en mettre plein la vue et motiver les jeunes danseurs à retourner à la barre dès le lendemain.
Les sauts ont la part belle chez les hommes, Shala Wagman s’illustre parfaitement dans ces exercices techniques : il semble rester suspendu quelques secondes dans les airs à chaque saut !
Les tours sont également des pas de bravoure : Shale Wagman se fait à nouveau remarquer par sa suspension en fin de pas, Paul Marque propose des tours à la seconde sautés plus que bluffants.
Chez les filles, ce sont les terribles fouettés qui sont guettés (le jeu du public est de les compter) : Inès McIntosh en propose deux séries et Bleuenn Battistoni s’y confronte aussi.
Les portés sont également un passage obligé, on retient notamment ceux des Trois Gnossiennes assurés à merveille par Hugo Marchand.
Les danseurs nous montrent aussi leurs belles qualités : la souplesse de Michelle Willems que l’on admire dans Orlando et les pieds de Mayara Magri.
Intrinsèque à la technique, il faut aussi quelques cafouillis parfaitement rattrapés (pour rappeler aux jeunes que oui, les danseurs sont bien humains) et un claqueur qui lance les applaudissements.
De l’émotion et de la sensualité
Pour l’émotion c’est sans aucun doute Dorothée Gilbert et son illustre mort du cygne qui marquera les esprits. Dans une chorégraphie où les bras sont essentiels, elle semble cygne jusqu’au bout des doigts. Un instant suspendu où même le claqueur met une petite seconde pour lancer ses applaudissements.
Il faut aussi un passage un peu sensuel, plus néo-classique pour ravir les mamans dans la salle. C’est Esteban Berlanga qui s’en charge avec Casi Fado de Ricardo Franco. Sur quelques notes de guitare et une mélodie chantée, il instaure une atmosphère ibérique avec ses mouvements emblématiques : tapes du pied et bras en l’air.
La page de France Musique consacrée à la diffusion en direct de ce concert affiche : « Le violon en partage : Vilde Frang et Leonidas Kavakos ». L’idée est que, même si seule la première est venue jouer du violon, et que le second était là en tant que chef d'orchestre, il est lui-même violoniste, a souvent joué ce Concerto pour violon de Schumann, et ce point commun leur permet une certaine communion pour l’interpréter ensemble.
En effet, Leonidas Kavakos est violoniste, et d’immense talent. Tout comme Vilde Frang d'ailleurs, il est capable de passer de la virtuosité la plus ébouriffante à l’introspection la plus intérieure avec la même aisance apparente, et le même engagement émotionnel. Contrairement à d’autres instrumentistes qui deviennent chefs d'orchestre sur le tard, comme pour renouveler leur activité musicale, Leonidas Kavakos dirige depuis fort longtemps. Voilà déjà un quart de siècle qu’il prend régulièrement les rênes des orchestres les plus réputés, voire qu’il en est directeur musical.
Des trois concertos écrits par Schumann, celui pour violon est aussi mal aimé que les deux autres (piano et violoncelle) sont populaires. Son histoire est complexe (il n’a été publié qu’en 1938), et surtout il est réputé difficile autant à jouer et à diriger qu’à écouter. Et en effet, il est assez étrange. Composé à la toute fin de sa vie, en 1853, juste avant son internement en asile psychiatrique dont il ne se remettra jamais, il navigue entre beautés indicibles, répétitions qui ne prennent leur sens qu’avec le temps, passages d’une intimité intimidante... Son dédicataire, Joseph Joachim, avait refusé de le jouer. De fait, nous sommes bien loin des grands concertos romantiques que nous ont laissé Bruch (1866), Dvořák (1879) ou Brahms (1887), pour ne citer que les ouvrages également inspirés par, ou dédiés à Joseph Joachim, et qui parlent immédiatement aux interprètes comme aux auditeurs. Plus que jamais chez Schumann, cette œuvre exprime la dualité qu’il a lui-même formalisée, entre ses deux doubles : Eusebius le poète rêveur et introverti, et Florestan le héros tempétueux et passionné.
Le jury des International Classical Music Awards (ICMA) a annoncé aujourd'hui les lauréats de l'édition 2025. Le président du jury, Rémy Franck, a déclaré : « Nos prix ont été décernés à partir d'une liste de nominations comprenant 374 albums et un large éventail d'artistes et de labels. La liste des lauréats comprend de nombreux musiciens renommés ainsi que de jeunes musiciens et pas moins de 17 labels internationaux !”
Dans la liste des prix, vous retrouverez le ICMA Classeek Award, organisé en collaboration avec la plateforme numérique Classeek, et poursuivons notre coopération de longue date avec l'International Music Academy Liechtenstein, de sorte qu'avec le Young Artist Award, nous pouvons promouvoir trois jeunes talents très prometteurs.
Nos prix sont des reconnaissances de l'excellence dans la performance musicale. Ils peuvent apporter - et ont déjà apporté, comme le reconnaissent nombre de nos lauréats précédents - de nombreux avantages aux lauréats, aux artistes et aux labels, en améliorant leur réputation et en renforçant leur motivation personnelle.
Nous avons l'assurance que tous nos lauréats profiteront pleinement de nos prix, dans un environnement musical où les revenus des services de streaming, par exemple, sont loin d'être réellement gratifiants.»
Le violoniste Gidon Kremer reçoit le prix pour l'ensemble de sa carrière. Le chef d'orchestre Leonardo García Alarcón est l'artiste de l'année. Le violoncelliste Benjamin Kruithof est le jeune artiste de l'année et le pianiste Can Saraç est le lauréat du prix de la découverte. Christoph Ehrenfellner remporte le prix du compositeur. BR Klassik est le label de l'année. Le prix ICMA-Classeek est décerné au violoncelliste Ettore Pagano.
Des prix spéciaux sont décernés au chef d'orchestre Ádám Fischer, au pianiste Oliver Triendl et aux Düsseldorfer Symphoniker. Dans les catégories audio et vidéo, 17 productions ont été récompensées, avec des artistes tels que Vilde Frang, Unsuk Chin, Anna Gourari, Marin Alsop, Andreas Scholl, Samuel Hasselhorn et bien d'autres.
Les lauréats recevront les trophées ICMA lors de la cérémonie annuelle de remise des prix qui aura lieu à la Tonhalle de Düsseldorf, le 19 mars 2025. Cette soirée comprendra également un concert de gala auquel participeront plusieurs des lauréats et l'Orchestre symphonique de Düsseldorf sous la direction d'Ádám Fischer.
La liste des lauréats est publiée en ligne.
Narcisse au Parnasse. Œuvres d’Ennemond Gauthier “le Vieux” (1575-1651), Pierre Dubut “père” (c1610-1681), Pierre Dubut “fils” (post 1642-c1700), Robert de Visée (1660-1720), Antoine Forqueray (1672-1745), Charles Hurel (fl 1665-1692). Luca Pianca, luth, théorbe. 2022. Livret en anglais, français, italien. 69’35. Passacaille PAS 1145
La Comédie humaine. Chansons de Marc-Antoine-Madeleine Désaugiers (1772-1827), Pierre Dupont (1821-1870), Émile Debraux (1796-1831), Daniel-François-Esprit Auber (1872-1871), Pierre-Jean de Béranger (1780-1857), Jean Anthelme Brillat-Savarin (1755-1926), Eugène-François Vidocq (1775-1857), Alexandre-Joseph Doche (180&-1869), Joseph-Philippe Simon dit Lockroy (1803-1891) et Adolphe Anne François Choquart (1800-1859). Lucile Richardot, mezzo-soprano ; Cyrille Dubois, ténor ; Arnaud Marzorati, baryton ; Jérôme Varnier, basse ; Les Lunaisiens, direction artistique Arnaud Marzorati. 2022. Notice en français et en anglais. Textes des chansons avec traduction anglaise. 63’ 21’’. Alpha 1105.
Akram Khan, chorégraphe britannique mondialement connu pour ses pièces contemporaines, propose une plongée dans ses origines indiennes avec Gigenis, the generation of the earth, donné au Théâtre des Champs Elysées en ce début d’année 2025.
Mahâbhârata, un poème épique
Akram Khan s’inspire d’une pièce mythologique qu’il connaît bien : Mahâbhârata dans laquelle il a joué un de ses premiers rôles, à 13 ans dans la mise en scène de Peter Brook.
Cette fois, il choisit un extrait précis de ce poème épique : l’histoire d’une femme, veuve de son époux mort à la guerre et dont l’un des deux fils va également périr au combat. Elle repense aux étapes de sa vie, matérialisées dans le spectacle par une voix off qui revient à plusieurs reprises avec la même phrase : “j’étais une fille, une épouse et ensuite une mère”.
Pour donner vie à ce passage mythologique, Akram Khan convoque une équipe d’artistes issus des traditions indiennes.
Jyotsna Prakash se charge des compositions et arrangements musicaux. Les septs musiciens et chanteurs sont présents sur scène, à cour et à jardin.
Zeynep Kepekli s’occupe des lumières qui subliment les corps et la narration.
Les danseurs sont des solistes, professeurs, spécialistes des danses traditionnelles indiennes. Akram Khan est lui-même sur scène malgré l’annonce de son retrait en 2022, l’appel de cette pièce était trop fort.