Scènes et Studios

Que se passe-t-il sur les scènes d’Europe ? A l’opéra, au concert, les conférences, les initiatives nouvelles.

Chostakovitch, Symphonie n°9 : guide d’écoute

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À l’occasion du cinquantenaire de la disparition de Dimitri Chostakovitch (1906-1975), nous vous proposons ce guide d’écoute consacré à une de ses symphonies les plus jouées et appréciées : la no 9 en mi bémol majeur opus 70, qui vient de fêter son quatre-vingtième anniversaire.

Seconde Guerre mondiale. Depuis 1943, Chostakovitch avait laissé entendre que sa prochaine symphonie serait une sorte de grand-messe avec solistes et chœurs. Alors que le conflit prenait fin, que l'Armée Rouge avait repoussé l'envahisseur, la Mère Russie s'attendait donc certainement à une célébration triomphale, en tout cas à autre chose que cet opuscule néoclassique, écrit en août 1945 pour une nomenclature de type beethovénienne + petite percussion « à la turque ». L’ensemble des cinq sections ne dépasse pas vingt-cinq minutes. Hormis quelques rares passages pathétiques (dans le Largo), l'humeur en est sémillante. Les censeurs soviétiques ne tardèrent pas à réprouver ce qui fut considéré comme un échec idéologique et une faiblesse à représenter l'esprit du peuple. Avec le recul, on s'autorise à penser que le compositeur exprima là une caricature des ardeurs bellicistes et des festivités imposées par la Nomenklatura. Le ton léger et ludique de cette symphonie ne reflète-t-il tout bonnement un naïf enthousiasme qui se réjouit de la fin des hécatombes ? L’élan spontané et libérateur d'un homme heureux ?

La saison 2025-2026 du Philhar’ de Radio France est ouverte !

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Pour son concert de rentrée, le Philhar' de Radio France avait confié la baguette à Santtu-Matias Rouvali. Comme de nombreux chefs d'orchestre tous plus talentueux les uns que les autres, et souvent extrêmement jeunes (à presque quarante ans, lui ferait presque office de doyen), il vient de Finlande. Actuellement chef principal du Philharmonia Orchestra, il est déjà un fidèle du Philhar’, qu’il dirige tous les deux ans depuis 2019.

Le programme qu’ils avaient choisi était précisément placé sous le signe de la fidélité. Il était de circonstance pour ouvrir la saison.

Maya Levy, la Zingara

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Le premier « Concert Croissant » de la saison affichait complet ce matin à Bozar. Les quelque 250 mélomanes rassemblés sur la scène de la magnifique salle Henry Le Bœuf n’ont pas boudé leur plaisir.

Il faut dire que la lauréate du Prix Caecilia de la Jeune Musicienne de l’Année 2023, à qui la récompense fut enfin remise ce dimanche après deux ans d’attente, a confirmé par sa prestation combien celle-ci était méritée !  

Vêtue d’une longue robe bordeaux agrémentée de quelques volants, la violoniste belge de vingt-huit ans a une nouvelle fois dévoilé son tempérament fougueux dans un programme qu’elle maîtrise sur le bout des doigts. Bien loin de profiter de ce concert matinal « bon enfant » pour nous servir quelque romance, pavane ou autre légèreté, Maya et sa comparse, la pianiste franco-japonaise Marina Saiki, ont choisi de ne pas se faciliter la tâche pour offrir à leur public un véritable feu d’artifice sonore.

Dès l’entame du programme, Birds in Warped Time II de Sōmei Satō, habile compositeur du Pays du Soleil Levant, a subjugué par ses multiples beautés. Cette œuvre, au carrefour du minimalisme, du néoromantisme et de la musique traditionnelle japonaise, a permis à Maya Levy de montrer l’élégance, le lyrisme et l’assertivité de son jeu. Faisant montre d’une diversité éblouissante, tant dans l’articulation que dans la dynamique, mêlant harmoniques et glissandi suaves à des sforzandi alertes et interrogatifs, la jeune violoniste a sublimé cette partition captivante, dont la pianiste a superbement contribué à mettre en valeur la sensualité. Il nous tarde de réentendre cette splendide interprétation à l’occasion d’un enregistrement qui, espérons-le, ne se fera pas attendre trop longtemps.

Gautier Capuçon à l’Orchestre Philharmonique de Strasbourg

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La salle Érasme du Palais de la Musique et des Congrès de Strasbourg était complète pour l’ouverture de saison de l’orchestre alsacien. Sous la direction de leur chef Aziz Shokhakimov, fraîchement prolongé jusqu’en 2028, et en compagnie de Gautier Capuçon, les musiciens de l’Orchestre Philharmonique de Strasbourg se sont confrontés à deux mastodontes du répertoire symphonique.

Nous avons tout d’abord pu entendre le dernier concerto d’Antonín Dvořák, pour violoncelle et orchestre en si mineur. Créée en 1896, c’est sans aucun doute l’une des œuvres les plus connues du maître tchèque et son premier thème, exposé par la clarinette et repris de nombreuses fois par l’orchestre et le soliste, est l’un des plus reconnaissable du répertoire. « Connexion » fut le maître-mot de l’interprétation du soir, tant entre le chef et ses musiciens, qu’entre ceux-ci et le soliste. Gautier Capuçon, très à l’écoute de l’orchestre, multipliait les regards vers les différents solistes dialoguant avec lui, notamment avec la Konzertmeister dans le troisième mouvement. Ce partage a ajouté une dimension très intimiste à la représentation.

Mis à part quelques rares soucis de précision et de justesse notamment dans les fins des mouvements un et deux, il faut saluer la prestation de l’orchestre. D’une puissance à couper le souffle, sans pour autant atteindre la saturation, les musiciens nous ont livrés une magnifique prestation. La balance entre orchestre et soliste a parfaitement été maîtrisée par Aziz Shokhakimov, nous permettant de profiter à tout instant du jeu passionné et passionnant de Gautier Capuçon, et ce même dans les formules d’accompagnement les plus pianissimos. D’un enthousiasme débordant, le chef ouzbek s’est parfois légèrement laissé emporté, notamment dans le trio d’introduction du second mouvement aux bois, qui aurait mérité d’être plus calme. Cet enthousiasme fut par contre tout à fait à propos lorsque, après une coda magique et suspendue dans le temps, il a fallut se déchaîner dans un final magistral, prélude opportun à la seconde œuvre de la soirée.

Hommage à Christoph von Dohnányi

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Le grand chef d’orchestre allemand Christoph von Dohnányi (1929-2025) est décédé à l’âge de 95 ans. Avec sa disparition c’est l'une des dernières figures de la direction d’orchestre du XXe siècle qui s'efface et qui emmène avec lui une certaine idée de l'art et de la fonction du chef d’orchestre.

Christoph von Dohnányi c’est une vie commencée par le tragique de l’Histoire. Si l’on a souvent noté qu’il était le petit-fils du grand compositeur Ernö von Dohnányi, il était le fils de Hans von Dohnányi. Juriste, ce dernier était un résistant au nazisme. Il fut accusé d’être le “père spirituel” du complot raté de 20 juillet 1944, connu sous le nom d’Opération Walkyrie. Arrêté et déporté au camp de Sachsenhausen, il est exécuté en avril 1945. Tout au long du nazisme, Hans von Dohnányi fut un résistant engagé, il sauva de nombreux juifs de la déportation et il est honoré du titre de “Juste parmi les Nations”.

De cet exemple paternel, Christoph von Dohnányi gardera une rigueur morale. Dans un hommage au chef, Norman Lebrecht nous précise que le Christoph von Dohnányi avait une aversion totale pour Herbert von Karajan, déjà à cause de ses compromissions avec le nazisme, mais aussi pour sa position dominante dans le milieu du classique et les abus de pouvoir qui en découlaient, il l’accusa de nuire à l'affirmation dans la carrière de jeunes chefs allemands.

Christoph von Dohnányi, c’est une carrière dans la droite ligne des Kapellmeister : la fosse avant tout et comme lieu d’apprentissage. Il étudie d’abord à la Hochschule de Munich la composition, le piano et la direction d’orchestre. Il est embauché par l’Opéra d’État de Bavière comme pianiste, coach vocal et même figurant. Son talent est répéré et il est primé du Prix Richard Strauss de la Ville de Munich. Il se perfectionne ensuite, en Floride, auprès de son grand-père, avant de revenir en Allemagne. Georg Solti, alors directeur de la musique à l'opéra de Francfort, l’engage comme son premier assistant. En 1957, il décroche son premier poste à l’opéra de Lübeck. Il est alors le plus jeune directeur musical d’Allemagne. Il occupe ce poste jusqu’en 1963, où il devient le Kapellmeister de l'opéra de Kassel. Lors de ce mandat, il ressuscite Der Ferne Klang, le chef-d'œuvre de Franz Schreker banni par les nazis. Les postes s’enchaînent : l’orchestre symphonique de la WDR de Cologne et l’opéra de Francfort, où il revient comme directeur de la musique. Ce mandat, entre 1968 et 1977, est important car le chef s’entoure d’une jeune équipe (dont un jeune dramaturge nommé Gérard Mortier). À Francfort, il impose une nouvelle conception scénique avec des mises en scène contemporaines qui dépoussièrent, confiées à de jeunes pousses de la scénographie, dont certains comme Klaus Michael Grüber ou Hans Neuenfels seront des pilliers des maisons d'opéras jusqu'aux années 2010. De 1977 à 1984, il est directeur artistique et intendant de l'Opéra de Hambourg. Sa carrière va prendre un tournant majeur avec sa nomination à l’orchestre de Cleveland, où il va rester de 1984 à 2000, un mandat au long cours accompagné par des tournées internationales et de nombreux disques pour Decca. En 1994, il est désigné chef principal du Philharmonia de Londres, orchestre dont il fut toujours des plus proches et, entre 2004 et 2010, il fut le directeur musical de l’orchestre de la NDR de Hambourg.

Les Wiener Philharmoniker et Franz Welser-Möst dans Mozart et Tchaïkovski : l’évidence

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Quelques mois après une splendide 9e de Bruckner, l’Orchestre Philharmonique de Vienne était de retour au Théâtre des Champs-Élysées. Les deux symphonies proposées n’ont pas été moins mémorables : la 38e de Mozart (dite « Prague »), et la 6e de Tchaïkovski (dite « Pathétique »).

Depuis 1933 les Wiener Philharmoniker n’ont plus de chef d'orchestre permanent, mais ont noué de relations privilégiées avec des chefs invités. Parmi eux, Franz Welser-Möst, qui le dirige régulièrement dans différents contextes (notamment pour la saison au Musikverein et au Festival de Salzbourg). Signe de la grande confiance que lui font les musiciens (qui choisissent eux-mêmes leurs programmes et leurs invités) : il a été déjà trois fois le maître d’œuvre du mythique Concert du Nouvel An.

À le voir diriger, on ne peut s’empêcher de le comparer à un autre musicien qui a marqué cet orchestre au XXe siècle, et et particulier ces Concerts du Nouvel An : Carlos Kleiber. Ils ont en commun l’élégance et la prestance du geste, ainsi que, si l’on tient compte du rendu musical, une certaine sensualité.

Datée de 1786, la 38e de Mozart est celle qui précède la trilogie de l’été 1788, ces trois dernières que l’on peut considérer comme l’aboutissement de la pensée symphonique du compositeur. Son surnom vient de ce qu’elle a été composée pour être jouée à Prague, ce qui a son importance : il venait d’y faire un triomphe avec Les Noces de Figaro (qu’il allait renouveler la même année avec Don Giovanni), et savait qu’il pouvait s’y montrer lui-même, loin des contraintes de Vienne. En revanche, sans doute parce qu’il n’était pas certain d’y trouver de suffisamment bons clarinettistes, il s’est passé de cet instrument que pourtant il adorait. Il en résulte une couleur d’ensemble brillante et lumineuse, renforcée par la tonalité jubilatoire de ré majeur.

Avec un effectif plus réduit que pour la suite (une trentaine de cordes), Franz Welser-Möst en donne une interprétation magistrale. Il y a du drame, mais sans pathos. Il y a de la joie, mais sans excitation. Il y a de la tendresse, mais sans sensiblerie. Personne, ni le compositeur, ni l’orchestre, ni le chef, n’a rien à prouver. Ils laissent simplement leurs talents s’exprimer.

La mythique Scala de Milan et l’expérience de Riccardo Chailly aux Prem’s

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Nouveau festival symphonique de la Philharmonie de Paris, les Prem’s (inspirés des célèbres Proms – abréviation de « Promenade Concerts » – de Londres) rencontrent un franc succès. Pour le quatrième concert, après le Gewandhaus de Leipzig (dans deux programmes distincts) et les Berliner Philharmoniker, et avant l’Orchestre de Paris, les invités étaient la mythique la Scala de Milan, qu’il n’est pas besoin de présenter.

Ils venaient avec leur chef principal et directeur musical depuis 2015 (qui laissera la place, en 2026, à Myung-Whun Chung, bien connu du public parisien pour avoir été à la tête, de 2000 à 2015, de l'Orchestre philharmonique de Radio France) : Riccardo Chailly. La relation entre ce chef très populaire, et cette institution légendaire est très ancienne, puisqu’à l’âge de vingt ans, il y a plus d’un demi-siècle, il y avait été nommé assistant de Claudio Abbado. Et, de fait, leur complicité (même si bien entendu quelque cent choristes et quatre-vingt instrumentistes ne sont pas tous les mêmes) est flagrante.

Deux compositeurs d’opéra italiens étaient au programme : Giuseppe Verdi en première partie, Gioachino Rossini en seconde. Pour chaque opéra, des extraits : à une exception près, d'abord une pièce instrumentales, puis un, deux ou trois chœurs.

Philippe Guilhon-Herbert, hommage à Ravel

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Le pianiste Philippe Guilhon-Herbert rend hommage à Ravel à travers un album monographique (Indédens Calliope Records). C'est un parcours personnel, poétique et hautement réussi au fil de partitions du compositeur français. Philippe Guilhon-Herbert répond aux questions de Crescendo Magazine.

Votre album monographique célèbre l’anniversaire Ravel 2025. Quel est votre lien personnel avec la musique de Ravel. Comment l’avez vous découvert ?

Alors que je connaissais l'oeuvre de Debussy depuis mon plus jeune âge, j'ai découvert celle de Ravel à l'âge de 15 ans, en étudiant Une barque sur l'océan ;  , je fus saisi par la fluidité et la délicatesse extrêmes de l'écriture comme de la virtuosité (Jeux d'eau, Ondine, Toccata, une Barque sur l'océan, son Trio avec piano...) Plus avant, ses pièces orchestrales également (Daphnis et Chloé notamment) ont accompagné, comme toute son œuvre, mon parcours de musicien.

Dans le livret, vous parlez du rôle joué par l’Académie Ravel de Saint-Jean-de-Luz dans votre appropriation de l’univers ravélien, pouvez-vous nous en parler ?

Ces trois participations à l'Académie Ravel de St Jean de Luz en 1997, 98 et 2000 sont de merveilleux souvenirs : le cadre, les rencontres, le partage (en musique de chambre), les découvertes (la maison natale de Ravel à Ciboure)... J'y ai travaillé Ondine et la Valse avec Jean-François Heisser, Alain Planès, et fus lauréat de l'Académie en 1997 ; précieux souvenirs en effet...

Cet album propose une sélection d'œuvres de Ravel.Comment les avez-vous choisies ?

Les pièces ont été choisies afin d'offrir un éventail complet de l'œuvre pour piano de Maurice Ravel ;  le rythme et la danse, la féerie, la virtuosité, la poésie et la contemplation sont tour à tour exprimés à travers cette sélection.

Par exemple, de Gaspard de la nuit, il y a le seul "Ondine". Pourquoi ne pas avoir enregistré l’intégrale ?

Ce disque hommage offre un éventail de l'œuvre de Maurice Ravel, alternant pièces célèbres et extraits de recueils. J'ai joué Gaspard de la Nuit au Musée Debussy de Saint- Germain-en-Laye lorsque j'étais encore étudiant, puis régulièrement en Allemagne les années suivantes ;  devant choisir, pour une raison de timing, une de ses trois pièces pour ce disque, j'ai finalement opté en faveur “d'Ondine” plutôt que de “Scarbo”.

La Neuvième de Mahler par les Berliner et Petrenko : inoubliable

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Après le Gewandhaus de Leipzig, et avant la Scala de Milan et l’Orchestre de Paris, c’était au tour des Berliner Philharmoniker de participer à cette première édition des Prem’s, ce festival symphonique inspiré par les Proms de Londres. Le parterre avait été dégagé d’une bonne partie des gradins, les sièges en avaient été retirés, et ce sont sept cents spectateurs qui, debout, pour un prix raisonnable (15 €) étaient au premières loges.

Au programme, la Neuvième Symphonie de Gustav Mahler. Pas plus que Beethoven, Schubert ou Bruckner, et malgré leurs tentatives, Mahler n’a pu en mener à bien une Dixième. Cette Neuvième sera donc sa dernière. Elle a la particularité de commencer et de finir par deux longs mouvements lents (près d’une demi-heure chacun), qui encadrent deux mouvements rapides plus courts (près d’un quart d’heure chacun tout de même). Elle dure donc presque une heure et demie, dont deux tiers que l’on peut avoir tendance à vouloir d’écouter les yeux fermés. Autant dire que la position debout n’était pas, a priori, la plus favorable.

A priori. Car avec cette interprétation exceptionnelle de fluidité, de cohérence, de maîtrise et de splendeur, nous n’avons pas vu le temps passer. Et le public, assis comme debout, a été d’une attention remarquable.

A Genève, une ouverture de saison éclectique pour l’OSR

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Pour ouvrir la saison 2025-2026, l’Orchestre de la Suisse Romande présente pour deux soirées au Victoria Hall un programme éclectique que dirige son chef titulaire, Jonathan Nott.

La première partie comporte deux pages de notre époque. De la compositrice finlandaise Kaija Saariaho, Ciel d’hiver est une transcription pour orchestre réduit du mouvement central d’Orion, triptyque gigantesque composé en 2002 et créé l’année suivante à Cleveland sous la direction de Franz Welser-Möst. Cette pièce évoque le chasseur Orion, fils de Poséidon, qui avait le don de marcher sur la mer et qu’à sa mort, Zeus aurait transformé en constellation. Jonathan Nott en dégage le caractère énigmatique sur fond de harpe, alors que le piccolo livre une incantation que développeront le premier violon, la clarinette, le hautbois et la trompette en sourdine. L’éventail sonore se dépolie par paliers en sollicitant les cuivres. Puis la vision s’estompera en fines touches que ponctuera la harpe toujours aussi mystérieuse.