La musique chorale de Ramon Humet : la sérénité assumée
Ramon Humet (°1968) : Llum (Lumière). Chœurs de la Radio lettonne, direction Sigvards Kļava. 2020. Notice en anglais. Textes des poèmes, avec traduction anglaise. 50.26. Ondine ODE 1389-2.
Tempora mutantur (« les temps changent »)
C’est le sous-titre que Haydn donna à sa Symphonie en la majeur, jouée au premier des trois concerts gratuits échelonnés sur un long week-end festif à l’Opéra de Dijon. Fermé au public depuis de longs mois, il marque ainsi sa réouverture ainsi que le lancement de la saison prochaine. « Tempora mutantur » puisqu’à l’équipe de Laurent Joyeux a succédé celle de Dominique Pitoiset qui s’est entouré de Bruno Hamard, qui vient de l’Orchestre de Paris après avoir administré l’Odéon, et de Stephen Taylor dont on a en mémoire les mises en scène de l’Atelier lyrique de l’Opéra National de Paris.
Le concert d’Amandine Beyer, conduisant ses musiciens de Gli Incogniti -qui ne le sont plus, fort heureusement- s’ouvre par la Symphonie Hob.I:47 en sol majeur de Haydn, écrite « in nomine Domini », le titre « palindrome » étant apocryphe, bien que parfaitement fondé. Après l’allegro aux modulations parfois ambigües et les variations contrapuntiques du mouvement lent, le menuet et son trio sont en effet construits « al reverso », c’est-à dire que leurs secondes phrases sont la reprise textuelle de la première en commençant par la dernière note, certains diraient « à l’écrevisse ». Le finale, contrasté, violent et gracieux, porte la marque du « Sturm und Drang ». La réussite est manifeste : animés par Amandine Beyer, comme Haydn en son temps, les musiciens, debout, forment un ensemble particulièrement dynamique, homogène et clair. La connivence est manifeste, chacun écoute l’autre.
Naissance du label Ohuaya, entre Inuits et mammifères marins
Humain non humain : Chants d’espèces (I) et Grands espaces (II). Oeuvres de Thierry Pécou (1965-) : Médiation sur la fin de l'espèce, Mada la baleine, Sonata, Nanook Trio, Sikus, Chant Inuit ; François-Bernard Mâche (1935-) : Vigiles et Richard Blackford (1954-) : Murmurations. Ensemble Variances. Double album digital. 84’15 – 2021 – Livret en : français et anglais. Ohuaya Records (21 Music)
Dennis Brain, le roi des rois
Dans le monde du cor d’harmonie, il est un mythe et une légende ! Considéré comme le plus grand corniste de l’ère contemporaine, ce météore musical décédé prématurément dans un accident de la route reste, 100 ans après sa naissance, une référence absolue et un modèle pour toutes les générations de cornistes. Alors que Warner lui rend un superbe hommage avec la parution d’un coffret de 11 disques, Crescendo Magazine revient sur le parcours et la place de ce musicien.
Dennis Brain voit le jour à Hammersmith, un quartier de Londres, le 17 mai 1921. La musique est l’ADN de la famille. Sa mère est une chanteuse appréciée au Royal Opera House de Londres et son père Aubrey Harold Brain est l’un des plus brillants cornistes de son époque, certains parlent même du meilleur instrumentiste de la première ½ du XXe siècle au Royaume-Uni ! Aubrey Harold Brain était professeur à la Royal Academy et soliste au BBC Symphony Orchestra. Le cor est presque l’instrument de la famille Brain : le grand-père Alfred Edwin Brain était un corniste émérite et son oncle Alfred Edwin Brain junior fut l’un des solistes du New York Symphony Society. Le jeune Dennis ne fera que perpétuer cette tradition familiale et son frère Leonard Brain s’orienta vers la carrière professionnelle mais s'illustra avec le hautbois.
Si Dennis était naturellement destiné à l’instrument, son père était très strict et il l'a tenu éloigné du cor avant un certain âge ! En effet, le paternel pensait qu'il ne devait pas jouer avant que ses dents adultes se développent. Brain était autorisé à souffler quelques notes sur l’instrument de son père selon un rituel organisé tous les samedis, mais ses premières études musicales furent dédiées au piano et à l'orgue.
En 1936, Dennis Brain intègre la classe de son père à la Royal Academy of Music et il effectue ses débuts de musicien professionnel le 6 octobre 1938 ! ll a 17 ans et il joue Bach sous la baguette d'Adolf Busch au pupitre de son propre orchestre les Busch Chamber Player, pionnier des orchestres de chambre professionnels. Père et fils se partagent régulièrement la scène et les commentateurs ont déjà relevé le talent du jeune homme qui poursuit avec brio l’excellence familiale. Il réalise son premier enregistrement en compagnie de son père en février 1939 avec Divertissement en Ré majeur de Mozart en compagnie du Léner Quartett.
Le Poème Harmonique de Vincent Dumestre et sa nouvelle version du Cadmus et Hermione de Lully : une grande réussite
Jean-Baptiste Lully (1632-1687) : Cadmus et Hermione, tragédie en musique en un prologue et cinq actes. Thomas Dolié (Cadmus), Adèle Charvet (Hermione), Eva Zaïcik (Charite, Melisse), Lisandro Abadie (Arbas, Pan), Virgile Ancely (Draco, Mars) et neuf autres solistes ; Ensemble Aedes (Mathieu Romano, chef de chœur) ; Orchestre du Poème Harmonique, direction Vincent Dumestre. 2019. Notice en français, en anglais et en allemand. Livret complet avec traduction anglaise. 122.20. Un album de deux CD Château de Versailles CVS037.
Le Pavillon de Musique entre en scène : De Croes, six concertos pour violon enregistrés en première mondiale
Henri-Jacques De Croes (1705-1786) : Six Concertos a violino primo obligato. Ann Cnop, violon, Le Pavillon de Musique. Août 2020. Livret en anglais, français, allemand, flamand. TT 45’06 + 42’12. Deux CDs Etcetera KTC 1707
Sigismondo d’India : les frémissements de toutes les émotions humaines
Sigismondo d’India (ca1580-1629) - Lamenti & Sospiri (Arie, Lamenti, Duetti). Mariana Flores et Julie Roset, sopranos. Cappella Mediterranea, direction Leonardo García Alarcón. 2020. Notice en anglais, en français et en allemand. Textes des airs chantés en italien, avec traductions anglaise et française. 92'08''. 2 CD Ricercar RIC 429.
Visages de l’œuvre d’orgue d’Indra Riše, compositrice lettonne d’aujourd’hui
Trumpets of Angels. Indra Riše (1961*) : Eņģeļu taures ; Attālumi ; Dziesmas par Laimi, Raiņa dzeja ; Saules apmirdzētie ; Mijiedarbība ; Uguns rituāls. Ligita Sneibe, orgue de la Cathédrale de Riga. Ilona Birģele, orgue de l’église luthérienne Sainte-Catherine de Kuldīga. Inga Šļubovska-Kancēviča, soprano. Anete Toča, Imants Sneibis, flûte. 2000, 2009, 2015. Livret en anglais et letton. 69’18. Skani 090
Connaissez-vous Karnavičius?
Jurgis Karnavičius (1884-1941) : Quatuors à cordes n° 1, Op. 1 et n° 2, 0p. 6. Quatuor de Vilnius. 2021-76’23-Texte de présentation en anglais-Ondine-ODE 1351-2
Mark Wigglesworth à propos de Chostakovitch
Le label Bis a l’excellente idée de proposer en coffret l’intégrale des Symphonies de Chostakovitch sous la direction du chef Mark Wigglesworth. Enregistrée entre 1996 et 2006 avec les rutilants orchestres du BBC Wales et Radio Philharmonique des Pays-Bas, cette somme fait incontestablement date par sa hauteur de vue et son importance dans notre compréhension de l'œuvre du compositeur. Alors qu'il répète à l’Opéra de Paris, le maestro répond à nos questions sur sa vision du compositeur soviétique.
Quelle est la place de Chostakovitch dans l'histoire de la musique ? Comment s'inscrit-il dans la musique du XXe siècle ?
Les symphonies de Chostakovitch s'inscrivent dans une ligne directe qui commence avec Haydn et passe par Beethoven et Brahms jusqu'à Mahler et Sibelius. Il reste à savoir si Chostakovitch marque la fin de cette lignée, mais aucun autre compositeur n'a apporté autant d'œuvres au répertoire symphonique régulièrement joué. Sa popularité a maintenu en vie la symphonie en tant que forme. Ces quinze œuvres traversent le vingtième siècle comme un colosse, mettant en évidence d'énormes changements politiques à travers un style musical en constante évolution.
Chostakovitch semble proche de Mahler par la force dramatique de ses symphonies. Chostakovitch est-il le plus mahlérien des compositeurs du XXe siècle ?
Cela dépend de ce que l'on entend par mahlérien ! Je pense certainement que Chostakovitch exprime la gamme extrême d'émotions personnelles que l'on associe à Mahler, mais il ne le fait pas de la même manière égocentrique. Pour moi, Chostakovitch est une combinaison de Mahler et de Sibelius. Comme Mahler, il révèle une grande profondeur de sentiments, mais il le fait avec la personnalité musicale plus disciplinée de Sibelius. Ses œuvres sont peut-être auto-biographiques, mais elles sont écrites au nom de chacun d'entre nous.
Devrions-nous maintenant apprécier et comprendre Chostakovitch sans tenir compte du contexte purement historique de son époque ?
Les circonstances de la vie de Chostakovitch sont évidemment fondamentales pour son œuvre et je pense que les interprètes doivent être très conscients de ce que Chostakovitch a vécu en tant que personne. Mais la musique est bien plus qu'une leçon d'histoire, car les émotions que Chostakovitch révèle sont tout aussi répandues aujourd'hui qu'elles l'ont toujours été. L'oppression et la brutalité, la solitude et la peur, la colère et la détermination, le courage et l'acceptation sont des questions auxquelles les humains ont toujours été confrontés et ils le seront toujours. En ce sens, la musique de Chostakovitch n'est pas limitée par les spécificités de son époque ou de son lieu.