Igor Stravinsky (1882-1971) : Symphonie en trois mouvements ; Symphonies d'instruments à vents ; Symphonie en Ut. Orquesta Sinfónica de Galicia, direction : Dima Slobodeniouk. 2019 et 2023. Livret en anglais, allemand et français. Bis 2441.
Le pianiste Pierre Solot, que l’on connaît en Belgique pour ses multiples casquettes d’animateur radiophonique et de médiateur musical (en compagnie de l’Orchestre Philharmonique Royal de Liège) se met seul face à son piano pour un premier récital consacré au trop méconnu compositeur cubain, Ernesto Lecuona. Cette proposition musicale séduit, en particulier en ces temps de multiples grisailles. Pierre Solot répond à nos questions.
C’est votre premier récital piano solo alors que l’on vous connaît principalement en musique de chambre ; d’ailleurs la première fois que nous nous sommes rencontrés , vous jouiez alors en duo. Qu’est-ce qui vous a poussé à enregistrer un album en solo ?
Il n’y a pas de volonté particulière de ma part à enregistrer ou à jouer seul. Bien entendu, ce peut être un défi personnel, une mise en danger stimulante, mais ça n’aurait aucun intérêt de limiter une aventure discographique à ce qui peut faire évoluer le musicien qui enregistre. C’est la découverte de la musique de Lecuona, écrite pour piano seul, qui m’a poussé à lancer ce projet solo : parce que c’était cette musique et parce qu’elle me paraissait avoir du sens pour le public. Un projet musical, parce qu’il s’inscrit dans une « publication », une diffusion publique, sur scène ou au disque, doit avant tout, me semble-t-il, s’inscrire dans une démarche de nécessité et d’intérêt pour les gens qui l’écouteront, avant toute considération personnelle de « chemin de carrière » ou d’états d’âmes individuels.
Le choix du compositeur peut surprendre : une anthologie consacrée au Cubain Ernesto Lecuona. Pourquoi ce choix ? Comment avez-vous découvert sa musique ? C’est une réaction au besoin de soleil au regard du temps en Belgique ?
Peut-être car chercher la lumière est une quête plus ambitieuse en Belgique ! Il y a peut-être une force inconsciente qui pousse le pianiste belge à jouer les lumières d’Ernesto Lecuona plutôt que les macabres inspirations d’un Liszt en fin de vie.
C’est le hasard qui a placé Lecuona sur mon chemin : une amie cubaine qui m’a un jour offert des partitions d’Ernesto Lecuona en me disant : « à Cuba, tout le monde connaît sa musique, on l’enseigne dans les écoles, ici, personne ne la joue ». Il y a des évidences qui ne franchissent pas l’Atlantique.
Parlez-nous un peu de la musique d'Ernesto Lecuona, quelles sont ses caractéristiques ? Comment s’intègre-t-il dans son temps tout en étant fortement original ?
Lecuona a quelque chose de Franz Liszt, il est un virtuose qui jouait ses propres compositions dans un rapport démonstratif au public induit par ses facilités pianistiques hors du commun. Lecuona a tout du pianiste-compositeur romantique qui imbibe sa musique de ses racines autant que de ses impressions de voyage. Sa musique est passionnée, pyrotechnique et tendre, excessive dans ses débordements et diablement sincère. Il n’y a pas de second degré, de profondeur masquée, de spiritualité contrapuntique et pudique : elle dit ce qu’elle dit, sans vergogne, en en faisant parfois un peu trop. Et puis, comme chez Liszt, la musique de Lecuona transforme le piano en orchestre, utilisant la largeur du clavier et les effets sonores en imitation d’autres timbres.
Le pianiste Matteo Bevilacqua consacre une intégrale discographique à la musique pour piano de Luciano Berio (Gran Piano). Cet enregistrement qui fait date en montrant qu'une nouvelle génération s'affirme dans cette musique, explore les facettes de l’art de ce compositeur aux inspirations multiples, parangon inspirant d’une modernité qui doit nous stimuler et nous inspirer. Crescendo-Magazine est heureux de s’entretenir avec ce brillant musicien.
Qu'est-ce qui vous a poussé à enregistrer l'intégrale de la musique pour piano de Luciano Berio ?
L'envie d'entreprendre une aventure dans un genre musical et un répertoire dont je me sens particulièrement proche. Les enregistrements d'intégrales représentent un véritable défi pour les musiciens, car ils doivent englober différents styles et périodes de la vie du compositeur. Souvent, nous sommes confrontés à des œuvres qui ne nous conviennent pas parfaitement ou auxquelles nous ne sommes pas particulièrement attachés, mais nous devons tout de même nous les approprier, les faire mûrir et les enregistrer.
Que représente Luciano Berio pour vous ? Quelle est sa place dans l'histoire de la musique ?
Luciano Berio représente un voyage et un chapitre de ma vie. Malheureusement, pour des raisons historiques, je n'ai jamais eu le plaisir ou la chance de rencontrer le Maestro en personne. L'impression que j'ai de lui est purement basée sur l'idée personnelle que je me suis faite de lui, de sa musique, de ses interviews et de ses programmes télévisés, avec l'aide précieuse de personnes qui l'ont connu de près et qui ont vécu cette période historique particulière. Je suis reconnaissant à ceux qui m'ont aidé à plonger dans l'esprit du Maestro, comme le pianiste Andrea Lucchesini, avec qui j'ai eu la chance d'étudier au Centre d'études Luciano Berio de Radicondoli. En outre, j'ai eu le privilège de rencontrer plusieurs personnes étroitement liées à sa vie, comme sa première fille, Cristina, fille de Luciano et de la légendaire Cathy Berberian, sa troisième épouse, Talia Pecker Berio, et la conservatrice des fonds Berio et Berberian à la Paul Sacher Stiftung Angela Ida de Benedictis. Berio incarne pour moi la transgression, révolutionnant mon répertoire et me consacrant à sa musique. Il représente un défi permanent, me poussant chaque jour à affronter mes limites et à me confronter à la complexité de son langage. Si je ne suis pas celui qui déterminera sa place dans l'histoire de la musique, je suis convaincu que sa musique et sa personnalité ont influencé et continuent d'influencer les générations futures, en encourageant un esprit d'exploration et de curiosité permanentes.
Vêpres romaines. Pietro Paolo Bencini (1675-1755) : Deus in adjutorium. Ave Maris Stella. Laeva eius. Dixit Dominus. Dum esset Rex. Beatus vir. Nigra sum. Alessandro Scarlatti (1660-1725) : Laudate pueri Dominum. Magnificat a 5. Ensemble Jacques Moderne, Joël Suhubiette. Cécile Dibon-Lafarge, Cyprile Meier, Juliette Perret, Julia Wischniewski, soprano. Margot Mellouli, Guilhelm Terrail, alto. Marc Manodritta, Guillaume Zabé, ténor. Didier Chevalier, Matthieu Le Levreur, basse. Rémi Cassaigne, théorbe. Hendrike Ter Brugge, violoncelle. Emmanuel Mandrin, orgue. Livret en français, anglais ; texte latin des paroles et traduction en français et anglais. Mai 2021. TT 65’11. Mirare MIR602
John Adams (né en 1947) : Girls of the Golden West. Livret d’après des sources originales par Peter Sellars. Julia Bullock, Dame Shirley ; Davone Tines, Ned Peters ; Paul Appleby, Joe Cannon ; Hye Jung Lee, Ah Sing ; Elliot Madore, Ramon ; Daniele Mack, Josefa ; Ryan McKinny, Clarence. Los Angeles Master Chorale, direction : Grant Gershon ; Los Angeles Philharmonic Orchestra, direction : John Adams. Live recording 2023. Livret, synopsis et texte chanté en anglais. 2CD Nonesuch. 075597900484.
Georg Böhm (1661-1733) : Préludes et Fugues en ut majeur, ré mineur, la mineur. Ach wie nichtig, ach wie flüchtig. Treuer Gott, ich muss dir klagen - Freu dich sehr, O meine Seele. Auf meinen lieben Gott. Gelobet seist Du, Jesu Christ. Christe, der Du bist Tag und Licht. Wer nun den lieben Gott lässt walten. Herr Jesu Christ, dich zu uns wend. Christophe Guida, orgue Thomas de l’église Saint-Jean de Wissembourg. Livret en français, anglais. Juin 2022. TT 76’35. Paraty 1823145
Homeland. Edvard Grieg (1843-1907) : Concerto pour piano en la mineur, Op.16 ; Manuel de Falla (1876-1846) : Noches en los jardines de España. Judith Jáuregui, piano ; Orquesta Sinfónica de Castilla y León, direction Kaspar Zehnder. 2023. Livret en anglais et espagnol. Eudora-SACD-2405.
Totentanz. Richard Strauss (1864-1949) : Burlesque pour piano et orchestre en ré mineur TrV 145 ; Franz Liszt (1811-1886) : Concerto pour piano nᵒ 1 en mi bémol majeur S. 124 : Concerto pour piano n°2 en la majeur, S.125 ; Totentanz S.126 : paraphrase über Dies Irae. Josu De Solaun, piano ; Moravian Philharmonic, direction : Jonathan Pasternack. 2021. Livret espagnol et anglais. Aria 016.
Le pianiste George Li est assurément l’un des jeunes artistes les plus intéressants du moment. Révélé au monde entier avec son Deuxième prix au Concours Tchaïkovski de Moscou en 2015, il mène depuis un parcours exemplaire que ce soit au niveau musical et artistique. George Li fait paraître un album intitulé “Mouvements” dont la pertinence et la justesse de ton nous ont donné envie d’en savoir plus ! Le musicien répond aux questions de Crescendo Magazine.
Notre nouvel album s'intitule « Mouvements », pourquoi ce titre ?
Je pense qu'il y a plusieurs raisons à ce titre ! D'abord, tout le programme est construit autour du thème de la danse, et l'idée de « mouvement » est un concept clé de l'album. Dès le début, l'Arabesque donne une sensation de mouvement grâce à ses textures aquatiques, tandis que le cycle des Davidsbündlertänze est comme une riche tapisserie de différentes formes de danse, chacune représentant une humeur et un sentiment différents. L'idée de mouvement est amplifiée dans les œuvres de Ravel et de Stravinsky par le biais de valses de salon et de ballets. L'autre aspect est que je joue trois grandes danses, chacune contenant plusieurs mouvements, en particulier dans Schumann. Je pense que cette double signification est très intéressante !
Il y a tant d'œuvres liées au thème des mouvements ? Comment avez-vous sélectionné ces quatre partitions de trois compositeurs différents ?
J'ai d'abord commencé par l'idée des danses, mais j'en suis venu à ces trois compositeurs en raison des liens que j'ai trouvés dans ces œuvres. Je pense que les Davidsbündlertänze sont une œuvre incroyable de Schumann qui est très sous-estimée de nos jours. Mais je pense que les formes et les éléments cycliques de cette pièce sont très étroitement repris par Ravel dans ses Valses nobles et sentimentales. Dans les deux suites, il existe des liens motiviques et harmoniques entre les danses, et l'idée du retour des thèmes à la fin de la pièce est très puissante - elle donne à l'auditeur le sentiment d'une catharsis et d'émotions très émouvantes. Même dans la Petrushka, l'œuvre est remplie d'idées motiviques et de thèmes qui reviennent, ce qui donne à l'ensemble de l'œuvre sa structure et sa cohésion.
Vous avez écrit le texte du livret de l'album. Est-il important pour vous de pouvoir vous adresser directement au public ?
Tout à fait ! C'était la première fois que je faisais quelque chose comme ça, et cela m'a permis de grandir et d'intérioriser les idées que j'avais sur le programme. Je pense qu'il est toujours utile et intéressant pour l'auditeur de visualiser les idées de l'artiste en coulisses, surtout en raison de la nature abstraite de la musique. Même si la musique ne peut pas être expliquée correctement par des mots, il est utile d'avoir une fenêtre sur les idées du morceau, une sorte de cadre pour mieux comprendre et ressentir/apprécier profondément la musique qui est jouée. Surtout dans un monde où les choses sont si accessibles et si vite digérées, je pense que trouver le temps de faire une pause et de réfléchir au programme a été très utile et important pour moi - j'espère que les auditeurs ressentiront la même chose !
Dans le livret, vous écrivez que la partition de Ravel (Valses nobles et sentimentales) est le lien entre les œuvres de Schumann et de Stravinsky. Pouvez-vous développer cette idée ?
Je pense que Ravel contribue réellement à jeter un pont entre la nature introvertie de Schumann et les descriptions extraverties et vivantes du ballet et de la danse russes dans l'œuvre de Stravinsky. Tout d'abord, la musique de Schumann traite en général des émotions et des sentiments internes du compositeur - peu importe que la musique soit bruyante ou descriptive, il y a un sentiment constant d'introspection. Par exemple, les deux personnages dominants (Florestan et Eusebius) des Davidsbündlertänze sont des personnifications des deux personnalités polarisantes de Schumann. On a l'impression que la musique de Schumann est incroyablement personnelle et intime, comme si elle était écrite pour un seul public. À l'inverse, Stravinsky se situe à l'autre extrémité du spectre - chaque scène ou mouvement est d'une clarté et d'une vivacité remarquables, avec tant de références à des effets orchestraux et à des scènes de théâtre. De cette manière, je pense que Ravel contient des éléments des deux compositeurs - bien qu'il ait également de nombreuses références orchestrales et qu'il ait été écrit en pensant au ballet, il y a un élément très intime et un sentiment très similaire à celui des Davidsbündlertänze.
Mvsicae Antiqvae Ephemeris. Johann Sebastian Bach (1685-1750) : Messe en fa majeur BWV 233. Tönet, ihr Pauken! Erschallet, Trompeten! BWV 214. Pastorale en fa majeur BWV 590. Concerto brandebourgeois no 6 en si bémol majeur BWV 1051. Sybilla Rubens, soprano. Stéphanie Houtzeel, contralto. Thomas Bauer, basse. Collegium Vocale de Gand, Philippe Herreweghe / Deborah York, soprano. Annette Markert, contralto. Jörg Dürmüller, ténor. Klaus Mertens, basse. Orchestre et Chœur baroques d’Amsterdam, Ton Koopman / Ton Koopman, orgue de l’abbaye de Melk / Nikolaus Harnoncourt, Gustav Leonhardt, viole. Edith Steinbauer, Eduard Melkus, alto. Frieda Krause-Litschauer, violoncelle. Alfred Planiavsky, contrebasse. Bruno Seidlhofer, clavecin. Josef Mertin, direction. Livret en anglais. 1950 et 2003, (ré)édition 2023. TT 76’06. Fra Bernardo FB 2311653
Cristian Măcelaru est de retour au pupitre de l’Orchestre philharmonique de Monte-Carlo pour ce second concert de la série estivale des Concerts au Palais princier. Il est accompagné par la jeune violoniste María Dueñas, l’un des noms qui s’impose dans le le milieu, portée par son contrat avec Deutsche Grammophon.
On remarque d’emblée des qualités indéniables : fraîcheur et tempérament juvéniles, sensation naturelle et intacte, maîtrise technique de l'instrument, son noble et personnel, joie de jouer tout en sourire... Est-ce suffisant pour conquérir l'auditoire ? Le Concerto pour violon n°1 de Max Bruch est une des œuvres favorites du public. María Dueñas semble avoir des difficultés malgré son sourire craquant. Il fait très chaud et humide, l'archet ne tient pas la route et de nombreux passages sont troubles.
Cristian Măcelaru soutient la jeune soliste dans un tempo détaillé et avec une dynamique soigneusement contrôlée, mais le résultat est décevant. Le dernier mouvement "presto stretta" majestueux et virtuose qui devrait terminer en feu d'artifice est plat. L'applaudimètre ne répond que modérément. María Dueñas dépose son bouquet à l'arrière de la scène et les applaudissements s'arrêtent. On est privé du bis virtuose qui aurait pu rattraper la performance.