Le Focus Musique classique à Echternach, l’excellence de l’éclectisme

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Située au cœur du Mullerthal, région du Grand-Duché plus connue par les amateurs de promenades sous le nom de « Petite Suisse luxembourgeoise », le long de la vallée de la Sûre, frontalière avec la Rhénanie-Palatinat allemande, la cité d’Echternach, la plus ancienne de ce pays renommé pour la densité de ses forêts et pour ses parcs naturels, n’a pas que des attraits de plein air. Elle est aussi très active sur le plan culturel, en particulier depuis que la magnifique infrastructure du Trifolion a été inaugurée en 2008. Ce bâtiment imposant, l’un des dix centres culturels régionaux du pays, est doté d’une salle de concert de 700 places, à la remarquable acoustique, d’une plus petite (Agora) dont la forme circulaire permet d’accueillir 300 personnes, ainsi que de plusieurs lieux de différentes tailles pour rencontres, conférences et activités diverses. En plein centre de la ville, qui compte un peu moins de 6000 habitants, le lieu bénéficie aussi de la proximité immédiate de l’abbaye d’Echternach, qui a connu une longue histoire du VIIe siècle jusqu’à sa suppression par les troupes française à la fin du XVIIIe. Si l’abbaye a subi des aménagements, des bâtiments abritant maintenant un lycée et un internat, il subsiste, en majesté, la Basilique mineure Saint-Willibrord, de style néo-roman avec des bas-côtés gothiques, qui porte le nom du fondateur de l’abbaye, un moine bénédictin venu des Pays-Bas (vers 658-739) où il fut aussi évêque d’Utrecht. Il est honoré chaque année à Echternach, où se trouve son tombeau, par un pèlerinage et une procession dansante à la Pentecôte.

En collaboration avec Kultur/lx – Arts Council Luxembourg, un organisme situé à Esch-sur-Alzette dont la mission est la promotion et la diffusion de la scène luxembourgeoise, l’Echter’Classic Festival, qui se déroule chaque début d’automne, a proposé, les 6 et 7 octobre, un Focus Musique Classique dont la programmation éclectique s’est étalée de la période baroque au contemporain le plus récent, une création mondiale étant inscrite à l’un des huit concerts prévus sur les deux jours. Cinq d’entre eux se sont présentés sous la forme d’un module de trente minutes et ont permis aux spectateurs et aux professionnels invités, dont des programmateurs venus de France, de Hollande, d’Allemagne et de pays de l’Est, d’approfondir leur connaissance d’artistes luxembourgeois. 

A Genève, un Festival Chopin de qualité

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Au cours de chaque automne, la Société Frédéric Chopin de Genève organise un festival grâce à la ténacité illimitée de sa présidente et fondatrice, Aldona Budrewicz-Jacobson. Pour sa 26e édition qui comporte cinq concerts, la première soirée du 5 octobre en la Salle Franz Liszt du Conservatoire a été assurée par le pianiste véronais Alberto Nosè, l’un des invités réguliers depuis 2001, qui, en outre, dirige une masterclass durant quatre jours. 

Son programme entièrement consacré à Chopin reflète son tempérament fougueux et une endurance à toute épreuve puisque, en première partie, il propose la Fantaisie op.49 et la Troisième Sonate op.58, alors que la seconde partie comporte le 1er Concerto op.11 accompagné par le Quintette Ephémère.

La Fantaisie en fa mineur op.49 datant de 1841 est complexe par ses métamorphoses rythmiques et harmoniques. Dans le Tempo di marcia initial, Alberto Nosè cultive une nuance piano extrêmement sombre qu’éclaircit la main droite par de méditatives inflexions. Les formules en arpèges se resserrent progressivement pour parvenir à un agitato tumultueux qu’endiguera le bref choral en accords détachés, rapidement submergé par le torrentiel da capo. Accalmie bienvenue que le Lento sostenuto conçu comme une douloureuse réflexion que bousculera à nouveau la reprise du Tempo primo glissant dans la boursouflure, défaut récurrent de ce jeu qui, néanmoins peut s’alléger pour iriser l’Assai allegro conclusif. 

Par une franche attaque des accords débute la Troisième Sonate en si mineur op.58 qui sait profiter des traits ascensionnels de la main gauche pour élaborer un cantabile clair qui se gorgera de lyriques épanchements devenant pathétiques dans la stretta conclusive. Le Scherzo est aérien par la volubilité des traits qui s’imbriquent naturellement jusqu’à un moderato en accords tenus. Le Largo constitue ici le point fort de cette première partie, car il est d’une rare sobriété sans la moindre afféterie en une sonorité unie sans être monochrome. Par contre, le Finale se veut brillant par l’exhibition d’une virtuosité quelque peu tapageuse. 

A l’OSR, une création de Michael Jarrell  

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Sous le titre ‘Première Mondiale’, l’Orchestre de la Suisse Romande a ouvert sa saison 2023-2024 au Victoria Hall de Genève le 4 octobre dernier. Effectivement, ce premier concert comportait une création du compositeur en résidence Michael Jarrell, interprétée par l’artiste en résidence, le clarinettiste suédois Martin Fröst.

Emanant d’une commande de l’OSR associé aux orchestres du Capitole de Toulouse, de Tokyo et de São Paulo, Passages est donc un concerto pour clarinette et orchestre à très large formation qui commence par un solo développé comme une incantation sur un canevas mystérieux innervé de brèves figures mélodiques qui se condensent pour parvenir à un premier tutti. L’instrument soliste produit alors des formules interrogatives qui en viennent à exacerber le discours. Mais un duetto avec la harpe sert d’accalmie avant une montée en puissance entraînant de cinglantes déflagrations qu’atténuera le glockenspiel pour faire place à une séquence méditative conçue comme un andante rasséréné. Les cuivres menaçants suscitent une suite de trilles de la clarinette ramenant la lumière sur un final dont Martin Fröst accentue l’éclat par des traits échevelés d’une virtuosité ahurissante sur l’ensemble de la tessiture. Devant le succès remporté par cette création, succès qui émeut profondément le compositeur, le clarinettiste fait appel à Jonathan Nott et à l’Orchestre afin de proposer en son honneur un bis qui est une brève page écrite par son frère, Göran Fröst, et intitulée Klezmer Dance n.2, éblouissante démonstration de la maestria du soliste.

Assiette anglaise de flûte et piano à l’heure du premier XXe siècle

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Shadow Dances. York Bowen (1884-1961) : Miniature Suite ; Sonata Op. 120. Ralph Vaughan Williams (1872-1958) : Suite de ballet. Lennox Berkeley (1903-1989) : Sonatina Op. 13. William Alwyn (1905-1985) : Sonata. Arnold Bax (1883-953) : Four Pieces. Howard Ferguson (1908-1999) : Three Sketches. Adam Walker, flûte. Huw Watkins, piano. Juillet 2022. Livret en anglais, allemand, français. TT 77’17. Chandos 20265

Benoît Delbecq et Steve Argüelles habillent une radio imaginaire

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Apophonix. Benoit Delbecq (1966-), Steve Argüelles (1963-). Christophe ‘Disco’ Mink ; Nicolas Becker ; Lutosławski Quartet. 42’11" – 2022 – Livret : anglais. Signature. SIG 11120. 

Atmosonix. Benoit Delbecq (1966-), Steve Argüelles (1963-). Christophe ‘Disco’ Mink ; Nicolas Becker ; Lutosławski Quartet, Lucy Railton. 39’23" – 2023 – Livret : anglais. Signature. SIG 11123. 

À Rennes, le Couronnement de Poppée moderne et émouvant 

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L’Opéra de Rennes présente Le Couronnement de Poppée dans la mise en scène de Ted Huffmann. Cette production, créée au Festival d’Aix-en-Provence en 2022, a remporté un immense succès pour sa modernité qui fait écho à notre monde actuel. Damien Guillon est à la baguette pour diriger son ensemble Le Banquet céleste et un plateau vocal de luxe composé essentiellement de ses collaborateurs de longue date.

Mise en scène d’une modernité renversante

Un immense cylindre bicolore, noir d’un côté et blanc de l’autre, est suspendu au plafond et domine la scène tout du long. Il change de hauteur, tourne sur lui-même, et certains personnages le font pivoter. Est-ce le clair-obscur de la nature humaine ? Ou le téléscopage du caractère de Néron ou de Poppée ? Chacun peut interpréter à sa façon, et c’est l’enjeu de cette mise en scène à la fois ambiguë et précise. Dans un décor dépouillé de Johannes Schütz (tous les accessoires sont sur les côtés de la scène, légèrement hors champ des spectateurs) et les costumes « banals » (chemise-costume pour les rôles masculins, robe et tailleurs pour les rôles féminins) dessinés par Astrid Klein, les personnages évoluent sous le regard des autres. En effet, tous sont présents sur scène en permanence, assis au fond, ou en train de se changer dans les « réserves » d’accessoires, ou encore tout simplement debout, immobiles, contre le cadre de la scène. Ils observent ce qui se passe, accoudés ou les bras ou jambes croisés. Hormis les moments où ils sont protagonistes d’une action donnée, ils n’ont pas l’air d’être concernés par l’intrigue, mais sont-ils vraiment indifférents ? Les éclairages (Bertrand Couderc) semblent mettre en lumière la pensée de personnage, à l’instar de la teinte jaune-orangé tamisée -chaleureuse et sombre en même temps- qui montre Othon citant le nom de Drusilla alors qu’il a Poppée dans le cœur. Ted Huffman laisse à plusieurs reprises (notamment dans l’acte III) un long silence entre deux séquences ou scènes, pour exprimer l’hésitation ou la réflexion du personnage concerné, laissant ainsi une suspension… de pensée ? de temps ? de moral ? Une fois de plus, l’ambiguïté joue et influe sur notre perception.

Le Liceu ouvre sa saison avec un Eugène Onéguine immergé dans un labyrinthe de passions

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Il y a un certain paradoxe dans le fait que les deux grandes maisons d’opéra de l’Espagne méditerranéenne ouvrent leur saison 2023 avec les deux grands opéras de Tchaïkovski : Eugène Onéguine à Barcelone et La Dame de Pique à Valencia. Sachant qu’une ouverture de saison se programme au moins deux ans à l’avance, ces grands phares de la culture slave semblent aujourd’hui faire une heureuse balance à la barbarie que l’armée russe sème ces jours-ci, en produisant simultanément deux ouvrages-clés de Tchaïkovski basés sur des textes de Pouchkine, l’un des plus grands archétypes de l’humanisme russe. La création ibérique eut lieu justement au Liceu en 1955. Tout en étant une composition essentielle dans l’œuvre de Tchaïkovski, cet opéra n’est pas représenté en Occident aussi souvent que ne le mérite une musique extrêmement inspirée, d’une véhémente plasticité mélodique et prodigieusement bien orchestrée. Écrite pendant la période de sa mésaventure avec son élève Antonina Milioukova, laquelle (peut-être inspirée par Pouchkine…) proposa dans une lettre le mariage à son insensible maestro homosexuel. Tous les deux finiront par accepter consciemment cet arrangement contra natura dont le résultat pour la psyché des deux protagonistes fut plus que dévastateur. Les analogies ne s’arrêtent pas ici car Pouchkine lui-même semble avoir décrit de manière prémonitoire sa propre mort en duel avec l’officier français Georges d’Anthès, lequel courtisait assidûment sa propre femme, Natalia Gontcharova même après avoir épousé la sœur de celle-ci.