Verdi et douze compositeurs italiens rendent hommage à Rossini

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Messa per Rossini. Requiem de Verdi et 12 autres compositeurs en mémoire de Rossini.  Maria josé Siri, soprano ; Veronica Simeoni, mezzo-soprano ; Giorgio Berrugi, ténor ; Simone Piazzola, baryton ; Riccardo Zanatello, basse. Choeur et Orchestre de La Scala de Milan,  Riccardo Chailly. 2018 - enregistré en direct Teatro alla Scala, Milan 8-15 novembre 2017- 2CD -CD 1 59.48- CD 2 40.56- livret en anglais, allemand, français, italien- textes en allemand, latin, anglais, français-chanté en latin-DECCA483 4084

À la Scala, une splendide Belle au Bois Dormant 

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Pour la Scala de Milan, Rudolf Nureyev avait conçu sa première production de La Belle au Bois Dormant en septembre 1966, en remaniant la chorégraphie originale de Marius Petipa dans des décors et costumes de Nicholas Georgiadis. Mais depuis octobre 1993, le cadre scénique a été modifié ; et Franca Squarciapino a recouru, pour le fond de scène, à la toile peinte imitant le ‘sfumato’ d’un Fragonard qui nimbe d’une lumière dorée d’antiques ruines devant lesquelles se dresse une salle de palais baroque avec portiques à chambranle, escalier circulaire à colonnes torses encadrant le berceau d’apparat d’Aurore. Après la scène de chasse dans un sous-bois automnal, l’on retrouvera la structure initiale où s’encastrera un trône à baldaquin tributaire de l’esthétique du Bernin. Et ses costumes, d’un goût irréprochable sous les lumières de Marco Filibeck, proscrivent le bariolage auquel l’on est accoutumé pour prôner une harmonie chromatique vêtant de pastel le cortège des fées, alors que les habits de cour étincellent de brillants coloris sans être surchargés. Et même Carabosse, flanquée de ses bouquetins, arbore la sombre crinoline à panier d’une souveraine déchue face à une Fée des Lilas échappée d’une estampe du XVIIIe.

Le« Requiem » de Mozart et « Tosca » de Puccini au festival d'Aix-en-Provence : servir et desservir

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Les deux premières productions du Festival d’Aix-en-Provence sont très révélatrices du rôle que jouent les metteurs en scène : donner à voir, à mieux comprendre ou à comprendre autrement les mots et les notes d’une œuvre. Ils se mettent au service de l’œuvre, mais il arrive aussi qu’ils la desservent.

Romeo Castellucci nous propose une lecture inattendue mais bienvenue du Requiem de Mozart, dont il faut d’abord se rappeler qu’il n’est pas une œuvre scénique. Mais de nos jours, la tendance est à mettre en scène des oratorios ou autres œuvres du genre. On connaît le talent de Romeo Castellucci, la radicalité de ses interpellations scéniques. Pour le meilleur et pour le pire. Il nous a émerveillés, il nous a aussi prodigieusement agacés. 

Son Requiem de Mozart est paradoxalement un hymne à la vie : quelle que soit l’inexorabilité de notre destin, quel que soit celui, tout aussi inexorable, que nous préparons pour notre société humaine, la vie s’impose toujours. 

À Hardelot, un dimanche Heureux avec Ensembles Artifices et Tictactus

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Entouré de la réserve naturelle du marais de Condette, un château néo-Tudor du XIXe siècle se dresse paisiblement. Face à cet édifice aux murs blancs, un peu plus loin, un autre bâtiment, circulaire et tout en bois, se fond dans l’environnement. C’est le théâtre élisabéthain, unique en France, inauguré en juin 2016. C’est là qu’ont lieu les concerts du soir du Midsummer Festival.

Passerelle conceptuelle entre Asie et Occident 

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Qigang Chen (né en 1951) : Wu Xing the Five Elements ; La joie de la Souffrance : concerto pour violon et orchestre ; Fritz Kreisler (1875-1962) : Tambourin Chinois ; Sergei Rachmaninov (1873-1943) : Danses symphoniques. Maxim Vengerov, violon ; Shanghai Symphony Orchestra, Long Yu. 2018-Livret en anglais et allemand-74’21-DGG-483 6606.

Un trop ignoré Dussek entre Mozart et Beethoven

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Jan Ladislav Dussek (1760-1812) : Concerto pour deux pianos en si bémol majeur, op. 63 ; Quintette pour piano, violon, alto, violoncelle et contrebasse en fa mineur, op. 41 ; Notturno concertant en mi bémol majeur, op.68. Olga Pashchenko, Alexei Lubimov, fortepianos - Finnish Baroque Orchestra.  DDD-2018-Notice en allemand, anglais et français. 86'57". Alpha-Classics, Alpha 416

Bechara El-Khoury et sa musique pour piano 

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Si l’on connaît bien la musique pour orchestre du grand compositeur franco-libanais Bechara El-Khoury, régulièrement programmée et enregistrée par des chefs comme Paavo Järvi, Daniele Gatti, Daniel Harding et bien d’autres, on connaît moins sa musique pour piano, pourtant essentielle dans son oeuvre. À l’occasion de la parution d’une anthologie, sous les doigts du pianiste Giacomo Scinardo (Naxos), Crescendo Magazine s’entretient avec le compositeur. 

On vous connaît plutôt comme compositeur de musique symphonique, mais la musique pour piano est également importante pour vous. Pourquoi ?

Depuis mon enfance, j'ai toujours été attiré par le grand orchestre symphonique ! Cela me faisait rêver et me procurait un plaisir inouï ! Bien sûr, j'aimais aussi beaucoup le piano car j'ai commencé à l'apprendre à l'âge de six ans. D'ailleurs, à douze ans j'avais écrit deux concertos pour piano et orchestre et quatre autres ont suivi jusqu'à l'âge de seize ans et bien entendu, ils ne sont pas repris dans mon catalogue, comme mes huit symphonies de l'époque.

Qu’est-ce que le piano peut rendre comme expression ou couleurs que  l’orchestre ne permet pas ?

Le piano solo est plus intime à mon avis et je constate qu'en général ma musique pour piano est parfois plus évoluée que ma musique pour orchestre !

La Salle Favart célèbre le 200e anniversaire d’Offenbach avec Madame Favart

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Madame Favart, l’opéra comique en trois actes d’Offenbach créé à la fin de sa vie en 1878 -il mourra en 1880- permit au compositeur d’origine allemande un retour « sur scène » après une période difficile suite à la défaite française face à la Prusse. C’est le dernier éclat de sa vie, le « dernier grand succès » selon le chef Laurent Campellone.
Mais notre impression sur cette production est mitigée : il est déconcertant de suivre constamment un mélange de musiques de styles tout azimut pendant 2 heures 30. Certes, Offenbach savait parfaitement comment fonctionnait le public et il a concocté une belle partition qui, à la fois, répondait aux attentes de ce dernier et le surprenait. Ainsi, à côté d’un joyeux ensemble pour l’Orphée aux enfers, on trouve des envolées lyriques très amples ou encore une tyrolienne. Aujourd’hui, pour nos oreilles qui ne sont pas (ou plus) habituées à ce genre de patchwork, la surprise agit autrement et il nous faut du temps pour pouvoir tout digérer… Au milieu de tout cela, cependant, un très bel air de Charles-Simons Favart dans l’acte III, justement surprenant dans sa facture (on frôle le music-hall !), montre le parfait savoir-faire de l’homme qui fut un temps le roi de l'opérette.

Apprendre à aimer le hip-hop: de l’intérêt d’une approche sociologique de la musique

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Nous sommes en direct des demi-finales du Concours Reine Elisabeth 2019. Une musicienne classique au micro de Camille de Rijck s’extasie devant la complexité technique d’une œuvre qui vient d’être interprétée en ajoutant : « Ah ça, ce n’est pas de la simple musique pop ! ». Le journaliste de la RTBF rattrape vite le coup en spécifiant « Oui, avec tout le respect que nous avons pour nos collègues du milieu de la pop. » Je suis très déçue de n’avoir pas pu remettre la main sur l’enregistrement de cet incident à la fois drôle et gênant auquel j’ai assisté en direct, tant il m’a frappé et tant j’aurais voulu le partager.

Quelques jours plus tard, mon compagnon me montre un article croustillant trouvé sur Slipped Disc[1]. Sujet de l’article : L’attribution du prix Pulitzer (catégorie musique) au rappeur Kendrick Lamar en 2018. Son auteur, Norman Lebrecht, décrit cet événement comme « un sacré coup de poing dans la figure de la composition contemporaine ». Il poursuit en disant que « tout critique à moitié éveillé aurait pu nommer une douzaine de créations classiques récentes de compositeurs américains qui auraient mérité une considération sérieuse » et demande aux membres du jury s’ils pourraient expliquer leurs critères.

La vérité est que le seul critère est le suivant : la commission Pulitzer décerne chaque année le prix à « une composition musicale remarquable écrite par un Américain, créée ou enregistrée aux États-Unis pendant l’année ». A l’instar du prix Nobel de littérature octroyé à Bob Dylan, ce Pulitzer marque une première dans l’Histoire : aucun artiste de chanson populaire, encore moins de hip-hop, n’avait reçu cette récompense auparavant. Mais alors que même les fans de Dylan n’étaient pas tous sûrs que des chansons puissent être qualifiées de « littérature », DAMN., l’album pour lequel Lamar reçoit ce prix, est indéniablement une œuvre de musique contemporaine américaine. La seule règle que le jury ait enfreinte, c’est la règle implicite selon laquelle ce prix est réservé aux musiciens des sphères de la musique savante (à savoir, la musique écrite).

À Genève, une Belle au Bois Dormant par de jeunes Russes 

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Pour achever sa saison, le Grand-Théâtre de Genève invite le Ballet Yacobson de Saint-Pétersbourg pour quatre représentations de l’un des grands chefs-d’œuvre de Tchaikovsky, La Belle au bois Dormant.

Fondée en 1969 par le chorégraphe Leonid Yacobson, cette compagnie est totalement indépendante d’un théâtre et regroupe de jeunes danseurs constituant en fait le Ballet Académique National de Saint-Pétersbourg, avec actuellement à sa tête Andrian Fadeev, ex-danseur étoile devenu son directeur artistique depuis 2011. Elle est accompagnée par la formation qui collabore régulièrement à ses spectacles, l’Orchestre Symphonique National de Saint-Pétersbourg, placé sous la direction d’un chef chevronné, Alexander Titov.

La chorégraphie a été confiée à Jean-Guillaume Bart qui avait été promu danseur étoile à l’Opéra de Paris le 5 janvier 2000 lors d’une représentation de La Belle au Bois Dormant ; et maintenant c’est lui qui élabore sa propre version d’après celle de Marius Petipa qui en est la base historique. S’y dégage aussi l’influence de la production parisienne de Rudolf Nureyev que Jean-Guillaume Bart a dû danser maintes fois, en incorporant certaines de ses trouvailles comme la scène des tricoteuses du premier acte, l’intermède dansé dans la partie de chasse ou le voyage de la Fée des Lilas et du Prince dans une nacelle en forme de cygne. Dans le dernier tableau, il rétablit même, lors de l’évocation des contes de Perrault, la rencontre de Cendrillon et du fils du roi en quête de la pantoufle de vair. Et sa relecture est développée avec fluidité dans un décor sobre utilisant les intérieurs de palais et sous-bois tirés des cartons des Galli-Bibiena et des costumes tout aussi simples élaborés par Olga Shaishmelashvili sous de beaux éclairages dus à Evgeny Ganzburg.